domingo, 30 de marzo de 2014

John Lewis / Django





El maestro John Lewis nos dejaba el 29 de marzo de 2001


Modern Jazz Quartet estuvo formado por el vibrafonista Milt Jackson, el bajo de Percy Heath, las percusiones de Connie Kay y el piano y arreglos de John Lewis. La formación conoció el éxito a mediados de los años cincuenta y mantuvo su prestigio hasta finales de los noventa, descontando un periodo de silencio entre los años 1974 y 1981.

Fue la imagen de John Lewis, compositor y arreglista del grupo, vestido siempre con su impecable esmoquin, la que otorgó la marca distintiva al MJQ. La banda, orientada al swing, tocaba tanto en salas de baile como en pequeños clubes.

Considerado un gran estilista amante de la forma perfecta, John Lewis comenzó su carrera musical en 1946, en la orquesta de Dizzy Gillespie, para el que compuso Tocata para una trompeta, acompañándolo de gira por Europa.

Pianista puntilloso, Lewis tocó en Estados Unidos con Charlie Parker, entre 1947 y 1948, y Miles Davis. Éste último adoptó para el repertorio de su grupo dos de los temas de Lewis, Rouge y Move. Tras grabar con el Milt Jackson Quartet, en 1951, deciden formar el Modern Jazz Quartet y graban su primer disco en 1952. Su tema más conocido es Django.

Sin abandonar las actividades de su grupo, John Lewis siguió colaborando con otros artistas de jazz y también con formaciones de música clásica. Grabó obras de Bach, así como discos en compañía de Charles Mingus, John Webster, Thelonius Monk, Sonny Rollins y Stan Getz.

Entre sus grabaciones más destacadas figuran Round about midnight, con Dizzie Gillespie; Rouge, con Miles Davis y Preludios y fugas, de Johann Sebastian Bach.

Nacido el 3 de mayo de 1920 en Illinois (EE UU), creció en Albuquerque y Nuevo México, donde aprendió a tocar el piano a partir de los siete años. Más tarde estudió música y antropología.

Lewis no descuidó su vocación pedagógica, y, además de crear una escuela de verano de jazz en Lenox, Massachusetts, fue profesor de música en el City College de Nueva York.

viernes, 28 de marzo de 2014

Tete Montoliu - Desafinado·Meditaçao·Tristeza



Tete Montoliu nace el 28 de marzo de 1933 en Barcelona


En el hasta hace poco desolador panorama del Jazz en nuestro pais, la figura del extraordinario pianista barcelonés, Tete Montoliu ha brillado con luz propia y casi en solitario durante muchos años. Tete nació en el seno de una familia barcelonesa de gran vocación musical: su padre integraba la Banda Municipal y la Gran Orquesta del Liceo, y su madre era una entusiasta aficionada al jazz. Niño prodigio, ciego de nacimiento, a los cuatro años, cuando ya garabateaba con notable precisión los primeros compases de pequeñas piezas clásicas, realizó un curso de música en la Escuela de Ciegos de Barcelona y posteriormente cursó estudios en el Conservatorio Superior de Música de la Ciudad Condal, iniciándose en el jazz atraído por la escucha, paciente y entusiasmada de otro gran pianista ciego, el maestro, Art Tatum.

Tete, tuvo la suerte de ser oído por el gran maestro del vibráfono, Lionel Hampton, que quedó deslumbrado por la expresividad de Montoliu, que entonces se ganaba la vida tocando en un oscuro pub barcelonés. El músico estadounidense lo invitó a sumarse a la gira europea de su banda. También tuvo la suerte de que otro gran músico, el saxofonista afincado en Barcelona, Don Byas, le animara a tocar con el en el mítico club "Jamboree" de la Plaza Reial de Barcelona. Desde entonces, Tete, tocó con casi todos los grandes maestros del jazz: los saxofonistas John Coltrane, Dexter Gordon, Ben Webster y Stan Getz; los trompetistas, Chet Baker o Paquito D'Rivera; el baterista, Elvin Jones y el violinista, Stephane Grappelli entre otros. A finales de los años cincuenta, dio sus primeros recitales en Nueva York, en el célebre club, "Up of the Gate" y fue distinguido como mejor pianista europeo de jazz por sus propios compañeros. Entre sus principales trabajos discográficos, más de sesenta discos grabados en distintos formatos, destacan "Body & Soul" (Black Lion, 1971), "Tete!" (Steple Chase, 1974; "Tete a Tete" (Steple Chase, 1976), "Lunch in L.A" (Original Jazz, 1979)."The Man From Barcelona" (1990) o por fin el extraordinario directo en Madrid, "Tete en el San Juan" (Melopea, 1997).
Tete Montoliu, falleció el 24 de agosto de 1997 en Barcelona víctima de un cáncer pulmonar. El jazz en España está en deuda permanente con este gran músico.

Pee Wee Russell "(What Can I Say, Dear) After I Say I'm Sorry"





Pee Wee Russell nace el 27 de marzo de 1906


Charles Elworth "Pee Wee" Russell fue un clarinetista extraordinario dotado de un particularisimo estilo. Aunque sus primeros instrumentos fueron el violín, el piano e incluso la batería, se inclinó por el clarinete iniciado por su amigo, Charlie Merrill y tras haber escuchado en Muskogee al clarinetista, Yellow Núñez.

Su debut profesional se produjo con la orquesta del cornetista, Gene Perkins, y su primer contrato importante fue en 1922, en la ciudad de St. Louis, con la formación de Herbert Berger. Decidió perfeccionar su estudio del clarinete para lo que contó con la inestimable ayuda del clarinetista, Tony Sarlie, solista extraordinario de la "St. Louis Symphony Orchestra". Dos años después, en 1924, entró a formar parte del grupo de Peck Kelley, en el que ya estaban, León Prima, Jack Teagarden y Leon Roppolo. Al año siguiente trabajó en el "Arcadia Ballroom" de St. Louis, con el cornetista blanco, Bix Beiderbecke y el director de orquesta, Frankie Trumbauer. Juntos los tres, se unieron en el verano de 1926, a la extraordinaria orquesta de Jean Goldkette, que actuaba regularmente en Hudson Lake en el Estado de Indiana.

Por aquella época, Pee Wee Russell, comenzó a frecuentar los ambientes jazzisticos de Chicago y conoció al extraordinario guitarrista blanco, Eddie Condon, y a los demás componentes de la "Austin High School", una prestigiosa institución musical de la ciudad del viento. Pee Wee Russell, grabó sus primeros discos en New York en 1927 con el grupo denominado: "Five Pennies". De aquellas grabaciones es destacable el tema "Ida" en el que ya revelaba un estilo a caballo entre Benny Goodman y Jimmy Dorsey. Fue en 1929, el año en que grabó "Hello Lola" y "Hone Hour" con la orquesta de Red McKenzie, cuando Pee Wee entró a formar parte de manera estable en los círculos musicales de la ciudad de Chicago, denominados familiarmente por el publico y la critica como los "Chicagienses". Durante los años treinta, Pee Wee Russell, tocó en diferentes formaciones. En 1932 con los "Rhythmakers"; en 1933 con Eddie Condon y su grupo; y entre 1935 y 1940 con Bobby Hackett, con la "Summa Cum Laude Orchestra" de Bud Freeman.

A lo largo de los años cuarenta, Pee Wee Russell, alternó su música al frente de algunos grupos propios, pero efímeros, o como solista en las formaciones de George Brunis, Bill Davison o Miff Mole. Junto a su amigo y compañero, Muggsy Spanier, comenzaron a buscar una música estilísticamente mas avanzada debutando con George Wein en el club "Storyville" de Boston. En 1957, formó dúo con el multiinstrumentista, Jimmy Giuffre y en 1958, Russell pasó a la historia del jazz como protagonista indiscutible de uno de los cuatro grandes discos del estilo dixieland ,sorprendentemente, grabados los cuatro a mediados de la década de los cincuenta. Veinte años atrás, el dixieland surgió como una respuesta blanca a la música inventada por los negros afro americanos. En 1958, cuando Pee Wee Russell graba para Esoteric Records el disco "Portrait of Pee Wee", el dixieland había incorporado innovaciones rítmicas y se había liberado de ciertos corsés. Russell tuvo la capacidad en ese disco de exponer la tradición de forma moderna, y eso mismo hizo Eddie Condon con su "Jammin' At Condon" (Columbia, 1954); Bobby Hackett con su "Coast Concert" (Capitol, 1955) y Jack Teagarden y Hackett con su álbum grabado para Capitol en 1957 titulado "Jazz Ultimate".

