domingo, 25 de mayo de 2014

Charlie Parker & Dizzy Gillespie - Hot house







Charlie Parker odiaba las big bands pero, necesidad obliga, en 1941 llegó a Nueva York con la McShann Band. La noche en que tocaron en el Savoy Ballroom de Harlem, un trompetista se acercó y preguntó, tímido: "¿Puedo tocar con ustedes?" Era Dizzy Gillespie. Fue la primera vez que los dos músicos tocaron juntos. Luego volverían a encontrarse en el Minton's Playhouse, un pequeño local de Harlem que se convertiría en el templo del bebop. De vidas y personalidades opuestas, "Dizzy y Bird" formaron una dupla musical indivisible, que se consolidó en 1945, con temas a dúo como Groovin' High o Hot House.


Manuel Temez (Jazz entre amigos)

Wardell Gray - PENNIES FROM HEAVEN





Wardell Gray fallece el 25 de mayo de 1955


Wardell Gray pertenece a esa común especie que parece afectar al músico de jazz y que tiene por denominador común, una vida efímera y una muerte prematura, básicamente además cuando empezaba a despuntar como músico. Falleció con 34 años en circunstancias todavía hoy no aclaradas. De niño su familia se traslado a Detroit y allí comenzó pronto a manifestarse su vocación musical. Estudio música en la "Cass Tech High" de Detroit y sus primeros pasos los dio con el clarinete. En 1943 fue contratado por el pianista, Earl Hines donde estuvo dos años que se consideran básicos para su posterior formación.

Además, para colmo de males, la época en que empieza a salir del cascaron, coincide con la Huelga de grabaciones decretada por la poderosa "Federación Americana de Músicos" y a su oscura etapa formativa se le añade la imposibilidad de escucharle en aquellos años. En la orquesta de Earl Hines, autentico semillero de grandes músicos, Wardell Gray tocaba el clarinete y el saxo contralto, pero pronto decidió pasar al tenor. Hubo en aquella epoca tres saxofonista que le dejaron impresionados: Lester Young, Don Byas y sobre todo, Charlie Parker, con quien había aprendido en la orquesta de Earl Hines como elaborar un estilo propio. Se trasladó mas tarde a la Costa Oeste de los Estados Unidos y allí en Central Avenue, una especie de Calle 52 en Los Ángeles, destacó como un músico excepcional.

En 1946 ficha por la orquesta de Benny Carter, saxofonista y arreglista extraordinario del que Wardell Gray era un encendido admirador. Benny Carter le enseño principalmente la forma y la técnica de abordar las baladas. Durante una de sus actuaciones fue escuchado por Benny Goodman que quedó entusiasmado con el joven saxofonista. Goodman lo incorporó a su septeto y le permitió una flexibilidad de entrada y salida de su formación como no había permitido a ningún otro músico. Con Benny Goodman estuvo tres años. Más tarde conoció a Dexter Gordon, un músico clave también en la carrera profesional de Wardell Gray y dejaron grabado un disco extraordinario titulado: "The Chase" para el sello "Prestige" en 1947. También en 1947 grabó junto Charlie Parker, Howard McGhee, Dodo Marmarosa, Barney Kessel, Red Callender y Don Lamond, una sesión inolvidable para el sello "Dial" y que demostraba que Wardell Gray podía haber sido el saxo tenor que Bird deseaba. Ambos murieron con apenas tres meses de diferencia.

En 1948 pasó efímeramente por la orquesta de Count Basie, hecho que repitió entre 1951 y 1952. En 1951 formó su primer grupo liderado por él, contando con la colaboración de Art Farmer un extraordinario trompetista que debutó profesionalmente precisamente en la formación de Wardell Gray. A finales de mayo de 1955 fue llamado por Benny Carter para inaugurar el "Moulin Rouge" un club de las Vegas. Dos días después del debut, el 26 de mayo de aquel año, fue encontrado en el desierto de Nevada el cuerpo sin vida de Wardell Gray con el cuello partido. Wardell Gray fue sin duda uno de los grandes saxo tenores de la historia del jazz, equivalente a lo que fue en la trompeta, el malogrado, Clifford Brown.


Manuel Temez (Jazz entre amigos)

Archie Shepp - Festival de jazz de Chateauvallon 1973





Archie Shepp cumple 77 años


Hijo de un banjoista, Archie Shepp, (Fort Lauderdale, 1937), empezó desde niño a estudiar piano, clarinete y saxo contralto. Mas tarde se pasó al tenor con el que toco en grupo de rhythm and blues con el trompetista, Lee Morgan y el saxofonista, Kenny Rogers. Al margen de la música estudio leyes, arte dramático, donde llego a diplomarse, y un frustrado intento de enrolarse en un grupo teatral. En 1960, conoció al pianista, Cecil Taylor entrando a formar parte de su grupo con quien grabó en varias ocasiones entre 1960 y 1961.