En 1962, Russell formó un cuarteto con el trombonista, Marshall Brown y con el que llegó a actuar en el "Village Vanguard" de New York y grabando en ése contexto un disco para Columbia extraordinario que le supuso ser declarado por la prestigiosa revista, "Down Beat" el mejor clarinetista del mundo. El disco se tituló "New Groove" y se nutrió de composiciones de Coltrane, de Tadd Dameron y Billie Strayhorn. Ese mismo año, el pianista Thelonious Monk, lo incluyó en su cuarteto, llegando a actuar en el Festival de Jazz de Newport. En 1965, hay otro hito discográfico en la carrera profesional de Pee Wee Russell, cuando graba para el sello Impulse! en 1965, el extraordinario álbum "Ask Me Now". Este disco está casi considerado como un testamento musical de Russell. Sus ultimas apariciones en publico tuvieron lugar en el "Town Hall" de New York y en el "Blues Alley" de Washington a finales de 1968. En 1969, poco antes de morir, participó en una sesión de "All Stars" en la Casa Blanca, residencia del recién elegido Presidente Nixon.

W. C. Handy - Loveless Love





El 28 de marzo de 1958 nos dejaba W.C. Handy "The Father of the Blues"


Hijo de un predicador métodista, el compositor, pianista cornetista y director de orquesta, W.C Handy estudió música desde niño en contra de la voluntad paterna y ayudado por un viejo violinista, Uncle White Walter, perfeccionándose después en el "Kentucky Musical Collage". Aprendió a tocar la corneta y, aún adolescente, se unió a la "Bessemer Brass Band". En 1893 participó en la Exposición Mundial de Chicago, al frente de un cuarteto vocal. En 1886 fue solista de corneta del grupo de los "Mahara´s Minstrels" del que fue después director musical y en cuya orquesta permaneció siete años. Con ese grupo hizo una gira en donde llegó a tocar desde Oklahoma, en el lejano Oeste, hasta la mismísima isla de en Cuba.

En 1903 formo una ragtime band en Clarkdale (Mississippi) y allí formó su primera banda de músicos negros, la "Colored Knights of Pytams", una formación que tocó tanto para público de raza blanca como de color y poco después se trasladó a Memphis. En 1909, Edgard H. Crump, candidato a la alcaldía de la ciudad, le encargó una canción para su campaña electoral. El tema que Handy compuso Mr. Crump (convertido, en 1912, en el famoso Memphis blues) contribuyó en el triunfo del candidato , y, naturalmente, en el éxito de Handy como compositor. En la misma época escribió otros célebres blues (Yellow Dog Blues, Beale Street Blues, Ole Miss, etc), inspirándose siempre en los cantos tradicionales de su pueblo, que le consolidaron su fama y le permitió fundar su propia editora musical en N.Y. en 1917.

Algunos años más tarde se quedó casi completamente ciego, a a pesa de los cual prosiguió con su actividad de compositor y director, y dirigió ocasionalmente a sus propios grupos, tocando la corneta. En los años siguientes participó en giras de varios grupos, como los de Jelly Roll Morton ( 1926) y Clarence Davis ( 1932). En 1936 estuvo en Nueva Cork con la orquesta del violinista Billy Butler. Consagrado ya como "el padre del blues" su fama creció tanto que, con ocasión de su sesenta y cinco cumpleaños, se dio un concierto en su honor, en el Carnegie Hall de New York. En 1943 a consecuencia de una aparatosa caída, quedó semiparalítico, pero no renunció por ello a su actividad profesional. En 1960 la ciudad de Memphis le erigió una estatua, y en 1969 se emitió un sello postal conmemorativo, incluso se realizó una película sobre su vida, la famosa "St. Louis Blues" protagonizada por Nat King Cole.

En 1941 Handy había escrito su autobiografía "Father of the blues". Al margen de su supuesta paternidad del blues, que él mismo se autoadjudicaba en lucha abierta con Jelly Roll Morton, lo que desencadenó una agria polémica en Down Beat , en 1938 tuvo, desde luego, el mérito de dar a conocer al gran público el género, aproximándole así mundo del jazz. Su música se situaba a mitad de camino entre el folclore negro y la obra de Tin Pan Alley. Fue un excelente compositor de temas construidos sobre la base del idioma blues, de gran impacto entre el público. Su famoso St. Louis Blues, por ejemplo, no ha perdido aún popularidad, y casi un siglo después de su creación, es considerado por muchos como el auténtico abanderado del jazz.

Cecil Taylor Trio 1995





Cecil Taylor cumple 85 años 


Pianista, y compositor, Cecil Taylor tenía en su sangre inoculado el mestizaje que después musicalmente explotaría. Su padre originario del sur, era cocinero y sirviente de un senador y su madre era india y los abuelos escoceses. Desde 1938 estudia música bajo la dirección de una profesora de piano, con quien aprende los conceptos de la música clásica. Mas tarde estudia percusión, con músicos de la NBC Symphony Orchestra. En 1951, se marcha a Boston, donde tiene familia y al año siguiente se inscribe en el New England Conservatory. Durante tres años estudia arreglos y armonía. Es por esta época cuando descubre el bebop. Conoce a los mejores jazzmen de Boston: Gigi Gryce, Jaki Byard, Charlie Mariano, Sam Rivers y Serge Chaloff, y en 1951 cuando, en el club Hit Hat, ve por primera vez a Charlie Parker.

Cecil Taylor, siempre citó entre los pianistas que le influenciaron a Lennie Tristano, Bud Powell, Mary Lou Williams (con quien tocara en dúo veinticinco años mas tarde en 1977 en el Carnegie Hall), Horace Silver y Thelonious Monk. A partir de 1952, empieza dar cuerpo a la idea de formar sus propios grupos pero mientras tanto, forma parte brevemente de la orquesta de Johnny Hodges y toca con el saxofonista soprano, Steve Lacy, a quien incluso da clases como complemento importante de sus fuentes de ingresos. En 1957, es contratado en el club Five Spot para acompañar al violinista-multiinstrumentista, Dick Whitemore y el club se pone de moda entre la vanguardia jazzistica. A principios de los años sesenta, además de participar en la obra "The Conection" con Archie Sheep, comienza a trabajar con el saxofonista Jimmy Lyons y el baterista Sunny Murray, que le acompañan a Europa (1962).

De regreso a Nueva York, toca por ultima vez con Albert Ayler en el Lincoln Center (1963). En 1966 firma dos álbumes en sexteto para el sello Blue Note, entre ellos, el que está considerado su obra maestra, el titulado "Conquistador". Cecil Taylor no tuvo fácil el que las compañías discográficas aceptaran su música por la evidente falta de comercialidad del freejazz, y eso le obliga, a principios de los años 70, a crear su propia compañía, la Unit Core. Se dedica a la enseñanza y colabora con bailarines y coreógrafos, entre otros con Mijail Baryshnikov (1979); realiza conciertos con el baterista Max Roach (1979); un "All Star International" (1984) compuesto por Enrico Rava, Frank Wright, John Tchicai, Andre Martínez, etc. Y con el Art Ensemble Of Chicago (1985). Energía, percusión, movimiento o danza: tres constantes que se esfuerza en dominar, con el fin de lograr perfección en el momento de la improvisación. Particularmente cuando toca en solitario, emplea un modo de desarrollo, de expansion, por acumulación y efectos de aceleración, subrayando así la idea de una "danza'' sobre el teclado.

Cecil Taylor, esta unánimemente considerado, como uno de los fundadores y máximos exponentes del freejazz; su pianismo es al mismo tiempo un derroche de virtuosismo, una demostración de fuerza con el piano y hacia el público, y de una intensidad extrema

I Can't Get Started





ames Moody nace el 26 de marzo de 1925


James Moody (saxofonista alto, tenor, cantante y flautista) se dedicó al saxo alto a los 16 años, sumando el tenor un año después. Tocó en la Fuerza Aérea Norteamericana entre 1943 y 1946 e inmediatamente después se unió, en pleno auge del bebop y soplando el tenor, a la banda del maestro de la trompeta, Dizzy Gillespie.

Tuvo oportunidad de grabar su primer disco con algunos de los integrantes de la Big Band de Gillespie, liderando un grupo que buscaba ampliar el sonido del quinteto de Charlie Parker. Eso fue en Octubre de 1984 y el grupo que grabó en el famoso club neoyorquino "Blue Note" se llamó "James Moody and His Modernists". Ese mismo año realizó su primera gira a Europa, afincándose en Paris donde residió hasta 1951. De este período provienen algunas de sus más interesantes grabaciones, entre ellas la composición que le dio la fama "I'm In The Mood For Love" una pieza versionada por Moody y de autoría compartida entre Dorothy Fields (letra) y Jimmy McHugh (música). Fue tanto el éxito que tuvo ésa pieza que de alguna manera lo lastró para el resto de su carrera.

En Europa, tuvo la oportunidad de grabar en Francia y en Suecia, donde hizo escuela con una banda de músicos locales llamada "His Swedish Crowns". De vuelta a los Estados Unidos, en 1952 formó un septeto, que lideró, agregando a su repertorio de instrumentos la flauta desde mediados de esa década, grabando intensivamente para los sellos "Prestige" y "Argos" hasta 1962. En ese año integró brevemente un grupo de tres saxofonistas tenores junto con Gene Ammons y Sonny Stitt. Nuevamente contacto con Dizzy Gillespie, sumándose a su quinteto entre 1963 y 1968. El último año con Dizzy, lo pasó en Europa con la gira que realizó su bigband. Después de dejar a Gillespie y hasta mediados de la década de los setenta, casi desaparece de la escena del jazz, y solo algún trabajo esporádico como solista o en algún que otro show en Las Vegas es lo que le mantiene en el candelero. En 1980, y cuando contaba 55 años, decide retomar su contacto con el jazz, cosa que hizo con acierto, mucho esfuerzo y gran tenacidad.

En la última década del Siglo XX, aparece frecuentemente en conciertos y festivales de jazz por toda Europa. Tuvo oportunidad de volver a tocar con su viejo amigo, Lionel Hampton y sus "Golden Men of Jazz". Su estilo de músico afincado en los terrenos del bebop, se ha ido edulcorando con el tiempo y a ello contribuyó bastante el particular apego al ultimo instrumento que adoptó: la flauta, con la que obtiene un particular y original sonido y convirtiéndose en uno de los grandes virtuosos de ese instrumento en el jazz. De su extensa y selecta discografía, podemos destacar los álbumes: "Moody's Mood for Love" (GRP, 1956) junto al cantante de vocalese, Eddie Jefferson; y el extraordinario "Don't Look Away Not" (Prestige, 1969) con el mismo cantante y Barry Harris al piano.

James Moody, llegó a finales del siglo XX, en plenitud de facultades, y sus discos editados en los últimos años del siglo pasado así lo demuestran. Su último álbum grabado en 2008, recibe una nominación a los premios Grammy, y tras ello, Moody cae gravemente enfermo. El 9 de diciembre de 2010, fallece por complicaciones causadas por el cáncer de páncreas, causando una gran conmoción en el mundo del jazz.

Volker Kriegel - Ingfried Hoffmann - Dave Pike 1969 NDR (G) - Slums & Wh...





Dave Pike cumple 76 años


El vibrafonista, Dave Pike inició sus estudios a los ocho años, tocando primero la batería y después el vibráfono, instrumento con el que desarrollaría su carrera profesional. Debutó a mediados de los años cincuenta, formando parte de los grupos del pianista, Elmo Hope, y del contrabajista, Curtis Counce. Con una bien ganada reputación entre sus colegas, en 1957 emprendió una larga y fructífera colaboración con el el pianista Paúl Bley, con el que obtuvo el reconocimiento del publico y de la critica especializada.

Cuando finalizó su colaboración con Bley, Dave Pike la inició con Dexter Gordon y Harold Land, antes de que formara, en 1961, su propio grupo, cosa que hizo junto al flautista, Herbie Mann y que permaneció unido hasta 1964. Participó en 1968 en el Festival de jazz de Berlín, vivió cinco años en Europa donde formó su propio cuarteto con músicos alemanes. Antes de volver a los Estados Unidos formó parte del proyecto de bigband europeo mas importante de aquélla época, cuando se unió a la de Kenny Clarke y Francis Boland. De vuelta a los Estados Unidos, reorganizó su grupo con el que actuó con mucha frecuencia en el sur de California. Pionero del vibráfono amplificado, Dave Pike pertenece a una generación de solistas que trató con éxito en los sesenta, de renovar el lenguaje del vibráfono en el jazz, dominado desde hacia mas de una década por el extraordinario maestro, Milt Jackson.

Su discografía como líder, no es demasiada extensa y comienza en 1961 cuando graba para el sello "Portrait" el disco "Pike's Peak", aunque su disco mas celebrado, es el grabado en 1986 para "Criss Cross" titulado "Pike's Groove"

Misty - Arnett Cobb 1982. (+lista de reproducción)





Arnett Cobb nos dejaba el 24 de marzo de 1989


Arnett Cleophus Cobb, nació en Houston en el Estado de Texas y ya tocaba el piano, la trompeta y el violín en su adolescencia antes de pasarse definitivamente al saxo tenor, su instrumento favorito. Sus primeros pasos serios en la música los dio con el trompetista tejano Chester Boone, entre 1934 y 1936, un empleo que compaginaba con sus estudios en el instituto. A renglón seguido estuvo trabajando con el trompetista y director de orquesta, Milt Larkin, entre 1936 y 1942 lo que le valió para desarrollar un estilo consistente a su música y a aprender de los saxofonistas de la banda - Illinois Jacquet y Eddie Vinson, entre ellos - el estilo de vida y el enfoque necesario para un músico de carretera.

En 1939, Count Basie, le ofreció el puesto de saxofonista en su orquesta que había dejado vacante tras su muerte el magnifico, Herschel Evans, pero Cobb, en una decisión poco comprendida musicalmente, prefirió mantenerse en Texas con Larkin. En 1939, volvió a rehusar una oferta de la banda de Lionel Hampton que si acepto, Illinois Jacquet. Ya tres años mas tarde, Arnett, si aceptó el puesto que volvió a ofrecerle Hampton en sustitución, precisamente de Illinois. Allí grabó el celebérrimo: "Flyn Home" con su apoteósico solo que le dio fama y prestigio.

Permaneció con Lionel Hampton hasta 1947 cuando formó su propio grupo, pero un accidente de tráfico lo dejo invalido para una temporada y tuvo que andar con muletas hasta 1959. Firmó entonces un contrato con Prestige, y entre 1959 y 1960, dejó en las arcas de ese sello, sus mejores grabaciones, destacando el titulado: "More Party Time" con Tommy Flanagan al piano y Sam Jones a la batería en la parte rítmica. Pero su precaria salud lo mantuvo recluido en Texas hasta bien entrados los años sesenta cuando tuvo la oportunidad de viajar a Europa donde obtuvo un fenomenal recibimiento, particularmente espectacular en Francia. Arnett Cobb mantuvo su elevada calidad musical hasta bien entrados los años ochenta cuando a finales de esa década, el 24 de marzo de 1989 falleció tras una recaída de su enfermedad.

domingo, 23 de marzo de 2014

Zoot Sims at San Remo '83







Zoot Sims nos abandonaba para siempre hace 29 años


John Haley "Zoot" Sims, comenzó a tocar de joven el clarinete y debutó profesionalmente en 1941 con el grupo de Kenny Baker; entre 1942 y 1943 tocó con Bobby Sherwood y sucesivamente conSonny Durham y Bob Astor. Al año siguiente trabajó en las orquestas de Benny Goodman y Sid Catlett, hasta que fue alistado en el ejercito americano. Licenciado en 1946, se reunió primero con Benny Goodman y a finales de ese año con Bill Harris, con cuyo sexteto actuó en el Café Society Updown. En aquellos años debutó discográficamente con la formación de Joe Bushkin.

Tras aquellos escarceos iniciales, la carrera de Zoot Sims dio un giro radical cuando conoció la música de Stan Getz y Jimmy Giuffre, músicos ambos que siempre ejercieron en el una influencia positiva. Un día Ralph Burns escuchó su particularísimo sonido al saxo tenor y lo recomendó calurosamente a Woody Herman, cuya orquesta era de las mejores en aquellos momentos y donde Woody siempre permanecía atento a los jóvenes músicos que venían empujando fuerte. En aquella formación de Herman, nació una de las secciones de saxos mas importantes de toda la historia del jazz y que fue bautizada como los "Four Brothers". Tras estar tres extraordinarios y fecundos años con Woody Herman, en 1949, Zoot Sims trabajó como free-lance en New York con varias formaciones importantes. En 1950 viajó con la formación de Benny Goodman por primera vez a Europa y en 1953 formó parte efímeramente de la formación de otro gran director de orquesta blanco como fue: Stan Kenton.