En 1962 tocó junto a Bill Dixon, con quien grabaría su primer disco a su nombre "Archie Shepp-Bill Dixon Quartet" (Savoy, 1962), y ello le sirvió de experiencia para formar el "New York Contemporary Five", quinteto donde estaban además de Archie Shepp, Don Cherry, Don Moore, J.C. Moses y John Tchicai. De aquel periodo son sus primeras composiciones ligadas todas ellas al movimiento negro que germinaba en aquellos años. En ese sentido, el tema "Rufus" es la transposición musical del linchamiento de un negro, y "The Funeral" está dedicada al secretario de la organización negra National Association for the Advancement of Colored People (NAACP), - Asociación Nacional para el Progreso del Pueblo Negro - Medgar Evers, asesinado en aquellas fechas. De aquel fructífero periodo quedan sus cinco espléndidos discos grabados todos en 1963. En 1964, y después de una breve gira por Europa, Archie Shepp, reconstruyó su quinteto con motivo de la grabación de un disco donde ya empezó a aflorar sus dotes de liderazgo. A continuación colabaró con John Coltrane, en el nacimiento de una obra maestra del freejazz, el álbum "Ascensión" (Impulse!, 1965) donde la participación de Shepp fue decisiva.

Archie Shepp, formó parte de la "Jazz Composer's Orchestra" junto con los músicos mas grandes de la vanguardia jazzistica, entre ellos, Cecil Taylor, Sun Ra, Carla Bley, Paul Bley, Roswell Rudd, John Tchicai, etc.) y en 1965 graba la que está considerada su obra maestra discográfica, el álbum "Fire Music" (Impulse!, 1965). En él sus solos son imprevisibles, era capaz de pasar del sarcasmo al lirismo absoluto, y de éste a la aspereza en un solo tema. Sus composiciones estaban dedicadas a las grandes figuras negras del movimiento conocido como "Black Power", entr ellas, Malcon X. En 1967, el quinteto de Archie Shepp, viajó a Europa de nuevo, introduce en su grupo un piano, cosa que no hacia desde los tiempos de Cecil Taylor, como queda de testimonio en su disco "The Way Ahead" (Impulse!, 1968). Archie Shepp, comenzó los setenta alternando sus conciertos y la docencia, dando clases de historia y sociología del Jazz en la Universidad de Ahmherst. Graba también con Jeanne Lee, Chet Baker, y Max Roach, forma la "Attica Blues Big Band", pero nada volverá a ser igual, aún produciendo obras de interés y demostrando ante el publico que puede ofrecer satisfactorias actuaciones, y sin haber renegado de su enorme interés por el pueblo afro-americano y su legado musical, sus últimos veinticinco años han pasado sin hacer demasiado ruido.

Siempre que se trate de rememorar a músicos comprometidos con la raza afro-americana y luchadores por la obtención de sus legítimos derechos, Archie Shepp, será sin duda uno de los más notables que la historia del jazz ha dado; compromiso que ha mantenido desde que apareció en escena en 1960, a su llegada a Nueva York.


Manuel Temez (Jazz entre amigos)

Artie Shaw : Begin the Beguine





Artie Shaw nace el 23 de mayo de 1910


Nacido en un barrio pobre del East Side neoyorquino, el arreglista, compositor y clarinetista, Artie Shaw tocaba el ukelele a los cinco años y a los doce ganó su primer concurso para aficionados. Siendo adolescente formó la "Peter Pan Novelty Orchestra", junto a otros estudiantes y a los quince años fue contratado en la bigband de Johnny Cavallaro como saxofonista donde aprendió a tocar el clarinete y adoptó el nombre profesional de Artie Shaw.

Al año siguiente abandono definitivamente su hogar y fue contratado por la orquesta de José Cantor en Cleveland. Por aquélla época conoció al pianista, Claude Thornill, con quien mantendría una amistad duradera. Se traslado a Hollywood para incorporarse como saxofonista a la orquesta de Irving Aaronson denominada "The Commanders". Tras un paro forzoso tras la retirada de su carnet de músico al atropellar con su coche a una persona, Shaw, se dedico a frecuentar los ambientes musicales de Harlem en New York y en el "Pods and Jerry", uno de los locales de jazz mas importantes, conoció al pianista, Willie "The Lion" Smith, que después de escucharlo lo contrato una vez levantada la sanción de la retirada de su carnet de músico. En 1932, tuvo la oportunidad de ser durante un año, el primer saxofonista en la orquesta de la "Columbia Broadcasting System" bajo la dirección de Freddy Rich.