Se trasladó a California en 1954 y allí se enroló en el sexteto del saxo barítono Gerry Mulligan, con cuya formación realizó su segundo viaje a Europa. De regreso a los Estados Unidos, formó parte de los "Birdlands All Stars" y poco después formó un grupo con el también saxofonista, Al Cohn con quien de nuevo rompería moldes tras la perfecta empatía musical entre ambos. Tras varias giras por Europa -donde tuvo el privilegio de inaugurar en 1959, el famoso club londinense "Ronnie Scott's Club" - Sudamérica y los Estados unidos. Aquellos años de finales de los cincuenta y principios de los sesenta, fueron extraordinariamente fértiles en la carrera de Zoot Sims; no paraba de tocar en cualquier formación y formula, lo mismo estaba en Europa con la "Concert Jazz Band" de Mulligan, que en los Estados Unidos con la formación denominada "Jazz at Carnegie Hall"; lo mismo estaba con Gerry Mulligan con quien volvió a reunirse en 1960 para formar parte de una formación histórica del jazz como fue la citada "Concert Jazz Band", como con Benny Goodman en Moscú formando parte de la expedición organizada por el clarinetista y auspiciada por el Departamento de Estado norteamericano.

Esa frenética actividad no paró en toda la década de los sesenta y fue memorable su participación en 1966 en el grupo denominado: "Titans of the Tenors", junto a John Coltrane, Coleman Hawkins, y Sonny Rollins. Al año siguiente fue invitado por Norman Granz a formar parte de los "Jazz at the Philarmonic" con quien recorrió Europa nuevamente. En 1972 se reencontró con Woody Herman en una de las ediciones del festival de Jazz de Newport. En 1974 realizó una gira por Escandinavia junto a Al Cohn; en 1975 se unió con el guitarrista Buck Pizzarelli con quien colaboro durante varios años.

Zoots Sims fue una de los grandes saxofonistas tenores de la historia del jazz; inspirado en la melodía, el fraseo y el estilo de Lester Young, Sims fue en la orquesta de Woody Herman el saxofonista con mas personalidad de aquella histórica línea de saxos. Grabó a su nombre mas de cincuenta discos en casi todos los sellos mas importantes del jazz, algunos de los cuales, está considerado como autenticas obras maestras del jazz, como el grabado en 1977 para el sello: Pablo, propiedad de Norman Granz y titulado: "If I'm Lucky".

george benson - Take Five 1976 Montreux 1986





George Benson nace el 22 de marzo de 1943


George Benson es un guitarrista estadounidense de jazz; ha hecho también algunas exitosas aportaciones al jazz vocal (su voz es grave y su manera de cantar es similar a la de artistas como Stevie Wonder y Donny Hathaway). Se trata de uno de los artistas de jazz más populares de las últimas décadas, habiendo recibido además encendidos elogios por parte de la crítica.
Entre muchas distinciones, ha sido merecedor de 10 Premios Grammy, desde 1976, con This Masquerade como disco del año, hasta 2006, con God Bless The Child, como mejor interpretación vocal de R&B tradicional.
Niño virtuoso de la guitarra, grabó su primer single "It should have been me" a la edad de los 10 años. Su música ha abarcado tanto el swing y el bop como el hard bop, el quiet storm y la fusión del jazz con el pop y el soul; en Benson se pueden reconocer las influencias de Charlie Christian y Wes Montgomery. Es un guitarrista con un gusto supremo, un bonito sonido redondo, un maravilloso sentido lógico en la construcción de sus solos, gran dominio de la velocidad de ejecución, y todo ello ejecutado siempre con un swing impresionante e impecable.

miércoles, 19 de marzo de 2014

Bill Frisell 'Shenandoah"





Bill Frisell cumple 63 años


Bill Frisell jugaba en su infancia, transcurrida en Denver (Colorado) con guitarras. Su interés en la guitarra desde del punto de vista profesional comenzó cuando se vio inspirado por los sonidos pop que
sonaban en las radios por entonces. Muy pronto llegarían
las mejores influencias desde la gran ciudad de Chicago:
el blues lo comienza a apasionar a través de los trabajos de Otis Rush, B.B.King, Paul Butterfield y Buddy Guy. En su colegio de la secundaria, Bill toca en bandas que realizan "covers" de los clásicos pop y sobre todo soul de James Brown y otros clásicos. Mas adelante, Bill estudia música en la Universidad del Norte de Colorado antes de ingresar al Colegio de Música de Boston donde estudió con John Damian, Herb Pomeroy y Michael Gibbs. En 1978 se traslada a Bélgica donde se concentra a escribir música. Se relaciona con notables músicos y llega a realizar algunos recitales como músico de sesión. Al año siguiente Frisell viaja a New York, donde reside en la zona metropolitana hasta 1989, hasta que decide trasladarse a la ciudad de Seattle.

Inspirado musicalmente por artistas como Paul Motian, Thelonious Monk, Charles Ives, Sonny Rollins, John Zorn, le llama la atención los sonidos emergentes por aquélla época denominados "World Music" y es alentado a que profundice en ellos por su profesor Dale Bruning. En materia de grabaciones, Bill tocó en mas de una docena de discos, y en algunos actuó como co-líder. Su primer disco solista lo grabó para el sello ECM y se llamó "In Line". Allí tocó tanto la guitarra eléctrica como la acústica en una serie de solos y dúos con el bajista Arild Andersen. De ahí en adelante, Bill Frisell no pararía de grabar. Llegarían discos como "Rambler", "Loodout To Hope" , que marca el debut de su propia banda "Bill Frisell Band" en los estudios de grabación.

"Loodout To Hope" fue un álbum fundamental en su carrera por la diversidad de ritmos y estilos que confluyeron en él. Otro disco importante fue "Before We Were Born", su debut para Elektra Records en 1989. El éxito de este primer álbum con Elektra le exige sacar su segundo disco que tituló: "Is That You ?" donde se destacan nueve composiciones originales del guitarrista. Esta producción sería muy importante en la carrera de Bill, interpretando guitarras, bajo, banjo ukelele y el clarinete en algunos temas. Actualmente Bill Frisell está consagrado como gran guitarrista-compositor, a pesar de que tiene una particular visión musical que a veces lo aparta del jazz.

lunes, 17 de marzo de 2014

NAT KING COLE ROUTE 66





era la encargada de tocar el órgano de la iglesia. Fue la única maestra de piano que tuvo Nat en toda su vida. Aprendió tanto jazz como música gospel, sin olvidar la música clásica.
La familia vivía en el barrio de Bronzeville, famoso a finales de los años 20 por su vida nocturna y sus clubes de jazz. Nat visitó con frecuencia estos locales, escuchando a artistas como Louis Armstrong o Earl Hines.
Inspirado por Hines, Nat inició su carrera artística a mediados de la década de los 30 cuando aún era un adolescente. Adoptó el nombre de Nat Cole, abandonando la "s" de su apellido familiar. Su hermano mayor, Eddie, bajista, se unió a la banda de Nat cuando este realizó su primera grabación en 1936. Tuvieron un cierto éxito como banda local en Chicago y se convirtieron en habituales en los escenarios de los clubes. De hecho, el sobrenombre de "King" (rey) se lo dieron a Nat en uno de estos locales. Cole participó también como pianista en una gira junto a Eubie Blake. Cuando la gira llegó a Long Beach (California), Nat decidió establecerse allí.
Nat Cole junto con otros tres músicos formaron el grupo "King Cole Swingers" con el que actuaron en numerosos locales. Nat se casó con Nadine Robinson y se trasladó a Los Ángeles donde formó el "Nat King Cole Trio". El trío estaba compuesto por Nat al piano, Oscar Moore a la guitarra y Wesley Prince al Bajo. El trío actuó en Los Ángeles desde finales de los 30 y participó también en numerosos programas de radio.
A Cole se le consideraba un pianista de jazz brillante. Apareció, por ejemplo, en los primeros conciertos de "Jazz at the Philharmonic" (JATP). Un grupo compuesto únicamente por piano, guitarra y bajo en la época de las grandes bandas significó una auténtica revolución e impuso un estilo que más tarde imitarían otros grandes del jazz y del blues como Charles Brown y Ray Charles. Cole actuó también como pianista acompañante de artistas de la categoría de Lionel Hampton.
Sin embargo, Cole no consiguió llegar al gran público hasta "Sweet Lorraine" en 1940. Aunque había cantado diversas baladas con el trío, se avergonzaba de su voz y jamás se consideró un buen cantante.
A principios de los años 40, el "King Cole Trio" firmó un contrato con la discográfica "Capitol Records" con la que continuó durante el resto de su carrera. En la década de los 50, la popularidad de Cole era tanta que el edificio de la "Capitol Records" era conocido como "la casa que construyó Nat".
Su primer éxito como cantante lo obtuvo con "Straighten Up and Fly Right", basada en una leyenda afroamericana que su padre había utilizado como tema para sus sermones. Se considera que esta canción es la predecesora de las primera grabaciones de rock and roll.
Cole alcanzó el número uno de ventas en 1950 con la canción Mona Lisa. A partir de ese momento se inició una nueva etapa en su carrera, y se convirtió principalmente en cantante de baladas aunque no olvidó sus raíces en el jazz lo que no evitó que algunos críticos le acusaran de "haberse vendido" a la música comercial.
Nat King Cole se convirtió en el primer afroamericano en tener un programa de radio propio y en 1950 repitió la proeza, esta vez en un programa de televisión. Cole luchó durante toda su vida contra el racismo y se negó a actuar en los lugares en los que se practicaba la segregación racial. En 1956, mientras actuaba en Alabama, sufrió un ataque por miembros del "Consejo de ciudadanos blancos" que pretendían secuestrarlo. A pesar de que sufrió diversas heridas completó la actuación, en la que anunció que no volvería nunca más a actuar en el sur.
Se casó por segunda vez con Maria Ellington, con la que tuvo cinco hijos, dos de ellos adoptados. Su hija Natalie Cole es también cantante. Cole, fumador empedernido, falleció de cáncer de pulmón en 1965.