En 1933 abandono aquélla orquesta y también la música dedicándose durante mas de dos años a su pasión por la literatura, pero las dificultades económicas le obligaron a volver a tocar. Su primer contrato importante lo obtuvo en 1935 con su grupo "Art Shaw and his New Music" para tocar en el Hotel Lexington, en sustitución del grupo de Bing Crosby. La carrera profesional de Artie Shaw dio un giro espectacular cuando grabo para RCA el tema "Beguine the Beguine". Fue tanto el éxito que, desafiando todos los prejuicios raciales de la época, contrato para la orquesta a Billie Holiday, con la que grabó "Any Old Times" en una gran interpretación de "Lady Day".

Entre 1935 y 1939, Artie Shaw, ganó fama, publicidad y dinero, pero al final de la década de los treinta una grave enfermedad le retiró momentáneamente de la música. En el verano de 1940, retomó la música y grabó las célebres sesiones en estudio con los "Gramercy Fives" donde volvió a demostrar otra vez su talento jazzistico. Entre los muchos temas grabados, hay que recordar el celebre "Frenesí" una magnifica aportación al jazz latino, o el magnifico "My Blue Heaven" sin olvidar el legendario "Bloomy Sunday". Alistado en la Marina en 1942, se licenció muy pronto por problemas de salud y a su vuelta a New York, formó una nueva orquesta con ribetes todavía mas jazzisticos contratando al trompetista, Roy Eldridge, al guitarrista, Barney Kessel y al saxo tenor, Herbie Steward. Con el declive de las grandes orquesta, Artie Shaw, disolvió la suya y no reapareció hasta 1949, cuando actuó como invitado de honor en la "National Symphony Orchestra" en el Carnegie Hall.

Entre 1949 y 1952 formó y disolvió su orquesta varias veces, publicó su autobiografía titulada "The Trouble with Cinderella" y varias novelas cortas. En 1955, se traslada a Girona, (España) donde residió por cierto tiempo. Artie Shaw, también fue un hombre con fama de frívolo. No en vano son siete u ocho las esposas que sucesivamente ha ido teniendo, entre ellas, la admirada, Ava Gadner. Hombre de carácter difícil, nunca quiso ser ni jefe de escuela, ni maestro de nada, ni tampoco pudo pasar a la historia del jazz como un innovador.


Manuel Temez (Jazz entre amigos)

Horace Silver - Señor Blues (Horace Silver, Blue Mitchell & Junior Cook)





Blue Mitchell fallece el 21 de mayo de 1979


Tras terminar sus estudios, Richard Allen (Blue) Mitchell tocó en bandas de r&b, como la de Paul Williams, Earl Bostic, y Chuck Willis. Regresó a Miami y fue contratado por Cannonball Adderley, con quien grabó para Riverside Records, en Nueva York, en 1958.

Se unió más tarde al quinteto de Horace Silver, donde coincidió con Junior Cook (saxo), Gene Taylor (contrabajo) y Roy Brooks (batería). Mitchell permaneció con Silver hasta que éste deshizo la banda en 1964. Sin embargo, Mitchell mantuvo el grupo, con los mismos músicos, pero con Chick Corea en el piano y Al Foster sustituyendo a Brooks. Grabaron una gran cantidad de registros para Blue Note hasta su separación, en 1969. Después, Mitchel se unió a la banda de Ray Charles, hasta 1971.

Entre 1971 y 1973, Mitchell tocó con John Mayall en su serie de discos y giras Jazz Blues Fusion. Durante los años 1970 trabajó básicamente como músico de sesión, aunque también tocó en la big band de Louie Bellson, y con Bill Holman, Bill Berry, Tony Bennett y Lena Horne. Grabó con Lou Donaldson, Grant Green, Philly Joe Jones, Jackie McLean, Hank Mobley, Johnny Griffin, Al Cohn, Dexter Gordon y Jimmy Smith. Después mantuvo un grupo estable con el saxofonista Harold Land, hasta su muerte por cáncer a la edad de 49 años.


Manuel Temez (Jazz entre amigos)

Sun Ra Arkestra - Face the Music / Space is the Place





Sun Ra nace el 22 de mayo de 1914


El teclista y director de orquesta, Sun Ra es un caso único entre los músicos de jazz. Nacido en Birmingham, él mismo declaró que procedía del espacio y que era un ser celestial. Tomado por loco y charlatán, tachado de burdo profeta y farsante empedernido, a Sun Ra le costó acallar todas esas maldades para hacerse un lugar de privilegio en un mundo sonoro absolutamente extraordinario.

Debutó antes de cumplir los diez años en la "Saxo Society Band" de John Tuggle Whatley, quien le enseñó las primeras nociones de dirección orquestal. En los años treinta, tocó en Gary (Indiana) y en Washington donde estudió con Lula Randolph. Entre 1946 y 1947, militó en la orquesta de Fletcher Henderson, donde colaboró tambien con los arreglos y la composición. En 1952, tras superar una profunda crisis espiritual, adoptó el nombre de Le Sony'r Ra (mas tarde abreviado en Le Sun-Ra) y empezó a presentarse al frente de su "Space Jazz Trío". Ese mismo año fundó junto a su amigo, Alton Abraham, el sello discográfico, "Saturn Records", con el grabó multitud de títulos, entre ellos el fenomenal "Jazz in Silhouette" en 1958. En 1953 empezó a formar el embrión de lo que sería su orquesta, la forma musical donde expresaba con total libertad sus ideas. Incorporó solistas de talla del nivel de Pat Patrick, ineludible soporte de la sección de saxos, con su rocoso barítono; Marschall Allen, saxo alto y el mejor de todos, el saxofonista tenor, John Gilmore, en quien confesó el propio Coltrane, haberse inspirado en una época de cambio evolutivo.

En 1955 grabó experimentando la formula de dos contrabajos y al año siguiente empezó a grabar con regularidad empleando varios percusionistas. Fue entonces cuando formó establemente su afamada "Sun Ra Arkestra", un gran grupo cuyo nombre esta vinculado a los conceptos de "Sol" el dios faraónico omnipotente. En 1956 sale a la luz bajo el sello "Transition" su primer álbum orquestal bajo el titulo de "Jazz by Sun Ra-Sun Song", un intento poco valorado en su carrera por unir música y espíritu. En 1959, tras aparecer en el film de Edward Blank "The Cry of jazz", trasladó su grupo a Canadá y en 1961, casi por casualidad el grupo estaba en New York, donde participó en los celebres Happenings del Lover East Side. En 1961, graba para Savoy, el álbum que está considerado como su obra maestra: "The Futuristic Sounds of Sun Ra". En él, el teclista saca enorme partido a los timbres de cada instrumento y guarda con celo encomiable el equilibrio entre las partes escritas e improvisadas. Ese álbum adelanta en algunos años las formas coloristas que hicieron famoso al "Art Ensemble of Chicago". Con una estructura abstracta e iconoclasta, "The Futuristic Sounds of Sun Ra", demostró tener un perfecto balance entre elementos de swing, blues, ritmos Afro-Cubanos, bigband y avant-garde. Aun así resulto de poco interés en aquellos tiempos en que el Rock & Roll ocupaba el centro de atención musical de la mayoría de los jóvenes. En ese mismo año, Sun Ra, con los deberes hechos, contactó fácilmente con el naciente circulo de músicos adscritos al freejazz y se asocio a la "Jazz Composer's Guild" que promovía, Bill Dixon. En ese ambiente tocaba regularmente en el club "Slung's" una vez por semana casi hasta 1972.


Los años setenta, fueron el periodo en el que la "Sun Ra Arkestra", se desplazó por medio mundo ofreciendo conciertos y actuando en distintos festivales. En 1977, Sun Ra y los músicos de su banda, echaron raíces en Philadelphia para convivir en comuna todos ellos hasta que falleció el 30 de mayo de 1993. Sun Ra decía proceder de un planeta desconocido, no reconocía su verdadero nombre ni nada que tuviera que ver con su presencia entre la humanidad; hizo mientras vivió todo lo posible por no formar parte de este planeta del que renegaba, pero Sun Ra, demostró que sabía crear música profundamente humana y apegada a la tierra como pocos.