jueves, 13 de marzo de 2014

Charlie Parker - Summertime (Jazz Instrumental)

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Charlie Parker nos dejaba para siempre el 12 de marzo de 1955

Charlie Parker nació en el seno de una familia humilde en un barrio de Kansas City. Con 13 años ingresó en el "College Lincoln" donde se despertó en el el interés por la música. Empezó a estudiar bajo la dirección de Alonzo Lewis, que había tenido como alumno suyo anteriormente a Walter Page entre otros. En la banda de alumnos del colegio, le pusieron a tocar la tuba, pero su madre -bendita madre- no lo consideró un instrumento adecuado para el y con sus ahorros le compró su primer saxo alto.
Aprendió el instrumento de forma autodidacta e intentando al principio imitar a los grandes saxofonistas de Kansas City, como Ben Webster y sobre todo, Lester Young. Era 1935, y con tan solo quince años tenía el carné de músico profesional del "Local 627", sindicato de músicos de Kansas; se acababa de casar con una compañera del colegio mayor que el; iba a ser padre y ya había probado todo tipo de estupefacientes en una ciudad, Kansas City, cuyo alcalde, Tom Pendergast, era un notorio gangster. En 1938 después de que el clarinetista, Buster Smith, le aconsejara sobre la técnica del saxofón y el uso adecuado de las boquillas y cañas, se marcha a Chicago y de allí salta a New York. Sobrevive fregando platos en un restaurante donde Art Tatum, tocaba el piano y tras cuatro de años con el carné de músico y tras varias experiencias importantes, Charlie Parker entra en la banda del pianista, Jay McShann, con quien permanecerá hasta 1942, siendo un elemento fundamental en la sección de saxos. Con Jay McShann, grabará sus primeros discos importantes y en ellos está el germen del genio extraordinario que vendría poco después. En una de las estancias de la orquesta de McShann en el Savoy Ballroom de Harlem, se cruza por primera vez con quien seria su alter ego musical, el trompetista, Dizzy Gillespie.
Cuando McShann, decidió regresar con la orquesta a Kansas City, Parker optó por quedarse en Nw York, y participar en la agitada vida musical de la ciudad. Sus jam sesión en el Minton's Playhouse, eran diarias y en ese tiempo, el sustento económico lo proporcionaba un contrato con la orquesta de Earl Hines. De aquel periodo no hay grabaciones debido a la prohibición de grabar discos que se prolongó hasta bien entrado 1944. En aquella banda cantaba un músico que posteriormente formaría la primera bigband bop de la historia; estamos hablando de la orquesta de Billy Eckstines y por la que desfilarían futuros gigantes del jazz moderno: Art Blakey, Miles Davis o Tadd Dameron. "Bird" apodo por el que ya se le conocía, dejó pronto la orquesta y forma un cuarteto para tocar en el club "Three Deuces" de la Calle 52 en una sesión liderada por el guitarrista Tiny Grimes para el sello Savoy. El bebop, estaba a punto de llegar.
En 1945, Charlie Parker grabará junto a Dizzy Gillespie, una serie de discos que, para la historia, quedaran como los primeros verdaderos testimonios de esa nueva forma de jazz. La música contenida en las sesiones de Savoy (1944-1948) y Dial (1945-1947) son hoy indiscutibles clásicos del jazz. En Diciembre de aquel año, encabezando con Dizzy un sexteto estelar se marcho a California con un contrata para tocar en el club "Billy Berg's" de Los Ángeles y la experiencia es un fracaso musical y económicamente. La adicción de Parker a la heroína es total y hay noches que no aparece por el club, lo que provoca que Dizzy Gillespie decidiera no tocar mas con el, cosa que cumple con contadísimas excepciones. Cuando Gillespie regresa a New York, Parker se queda en Los Ángeles dada la relativa facilidad con que allí encontraba la heroína. Su cuerpo no resistió y tuvo que ser ingresado en el Hospital Psiquiátrico de Camarillo, después de una sesión fatídica de grabación de la que salió un angustioso "Lover Man" con Parker casi sin poder sujetar el saxo.
Siete meses después, desintoxicado, pero nunca curado, regresa a New York e iniciará a partir de 1947 y durante cuatro años, la etapa mas brillante y creativa de su carrera. Charlie Parker, llevó el mensaje del bebop por los clubes mas importantes de New York, -incluyendo el que inauguraron en 1949, cerca d Broadway y que bautizaron "Birdland" en su honor- y de las principales ciudades del país. Firma un contrato con el sello Verve, tercera estación de paso obligatoria en su discográfica junto a las sesiones grabadas para Savoy y Dial. Empieza a llegarle los honores cuando las revistas especializadas: Down Beat y Metronome, lo eligen varias veces como "Numero Uno" en su instrumento. 1949, es el año de su primer viaje a Europa con ocasión del Primer Festival Internacional de Jazz de Paris. En 1950 vuelve a visitar Europa tocando en Escandinavia y en 1951, lo hace en una gira organizada por Norman Granz bajo el patrocinio del JATP.
Nuevas recaídas con la droga le avisan del estado de salud, y provocan que le sea retirado el carné para poder tocar en los locales de New York. Mantiene una relación amorosa y sentimental con Chan Richardson que le da un hijo y una hija. Es la muerte prematura de esta ultima en 1954 la que acelera su fin. Alterna sesiones musicales grandiosas con estados depresivos cada vez mas frecuentes, bebe como un cosaco y su conducta es cada vez mas caótica hasta el punto de que intenta suicidarse de nuevo. Su ultima aparición en Birdland, el 5 de marzo de 1955 será una autentica catástrofe. El día 9 sintiéndose mal se refugia en la cas de la Baronesa Pannonica de Koenigwarter donde falleció mientras miraba un show cómico en la TV.
Charlie Parker, tenía 35 años y su muerte según el parte médico del forense - que dejó escrito que el cadáver era de un hombre que aparentaba 60 años- fue producto de una combinación entre neumonía, ulcera de estomago, cirrosis e infarto posterior. Al día siguiente, apareció por todas las paredes de New York, y en los vagones de metro, graffitis e inscripciones que decían: "BIRD LIVES". Y tenían razón. Charlie Parker, el más extraordinario saxo alto y el mas grande improvisador de toda la historia del jazz, había, en poco mas de una década, cambiado con su música el curso de esa misma historia de forma imparable y las consecuencias de su gigantesca aportación sigue hoy tan valida como entonces.

martes, 11 de marzo de 2014

Astor Piazzolla y Quinteto Tango Nuevo Live in Utrecht, 1986

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Astor Piazzolla nace el 11 de marzo de 1921

Astor Pantaleón Piazzolla fue un bandoneonista y compositor argentino, considerado uno de los mejores músicos del siglo XX.
Fue uno de los músicos de tango más importantes del siglo XX. Estudió armonía y música clásica y contemporánea con la compositora y directora de orquesta francesa Nadia Boulanger (1887-1979). En su juventud tocó y realizó arreglos orquestales para el bandoneonista, compositor y director Aníbal Troilo. Cuando comenzó a hacer innovaciones en el tango en lo que respecta a ritmo, timbre y armonía, fue muy criticado por los tangueros de la «Guardia Vieja», ortodoxos en cuanto a ritmo, melodía y orquestación. En los años posteriores sería reivindicado por intelectuales y músicos de rock.
Cuando en los años cincuenta y sesenta los tangueros ortodoxos —que lo consideraban «el asesino del tango»— decretaron que sus composiciones no eran tango, Piazzolla respondió con una nueva definición: «Es música contemporánea de Buenos Aires». Sus obras no eran difundidas por las estaciones radiodifusoras y los comentaristas seguían atacando su arte. Los sellos discográficos no se atrevían a editarla. Lo consideraron un snob irrespetuoso que componía música híbrida, con exabruptos de armonía disonante.