Manuel Temez (Jazz entre amigos)

miércoles, 21 de mayo de 2014

Horace Silver - Señor Blues (Horace Silver, Blue Mitchell & Junior Cook)





Blue Mitchell fallece el 21 de mayo de 1979

Tras terminar sus estudios, Richard Allen (Blue) Mitchell tocó en bandas de r&b, como la de Paul Williams, Earl Bostic, y Chuck Willis. Regresó a Miami y fue contratado por Cannonball Adderley, con quien grabó para Riverside Records, en Nueva York, en 1958.
Se unió más tarde al quinteto de Horace Silver, donde coincidió con Junior Cook (saxo), Gene Taylor (contrabajo) y Roy Brooks (batería). Mitchell permaneció con Silver hasta que éste deshizo la banda en 1964. Sin embargo, Mitchell mantuvo el grupo, con los mismos músicos, pero con Chick Corea en el piano y Al Foster sustituyendo a Brooks. Grabaron una gran cantidad de registros para Blue Note hasta su separación, en 1969. Después, Mitchel se unió a la banda de Ray Charles, hasta 1971.
Entre 1971 y 1973, Mitchell tocó con John Mayall en su serie de discos y giras Jazz Blues Fusion. Durante los años 1970 trabajó básicamente como músico de sesión, aunque también tocó en la big band de Louie Bellson, y con Bill Holman, Bill Berry, Tony Bennett y Lena Horne. Grabó con Lou Donaldson, Grant Green, Philly Joe Jones, Jackie McLean, Hank Mobley, Johnny Griffin, Al Cohn, Dexter Gordon y Jimmy Smith. Después mantuvo un grupo estable con el saxofonista Harold Land, hasta su muerte por cáncer a la edad de 49 años.

Manuel Temez (Jazz entre amigos)

Fats Waller & His Rhythm Live In 1938





Fats Waller nace el 21 de mayo de 1904
Nacido en el seno de una familia pobre, religiosa y numerosa, el padre de Fats Waller, era predicador evangélico y su madre interprete de piano, y él fue criado entre cánticos, himnos religiosos, la lectura de la Biblia y lecciones de piano. A pesar de los intentos de su padre por alejarlo del jazz, a los quince años ya tocaba el órgano y el piano en un cine de Harlem para acompañar sonoramente las películas. Poco tiempo después, y tras ganar un concurso para pianistas noveles, conoció al gran James P. Johnson, principal representante por la época de la llamada escuela del "Harlem stride piano", que le ofreció su protección y lo acepto como discípulo.
Casado con apenas dieciocho años, ya a esa edad sabía todos los secretos del piano y obtuvo un contrato en el "Leroy's", uno de los mejores clubes de Harlem. En 1924 se graban sus primeras canciones a piano solo y logra su primera composición famosa: "Squezze Me". A partir del gran éxito que obtuvo, su reputación como inagotable, fecundo y magnifico compositor creció hasta ser una de las figuras mas brillantes del panorama musical de Harlem. En la segunda mitad de los años veinte, su actividad musical fue todavía mas intensa, primero en Chicago, donde tocó con la orquesta de Erskine Tate y luego en 1927 escribió la música para la revista musical "Keep Shufflin" donde actuaba a dúo con el gran James P. Johnson. Los organizadores de aquel espectáculo y dado el rotundo éxito le encargaron la música de otro show: "Hot Chocolates", en la que participaría, Louis Armstrong. Dos de aquellas canciones estaban destinadas a ser clásicos absolutos del jazz: "Black and Blue" y "Ain't Misbehavin".
Con la llegada de la Depresión del 29, Fats Waller se marchó a Paris en compañía de su amigo, el compositor, Spencer Williams, para intentar mejorar sus ingresos pero tuvo que pedir dinero prestado para poder pagar su regreso a New York. Las cosas cambiaron casi milagrosamente a su vuelta, dado que le fue ofrecido la realización de una serie de programas de radio de cobertura nacional para la emisora WLW bajo el titulo de "Fats Waller's Rhythm Club". Aquello fue el comienzo de su mas afortunado periodo y las grabaciones de discos, las actuaciones y los conciertos se sucedieron continuamente bajo el nombre de "Fats Waller and his Rhythm", generalmente un quinteto, que entre 1934 y 1943, grabó mas de cuatrocientos temas, en una fertilidad musical absolutamente maravillosa y única en el mundo del jazz. Durante esos extraordinarios años, Waller tocó en salas de concierto, en pequeños locales y tambien en espectáculos de variedades, como miembro de las orquestas de Don Donaldson o Charlie Turner, o rodeado de sus músicos preferidos, el saxofonista, Gene Sedric, el trompetista, Herman Autrey y el guitarrista, Al Casey.
El éxito lo condujo tambien a Hollywood donde participó en varias películas y en 1938 y 1939, a Europa, concretamente a Inglaterra y Escandinavia. En Londres, Fats Waller grabó una famosísima serie de espirituales al órgano para el sello "His Master's Voice" y compuso en pocos días la "London Suite", que consta de seis movimientos dedicados a otros tantos barrios dela capital británica. El 14 de enero de 1942, el guitarrista, Eddie Condon, organizó un concierto en su honor, al que Waller se presentó vestido de frac, pero borracho como una cuba delante de tres mil personas. El concierto fue un desastre y fue el comienzo del fin. Los médicos le aconsejaron que dejara la bebida -siempre tenía en su piano mientras tocaba una botella de whisqi que ineludiblemente apuraba antes de finalizar su actuación- y se sometió aun tratamiento de desintoxicación alcohólica que nunca llegó a funcionar.
En 1943 viajo a Hollywood para participar en la película "Stormy Weather", un musical interpretado solo por negros y producida por la 20Th Century Fox y dirigida por Andrew Stone. Junto a Waller, participaron, Benny Carter, Slam Stewart y Zutty Zingleton. Su papel fue un éxito y con el publico metido en el bolsillo se disponía a pasar las Navidades de ese año en su casa, pero tras un penoso viaje en tren al que se le estropeó la calefacción, una pulmonía acabó con su vida mientras dormía. Tenía tan solo 39 años, y había dejado escritas y grabadas mas de quinientas composiciones.
La herencia musical de Fats Waller es enorme. Compuso cientos de canciones, grabó innumerables discos, divirtió a millones de personas, introdujo el órgano en el jazz, y como pianista, logró conciliar factores opuestos: en su toque, musculoso y viril, su ritmo implacable y sus frases perfectamente definidas hay lugar tambien para la ternura, el sentimiento, la gracia y la delicadeza. Su influencia sobre otros pianistas es notable y muchas generaciones posteriores se basaron en su música para hacer jazz, entre ellos: Count Basie, Art Tatum, Mary Lou Williams, Joe Sullivan o Erroll Garner. América lo presentó siempre como un bufón y es cierto que tras esa mímica sarcástica, tras su gestualidad cómica y alma de clown, había un artista de extraordinario talento.