Entre los músicos contemporáneos a quienes admiraba profundamente se encuentran Alfredo Gobbi y, fundamentalmente, Osvaldo Pugliese. Este último con sus composiciones Negracha, Malandraca y La yumba se adelantó a lo que Piazzolla luego realizó como músico. Básicamente en la música de Piazzolla la marcación rítmica está basada en el tango Negracha (de Pugliese) compuesto en 1943 y grabado en 1948.
Siempre hubo entre Osvaldo Pugliese y Piazzolla una relación de respeto y admiración mutua. Pugliese hizo versiones de tangos de Piazzolla como: El cielo en las manos en 1951, Marrón y azul en 1956, Nonino entre 1961 y 1962, Verano porteño en 1965, Balada para un loco en 1970 y Zum en 1976. Piazzolla grabó de Pugliese: Recuerdo en 1966 y Negracha en 1956. Compartieron un recital juntos en el teatro Carré de Ámsterdam, Holanda, el 29 de junio de 1989. Cerraron el recital tocando juntos sus éxitos más populares: La yumba y Adiós Nonino. Ambos en una entrevista previa manifestaron su admiración y respeto mutuos y lamentaron el hecho que este recital no se realizase en Argentina.También, cabe decir que el tango que le dio pie de inicio a su estilo tanguero tan particular, fue la obra "A fuego lento", del compositor, pianista y director de orquesta Horacio Salgán.

ASTOR PIAZZOLLA 5et & GARY BURTON - Live Ravenna Jazz 1986 part 1

ASTOR PIAZZOLLA 5et & GARY BURTON - Live Ravenna Jazz 1986 part 1

COMENTARIO DEL DÍA:

En la segunda mitad de los años 80 entrevisté a ASTOR PIAZZOLLA en los estudios de la BBC para mi programa radial "Notas de jazz" y en esa oportunidad me dijo que desde niño se había interesado por el jazz y que de adulto siempre escuchaba jazz con mucho placer. Me explicó que el haber tocado y grabado con Gerry Mulligan y con Gary Burton era algo "natural" entre el nuevo tango y la música de jazz, que tenían elementos comunes, que se complementaban uno con el otro y que los músicos amalgamaban esas dos formas gracias al amor por la música de calidad. Piazzolla dejó esto demostrado en álbumes que grabó con los dos músicos de jazz mencionados y en videos y filmaciones que quedaron de algunos de los conciertos que dio con ellos en distintas partes del mundo.
Creo que esto se ilustra muy bien en los videos seleccionados abajo (parte 1 y parte 2), grabados en Italia en 1986 por el conjunto de Astor Piazzolla con el vibrafonista de jazz Gary Burton como invitado:

lunes, 10 de marzo de 2014

Bix Beiderbecke - I'm Coming Virginia,Royal Garden Blues,Just One More K...





Bix Beiderbecke nace el 10 de marzo de 1903


Leon Bismark Beiderbecke, "Bix" Beiderbecke fue un cornetista estadounidense, se trata de una de las primeras figuras de la historia del jazz y uno de sus grandes innovadores. Situado en plena época del swing, poseía un elegante y distintivo tono, y un espectacular y original estilo de improvisación. Fue el rival blanco de Louis Armstrong en los años veinte, aunque la comparación no es factible debido a las diferencias de estilo y sonido entre los dos.

Ornette Coleman Sextet - Free Jazz (1of 3)





Hoy cumple 84 años una leyenda viva, Ornette Coleman 


Ornette Coleman (Fort Worth-Texas 1930) soportó a finales de la década de los cincuenta las criticas mas feroces dirigida contra un músico de jazz en toda la historia. Fue acusado, ni más ni menos, de asesinar al jazz. Su delito fue haber grabado para el sello Contemporary, un par de discos bajo el patrocinio del productor, Lester Koening, que transgredía los espacios cerrados del jazz inmerso en un debate interiorista que a punto estuvo de reducirlo a cenizas.

En realidad, Ornette Coleman, agregó a su música la libertad intrínseca en el jazz, rompió moldes armónicos que establecía que la improvisación se establecía sobre los acordes y destrozó el concepto de la melodía usando sonoridades que hasta ése momento, solo merecían el despectivo calificativo de cacofonías; alteró la métrica rítmica, base canónica del jazz sin perder el swing (lo cual hasta ese momento parecía un contrasentido) y dejaba libertad para que sus músicos avanzaran por su cuenta sin mas norma que la atención a una suerte de comunidad emocional, aspecto este que llegaría al paroxismo en su disco: "Free Jazz" grabado para Atlantic.

Todo eso era demasiado pare servirlo en un mismo plato y las reacciones de la ortodoxia jazzistica fueron todavía mas airadas que las criticas recibidas por los boopers, de los clásicos del swing. Junto a Don Cherry, compañero de aventuras y desventuras, Ornette Coleman desarrolló una faceta de compositor de gran peso. Toda su escritura está marcada por el espíritu del blues y es en las baladas, donde su solvencia se hace mas patente. El disco cumbre de Ornette, titulado "The Shape of Jazz to Come" contiene precisamente una excepcional balada titulada, "Lonely Woman" que promueve un sentimiento de desolación total que contrasta con el resto de la música del disco que tiene un carácter mas bien burlón.

Los años 1959 y 1960, fueron sin duda los mejores años de la música de Ornette Coleman y el material grabado en esas fechas refleja una homogeneidad que solo puede venir de la convicción artística de un músico inmune al rechazo arbitrario de los demás.

sábado, 8 de marzo de 2014

BILLY ECKSTINE - STELLA BY STARLIGHT





Billy Eckstine nos dejaba para siempre el 8 de marzo de 1993

Poseedor de una voz de barítono, fue durante los años cuarenta una figura carismática de la música popular negra, al liderar una de las primeras big band de bop y convertirse en el primer cantante negro de baladas románticas (fue llamado el Sinatra negro). Con el paso de los años, su influencia ha sido considerable en el ámbito del soul y el rhythm and blues.

Eckstine comenzó a cantar a los nueve años y participó en numerosos espectáculos para aficionados. Aunque su vocación había sido la de jugador de fútbol americano, una grave lesión lo recondujo hacia el mundo de la música. Tras diversos trabajos al oeste de Chicago a finales de los años treinta, Eckstine fue invitado por Earl Hines para unirse a su Grand Terrace Orchestra en 1939.
Aunque sus primeros éxitos fueron canciones triviales como "Jelly, Jelly" y "The Jitney Man", grabó también varios estándares como "Stormy Monday". Hacia 1943, se acompañaba de estrellas como Dizzy Gillespie, Charlie Parker y Sarah Vaughan. Tras formar su propia banda ese año, contrató a los tres y gradualmente se hizo con más figuras modernas y con futuras estrellas: Wardell Gray, Dexter Gordon, Miles Davis, Kenny Dorham, Fats Navarro y Art Blakey, así como con arreglistas como Tadd Dameron y Gil Fuller. La Billy Eckstine Orchestra fue la primera big band bop, y su líder reflejaba las innovaciones bop adaptando sus armonías vocales a las baladas normales. A pesar del matiz moderno del grupo, Eckstine encabezó las listas frecuentemente a mediados de los cuarenta, con temas como "A Cottage for Sale" y "Prisoner of Love". En las giras por Europa y América, el cantante tocaba también la trompeta, el trombón de válvulas y la guitarra.
Forzado a disolver la orquesta en 1947 tras haber formado la suya propia Gillespie, Eckstine realizó una transición hacia un estilo más baladístico y con arreglos de cuerda. Grabó más de una docena de éxitos a finales de los cuarenta, entre lo que se incluyen "My Foolish Heart" y "I Apologize". Se hizo popular en Gran Bretaña, obteniendo un gran éxito durante los cincuenta con temas como "No One But You" y "Gigi", así como con sus dúos con Sarah Vaughan.
Eckstine regresaría a sus raíces jazzísticas ocasionalmente, grabando con Vaughan, Count Basie y Quincy Jones, y grabando un LP en directo, No Cover, No Minimum, en el que interpretaba algunos solos de trompeta. Grabó varios discos para Mercury y Roulette a comienzos de los sesenta y publicó en Motown algunos discos de estándares a mediados de esa década. Tras grabar muy espaciadamente en los setenta, Eckstine hizo su última grabación (Billy Eckstine Sings with Benny Carter) en 1986. Murió por un ataque al corazón en 1993.