Manuel Temez (Jazz entre amigos)

martes, 20 de mayo de 2014

Charlie & the Jives - Besame Mucho





Charlie & The Jives


Charlie Alvarado comenzó a tocar el clarinete y el saxofón en la banda de su escuela intermedia. Durante la escuela secundaria tocó para la Johnny Saro Orchestra. Al igual que muchos jóvenes tejanos, después de la secundaria se alistó en la Infantería de Marina. Cuando regresó a San Antonio en 1956, encontró un trabajo tocando tres o cuatro noches a la semana con una banda tejana local de rhythm & blues, llamada Mike & the Bellaires. Hacia 1957, se convirtió en el líder de su propia banda, The Jives, que se hizo famosa a finales de la década de 1950. La banda hasta fue invitada a tocar de fondo para Big Joe Turner en su gira por Texas. A la banda The Jives también se le conocía como la All Nations Band por ser multirracial. Músicos africano-estadounidenses, como Jitterbug Webb y Bobby Taylor, quienes más tarde se trasladaron a Motown, afinaron sus habilidades en este grupo. En los años de 1960, Charlie se fue a Chicago en busca de más oportunidades. Antes de regresar a San Antonio tocó con el guitarrista de blues Eddy Clearwater.




Manuel Temez (Jazz entre amigos)

Louis Smith Quintet 1958 ~ South Side





Feliz cumpleaños para Louis Smith !


El trompetista Louis Smith, nació en Memphis, el 20 de mayo de 1931. Centrado en el Hard bop pero especializado en baladas y estándares, se conocen de él solo dos discos grabados en los años 50, tras lo cual se retiró a enseñar en la Universidad de Míchigan y en el cercano sistema público escolar de Ann Arbor. En los años 70 hizo una breve reaparición musical que tuvo su prolongación a mediados de los años 90, cuando empezó a grabar de nuevo para el sello Steeplechase.


Manuel Temez (Jazz entre amigos)

Sonny Fortune - In the Spirit of John Coltrane -Trane and Things





Sonny Fortune cumple 75 años


Heredero de la corriente Parker-Coltrane, Sonny Fortune, es el creador de un estilo lírico y original característico del jazz de los años ochenta. Cuando se menciona a este magnifico saxofonista, su nombre es asociado con lo mejorcito del saxofón de jazz y sin duda Sonny Fortune, madurará en el futuro todo lo que tiene dentro.

Sus comienzos estuvieron ligados al Rhythm and Blues de los grupos afincados en su ciudad natal de Philadelphia, pero en 1967, John Coltrane, lo escucha y queda seriamente sorprendido por la fuerza, la musicalidad y el virtuosismo de Sonny Fortune. Le anima a trasladarse a New York, donde comienza a trabajar con el grupo de Elvin Jones, sustituyendo en el saxo a Frank Foster. Durante cuatro años toca con el grupo de Mongo Santamaría (1967-1970) y en 1971 entra a formar parte del grupo del maestro del piano, McCoy Tyner, donde permanece hasta 1973. Posteriormente toca efímeramente con la banda del batería, Buddy Rich, hasta que en 1973, Miles Davis, solicita sus servicios realizando giras por todo el mundo junto al genial trompetista hasta 1974.

Con Miles, Sonny Fortune, graba tres discos ("Get Up Whit It" , "Big Fun" y "Agartha") todos ellos para el ello Columbia y partir de ahí Fortune se consolida como uno de los grandes saxofonistas del último cuarto del siglo XX. Decide entonces, con una ganada reputación, iniciar su carrera en solitario y en 1988, realiza una gira por todo el mundo con el "John Coltrane Memorial Group", compartiendo escenario con McCoy Tyner, Elvin Jones, Freddie Hubbard y Reggie Workman.


Manuel Temez (Jazz entre amigos)

Samba Para Bean - Coleman Hawkins





Coleman Hawkins fallece el 19 de mayo de 1969


Coleman Hawkins comenzó a recibir lecciones de piano a los cinco años, cambiándose al violoncelo a los siete y dos años más tarde al saxo tenor. Profesional ya a los doce años, Hawkins tocaba en una orquesta teatral de la ciudad de Kansas en 1921 cuando Mamie Smith lo contrató para tocar con su Jazz Hounds. Hawkins estuvo con la cantante de blues hasta junio de 1923, haciendo muchas grabaciones en un papel secundario. Tras separarse de ella, trabajó de forma independiente por la zona de Nueva York, tocó un tiempo con Wilbur Sweatman, y en agosto de 1923 hizo su primera grabación con Fletcher Henderson. Cuando Henderson formó una orquesta permanente en enero de 1924, Hawkins fue su saxo tenor principal.

Saxo tenor estrella en 1924, manejó también en sus primeros años el clarinete y el saxo bajo. Estuvo con Henderson hasta 1934, etapa en la que acompañó también a varios cantantes de blues, a los Cotton Pickers de McKinney y a Red McKenzie en 1929.

En Manhattan lideró bandas que incluyeron futuras estrellas como Thelonious Monk, Oscar Pettiford, Miles Davis, Max Roach y Dizzy Gillespie. Más tarde grabaría con J. J. Johnson y Fats Navarro. En 1948 Hawkins grabó Picasso, una grabación clave para el saxo sin acompañamiento.

Hawkins tuvo una influencia directa y clara sobre los músicos de bebop, y artistas como Sonny Rollins reconocieron dicha influencia. Asimismo, aparece en la grabación clásica Thelonious Monk with John Coltrane (1957) y en la grabación We Insist! - Freedom Now (1960) de Max Roach.


Manuel Temez (Jazz entre amigos)

Elvin Jones Quartet 1973 - The Children/Merry-Go-Round





Elvin Jones muere el 18 de mayo de 2004


Elvin Ray Jones fue uno de los bateristas de jazz más influyentes de la era post-bop. Empezó a mostrar interés por la percusión a temprana edad, cuando observaba marchar a las bandas de los circos en su ciudad natal. Sirvió en el Ejército de los Estados Unidos entre 1946 y 1949 y posteriormente tocó en una banda de Detroit liderada por Billy Mitchell. Jones se mudó a Nueva York en 1955 y trabajó como sideman para Charles Mingus, Teddy Charles, Bud Powell y Miles Davis.

Desde 1960 hasta 1966, Jones fue miembro del cuarteto de John Coltrane y participó en la grabación de álbumes como A Love Supreme. Luego de su trabajo con Coltrane, Jones lideró varios grupos pequeños, algunos bajo el nombre de The Elvin Jones Jazz Machine. Durante su carrera, Jones grabó con sus dos hermanos, los músicos de jazz Thad Jones y Hank Jones. Al final de su carrera, trabajó con artistas jóvenes de jazz, incluyendo a Bill Frisell.

Jones nació en Pontiac (Míchigan). Desde muy temprana edad sintió fascinación por los tambores. Solía observar las bandas de los circos marchar cerca de su casa cuando era un niño. Guiado por esta pasión, Jones se unió a la banda de marcha de su escuela, donde empezó a desarrollar su conocimiento de los rudimentos. Jones prestó servicio en el Ejército de los Estados Unidos desde 1946 hasta 1949. Regresó a su hogar sin dinero y su hermana le prestó $35 para comprar su primera batería.