Billy ECKSTINE & His Orchestra " Rhythm In A Riff " !!!



NOTA DEL DÍA 
El cantante y director de orquesta Billy Eckstine (también tocaba trompeta y trombón de válvulas) hizo una inmensa y entusiasta contribución al jazz durante décadas. Su voz de barítono era firme, profunda y con un fuerte vibrato. Fue uno de los primeros directores de big-bands del estilo be-bop, pero en la segunda mitad de su carrera se dedicó a las baladas y a la música más romántica por la atracción que tenía su voz entre el púbico femenino. Es difícil encontrar una buena cantidad de clips de video de su primera época con su orquesta, pero en el ofrecemos arriba (claramente sacado de una película) le podemos ver con su big-band en el período de su juventud:

Ali Farka Touré - Amandrai live at Segou Festival





Ali Farka Touré fallece el 7 de marzo de 2006

Ali Ibrahim "Farka" Touré un conocido guitarrista y cantante maliense, cuyo estilo aunaba la música tradicional de Malí con el blues. Ali Farka Toure es considerado uno de los mejores guitarristas a nivel mundial y también uno de los mejores músicos africanos.

Nació en 1939 (no conocía la fecha exacta) en la aldea musulmana de Kanau, cerca de Gourma Rharous, en la región noroccidental de Tombuctú. Era el décimo hijo de su madre, pero fue el único que logró sobrevivir pasada la infancia. Su apodo, "Farka", significa "asno", animal admirado por su tenacidad. Étnicamente, Ali Farka Touré estaba vinculado a los antiguos pueblos songhay y fula, del norte de Malí.
Su padre, que servía en el ejército francés, murió en combate durante la Segunda Guerra Mundial. Ali apenas fue a la escuela, y se dedicó desde su infancia al cultivo del campo. Sin embargo, siempre manifestó un gran interés por la música, especialmente por instrumentos tradidicionales malienses como el gurkel (pequeña guitarra), el violín njarka, la flauta peul o el ngoni (laúd de 4 cuerdas).
En 1956 quedó muy impresionado cuando vio actuar al guitarrista malinke Keita Fodeba, lo que le hizo decantarse por la guitarra como instrumento. Tras la independencia de Malí, en 1960, el gobierno comenzó a promover la música tradicional, lo que permitió a Ali formar su primer grupo, La troupe 117, con el que actuó en varios festivales por todo el territorio de Malí. En 1968 viajó por primera vez fuera de Malí para representar a su país en un festival que tuvo lugar en la ciudad de Sofía, en Bulgaria.
Durante los años 70 se instaló en Bamako, donde trabajó como ingeniero para Radio Malí. En esa época tuvo la oportunidad de escuchar mucha música occidental (especialmente cantantes negros estadounidenses como Otis Redding y James Brown, entre otros). Por entonces publicó también su primer disco, Farka (1976), en la compañía francesa Son Afric, y comenzó a dar conciertos por toda África occidental.
En esta época se inició también su interés por el blues, al que encontraba grandes afinidades con la música africana. Fue el primer intérprete de blues africano que logró una popularidad masiva en su continente natal, hasta el punto de que se le llamó "el John Lee Hooker africano". Musicalmente, su estilo tenía muchas semejanzas con el de R. L. Burnside, con varias superposiciones de guitarras y ritmos. Cantaba habitualmente en lenguas africanas, sobre todo en songhay, fula y tamacheck.
En los años 80 se instaló en la localidad de Niafunké. Comenzó a ser conocido en los países occidentales tras la publicación de su álbum Ali Farka Touré, éxito internacional, que propició varias colaboraciones con músicos occidentales (en 1991 con Taj Mahal en el disco The source; y en 1994 con Ry Cooder en Talking Timbuktu, así como la reedición de material antiguo grabado durante los años 70, como Radio Mali. Por Talking Timbuktu fue galardonado con un premio Grammy. En 1999 publicó Niafunké, un regreso a las raíces de la música tradicional africana.
En 2004 fue nombrado alcalde de Niafunké y con dinero de su propio bolsillo asfaltó las carreteras, construyó varios canales y puso en marcha un generador para proporcionar electricidad al pueblo.
En septiembre de 2005 publicó, en colaboración con el intérprete de kora Toumani Diabaté, el álbum In The Heart Of The Moon, por el que obtuvo su segundo premio Grammy.
El 7 de marzo de 2006, el Ministerio de Cultura de Malí anunció que había fallecido a la edad de 67 años, de cáncer de huesos. Su casa discográfica, World Circuit, afirma que acababa de completar un nuevo álbum en solitario.

Blossom Dearie - I wish you love + Impro blues (Live french TV 1965)





Blossom Dearie nos dejaba para siempre el 7 de febrero de 2009

Nacida en New York, Blossom Dearie, es poseedora de un pobre y pequeño registro y de un timbre de voz aniñado. No obstante ello no le ha impedido imponer sofisticación, inocencia y diversión a través del arte del vocalese en los discos que grabó en los años cincuenta para el productor Norman Granz. Blossom Dearie, sabe acompañarse inteligentemente al piano y son muy apreciadas sus interpretaciones de Johnny Mercer como "I'm Shadowing".

En su adolescencia cantó con el grupo de Blue Reys, y con el grupo vocal Blue Flames. Formó un delicado cóctel entre el piano y su voz que le hizo triunfar en Paris donde viajo en 1952. Allí en Europa formó un grupo denominado "Blue Star of France" y contrajo matrimonio con el saxofonista belga, Bobby Jaspar. De vuelta a New York actúa en algunos clubes junto a las figuras mas representativas del "vocalese" como Annie Ross o King Pleasure, que la animan a seguir. El periodo mas fructífero de su arte es el producido entre 1956 y 1960 para el sello Verve, tanto por la calidad de los acompañamientos como por los temas escogidos.

Entre su discografía, difícil de encontrar, es muy destacable el titulado genéricamente "Blossom Dearie" de 1956 rodeada de magníficos instrumentistas como Herb Ellis a la guitarra, Ray Brown al bajo y Jo Jones a la batería y el no menos magnifico "Once Upon a Summertime" con Mundell Lowe y Ed Thigpen.

viernes, 7 de marzo de 2014

Wes Montgomery - Ao Vivo na Holanda (legendado)





Wes Montgomery nace el 6 de marzo de 1923

Sin restarle meritos a toda una serie de grandes guitarristas del jazz como Barney Kessel, Tal Farlow, Kenny Burrell, Jim Hall o Jimmy Rainey, es sin duda, Wes Montgomery, quien recoge con mas fuerza y propiedad el testigo que dejara en la guitarra de jazz, el gran maestro, Charlie Christian.

Nacido en el seno de una amplia y modesta familia, Wes Montgomery, se trasladó con su padre a Ohio junto a su hermano mayor Monk, cuando el matrimonio se separó. Con diecinueve años compró su primera guitarra y se maravillaba del solo que Charlie Christian había grabado con Benny Goodman titulado "Solo Flight". Dotado de un oído excepcional, tuvo sus primeros trabajos como guitarrista en algunos clubes de Indianápolis como el "440 Club". En mayo de 1948, Lionel Hampton lo incorpora a su banda con quien permaneció durante dos años lo que le valió la posibilidad de tocar con Charles Mingus, Fats Navarro e incluso acompañó a la guitarra a la gran Billie Holiday y pudo grabar sus primeros discos con Hampton y con su vocalista, Sonny Parker.

Padre de familia numerosa, sus obligaciones domesticas le condicionaban a trabajar muchas horas al día para mantener a su familia. Sus hermanos, Buddy Montgomery (vibrafonista y pianista) y Monk (contrabajista eléctrico) le prprpusieron formar un grupo para tocar en la Costa Oeste y en 1957 formaron el cuarteto "The Mastersounds" consiguiendo algunos contratos de grabación con el sello "Pacific Jazz". Wes Montgomery, participó en cinco álbumes, el primero de ellos titulado: "The Montgomery Brothers plus Five Others" que fue también la primera grabación del trompetista, Freddie Hubbard. 

A pesar de su calidad, el éxito tardó en llegar. Tuvo que intervenir casualmente el saxo alto, Cannonball Adderley, que venía de un concierto en Indianápolis y había escuchado a Wes, tocar en el "Missile Room", un club local, para recomendárselo al director musical de sui compañía de discos. Así empezó una fructífera relación de Wes Montgomery con el sello Riverside que duro cinco años. Dos semana después de firmar, Wes Montgomery grababa en New York su primer disco para Riverside con el organista, Melvin Rhyne y el baterista, Paul Parker, el mismo acompañamiento que tenía en el "Missile Room". En 1960 realiza la grabación del que muchos consideran el mejor disco de su carrera titulado "The Increíble Jazz Guitar". La aparición de aquella grabación entusiasmo a críticos, especialistas y aficionados y las revistas, Down Beat y Metronome le otorgaron los premios anuales al mejor guitarrista de jazz. Con el éxito alcanzado, volvió a tocar con sus hermanos grabando otros tres discos como "The Montgomery Brothers" y otro mas con el pianista ciego, George Shearing. Durante 1961 y 1962 participó en el Festival de Jazz de Monterey y también tocó con el cuarteto de John Coltrane.

Cuando el sello Riverside se colapsó tras la muerte de su presidente, Bill Grauer, Wes ficha por la compañía Verve quien en aquella época era dirigida por Creed Taylor, propietario poco tiempo después del sello CTI. Con Verve consiguió un premio Grammy al álbum "Goin' Out Of My Head" en 1965, un registro demasiado edulcorado, pero antes había dejado grabado en directo en el club neoyorkino "Half Note" un álbum extraordinario titulado: "Smokin' at The Half Note". Ya apenas tuvo tiempo pra grabar su ultimo disco titulado "Road Song" grabado a primeros de mayo de 1968 y que fue publicado tras la muerte del guitarrista, fallecido repentinamente de un ataque al corazón apenas veinte días después, el 15 de junio de 1968 con tan solo 45 años.

En palabras del critico de jazz, Ralph Gleason, "....Wes Montgomery fue lo mejor que le sucedió a la guitarra de jazz desde la muerte de Charlie Christian." Y hoy en pleno Siglo XXI, esa frase conserva plena vigencia

jueves, 6 de marzo de 2014

Stan Getz Performs "Woody 'n You"





El pianista Lou Levy nace el 5 de marzo de 1928

Inicialmente estaba claramente influido por el estilo de Nat King Cole, aunque después asumió los postulados bebop a través de Bud Powell y Al Haig, convirtiéndose en uno de los pianistas bopmás solicitados de Chicago. Su evolución es especialmente significativa en el plano armónico, especialmente en la interpretación de baladas.

Debuta profesionalmente en las big bands de Jay Burkhart y Boyd Raeburn. En 1946, con sólo dieciocho años, comienza a trabajar junto a Sarah Vaughan y, después, con Georgie Auld, Chubby Jackson y, en la temporada 1948-49, Woody Herman, en la época de los Four Brothers. Luego tocará en la banda de Tommy Dorsey (1950) y otros grupos, antes de dejar temporalmente la escena musical, en 1952.
Regresará en 1954, tocando en clubs de su ciudad natal y en la escena west coast, asentado en California, junto con Shorty Rogers, Conte Candoli o Stan Getz. En los años siguientes acompañará a cantantes (Ella Fitzgerald, Peggy Lee, June Christy y Anita O'Day) y participará en los JATPs de Norman Granz. Entre otros muchos músicos con los que graba y actúa, a partir de los años 1960, encontramos a Zoot Sims, Nancy Wilson, Terry Gibbs, Supersax, Lena Horne, Dee Dee Bridgewater, Tony Benett y Frank Sinatra, ya en 1987, además de con sus propios grupos como líder.

Barney Wilen: "No Problem" (Club St. Germain te Parijs, 1957).





Barney Wilen nace el 4 de marzo de 1937

Jean Bernard Wilen, más conocido por Barney Wilen fue un saxofonista tenor francés.

De padre estadounidense y madre francesa, vivió con ellos en Estados Unidos desde 1940 hasta 1946, el tiempo de la Segunda Guerra Mundial.
En 1946, volvió a Francia para conocer su país de nacimiento. En París conoció a los músicos estadounidenses Ben Webster, Sidney Bechet, Dexter Gordon y trabajó en las funciones del Club Saint-Germain en compañía de Sacha Distel y René Urtreger.
En 1957, acompañó como saxofonista a Miles Davis, que grababa la banda sonora de la película Ascensor para el cadalso, dirigida por Louis Malle.
Para conocer mejor la música de John Coltrane, Barney Wilen retornó a los Estados Unidos, y allí, en compañía del grupo dirigido por Art Blakey, The Jazz Messengers, grabó en 1959 la banda sonora de la película de Roger Vadim Las relaciones peligrosas (Les Liaisons Dangereuses), basada en la novela homónima de Pierre Choderlos de Laclos.
Además intervino en una grabación nunca publicada de Thelonious Monk para Blue Note. Hasta el año 1968, Barney Wilen alternaría sus trabajos entre París y Nueva York.
En 1969 viaja -junto a su pareja Caroline de Bendern- a África para rodar una película y permanece seis años apartado de los estudios de grabación. Los últimos años de su carrera artística los dedicó a difundir el jazz en todas sus formas.

Gary Burton Quartet fea. Pat Metheny - Falling Grace



NOTA DEL DÍA:  
En su larga y galardonada carrera, el vibrafonista Gary Burton ha tenido un sinnúmero de cuartetos, varios de ellos llamados "nuevos" en su oportunidad. En este video le vemos y escuchamos con uno de los más célebres, con Pat Metheny, Steve Swallow (compositor del tema que tocan, Falling Grace) y Antonio Sánchez:

lunes, 3 de marzo de 2014

C-Jam Blues - Barney Bigard 1968.





Barney Bigard nace el 3 de marzo de 1906

Nacido en Nueva Orleans, estudió música y clarinete con el gran Lorenzo Tio antes de trasladarse a Chicago para trabajar con Joe "King" Oliver, entre otros.
En 1927, entró a formar parte de la orquesta de Duke Ellington en Nueva York, quedándose con Ellington hasta 1942.
En 1936, como líder de su propia banda, Barney Bigard and His Jazzopators, formado por sus colegas de la orquesta de Ellington, Cootie Williams, Juan Tizol, Harry Carney, Billy Taylor y Sonny Greer, e incluyendo el propio Ellington, grabó la primera versión del futuro estándar «Caravan», compuesto por Juan Tizol.
A finales de la década de 1940, trabajó con la orquesta de Kid Ory antes de unirse a los Louis Armstrong All-Stars entre 1947 y 1955. En 1958, participa en la película St. Louis Blues (1958), junto con Nat King Cole, Ella Fitzgerald, Pearl Bailey y Eartha Kitt, y de 1958-1959, tocó con la orquesta de Cozy Cole.
Escribió su autobiografía, With Louis and The Duke, y compuso, con Ellington, el estándar del jazz «Mood Indigo»

Chattanooga Choo Choo - Glenn Miller & The Nicholas Brothers (+lista de ...





Glenn Miller nace el 1 de marzo de 1904

Alton Glenn Miller fue un músico de jazz estadounidense de la era del Swing, y además militar, en el rango de Mayor. En 1937, funda la orquesta en la que crearía y mantendría viva desde ese entonces su música, llamada The Glenn Miller Orchestra traducido al español como La Orquesta de Glenn Miller, donde hizo innumerables éxitos, entre los más importantes "In The Mood" que es posiblemente la canción de swing más conocida, y otras como "Kalamazoo" "American Patrol" "Moonlight Serenade" "Tuxedo Junction" "Chattanooga Choo Choo" "A String of Pearls" "Little Brown Jug" "Pennsylvania 6-5000" entre otras.

Miles Davis Kind Of Blue Full Album



El 2 de marzo de 1959 Miles Davis graba "Kind of blue"

Miles fue la piedra angular de distintos momentos en la historia del jazz, pero su obra definitiva fue la que abrió el camino al jazz modal, aunque esta forma de improvisar en realidad comienza en el disco Milestones, es hasta este disco cuando se desata por completo la improvisación sobre un par de acordes. Una grabación fundamental porque, además del trompetista, participan también John Coltrane, Julian “Cannonball” Adderley, Bill Evans y Paul Chambers. Todos ellos comenzaron a grabar casi sin indicaciones de Miles e incluso algunas piezas fueron casi creadas el mismo día de la grabación. Este disco cambió la historia del jazz, todas las piezas que lo integran ahora son standards que se tocan alrededor del mundo.