Jones inició su carrera profesional en 1949, tocando durante un breve periodo de tiempo en el club Grand River Street de Detroit. Llegó a interpretar con artistas como Charlie Parker, Miles Davis y Wardell Gray. En 1955, luego de una fallida audición para la banda de Benny Goodman, encontró trabajo en Nueva York al unirse a la banda de Charles Mingus, con la cual lanzó el álbum J is for Jazz.

En 1960, Jones se unió al cuarteto de John Coltrane, del cual también eran miembros el bajista Jimmy Garrison y el pianista McCoy Tyner. La agrupación es reconocida por haber redefinido el swing de la misma manera que Louis Armstrong, Charlie Parker y otros lo hicieron en las primeras etapas del desarrollo del jazz. Jones trabajó con Coltrane hasta 1966. Él no se sentía bien con la nueva dirección de Coltrane y su estilo polirrítmico difería del estilo multidireccional del segundo baterista del grupo, Rashied Ali.

Jones continuó trabajando activamente luego de abandonar el grupo de Coltrane y lideró varias bandas a finales de los años 1960 y los años 1970. Una de las más notables fue el trío formado con el saxofonista Joe Farrell y Jimmy Garrison, con quienes grabó el álbum de Blue Note Records Puttin' It Together. Durante este período, Jones grabó gran cantidad de trabajos con Blue Note Records acompañado de artistas prominentes así como de nuevas promesas. En el álbum de dos volúmenes Live At The Lighthouse, Jones trabajó con Steve Grossman y Dave Liebman, quienes tenían 21 y 26 años, respectivamente. Otros músicos que hicieron contribuciones significativas junto con Jones durante este periodo fueron los saxofonistas Pepper Adams, George Coleman y Frank Foster, el trompetista Lee Morgan, el bajista Gene Perla y la agrupación Oregon.

Jones fue nombrado por la revista Life como el "mejor baterista rítmico del mundo". Su estilo fue influyente en varios bateristas de rock, incluyendo a Mitch Mitchell y Ginger Baker. En 1999, Jones trabajó con Our Lady Peace en el álbum Happiness... Is Not a Fish That You Can Catch, en el cual tocó la batería en la canción "Stealing Babies."



Manuel Temez (Jazz entre amigos)

Kai Winding - Loverman - Jazz Giants - Tivoli november 1971





Kai Winding nace el 18 de mayo de 1922


Nacido en Dinamarca, la familia de Kai Winding emigró a Estados Unidos en 1934, cuando el músico contaba sólo con 12 años. Tras su paso por las orquestas de Alvino Rey y Sonny Dunham, Winding ingresa en una banda militar y permanece allí durante tres años. En 1946 entra en la orquesta de Benny Goodman, pero su salto a la fama tiene lugar poco más tarde, cuando ingresa en la orquesta de Stan Kenton. Allí, su estilo y sonido son imitados por otros músicos de la orquesta, lo que eventualmente daría lugar a un cambio en el sonido de la orquesta misma. A finales de la década de 1940 Winding participa en sesiones con músicos bebop, toca con Tadd Cameron y toma parte en las grabaciones del noneto de Miles Davis que darían lugar al surgimiento del cool jazz. Tras ello, Winding trabaja con Charlie Ventura y Buddy Steart, y finalmente forma un quinteto con el gran trombonista J. J. Johnson que efectuaría diversas grabaciones para vario sellos discográficos de 1954 a 1956, período durante el cual el sonido de ambos trombonistas es indistinguible. La banda pasa a la historia del jazz por la calidad de su propuesta, pero tras 1956 las reuniones de Winding y Johnson tendrían lugar ya sólo esporádicamente.

Desde finales de la década de 1950, Winding lidera intermitentemente un septeto con cuatro trombones, y ya en la década de 1960 se convierte en el director musical de los Playboy Clubs en Nueva York. En la década de 1970 forma parte de Giants of Jazz, una All-Stars Band que contaba con la participación de figuras de la talla de Dizzy Gillespie, Sonny Stitt, Thelonious Monk o Art Blakey; sus trabajos se van haciendo cada vez más esporádicos y el músico establece su segunda residencia en España. Kai Winding pasó los últimos años de su vida en Nueva York, retirado de la actividad musical.

Una de las más grandes figuras de la era del bebop, la figura de Kai Winding siempre estuvo en cierta forma ensombrecida por la del gigante J. J. Johnson, con quien lideró uno de los grupos más populares de la década de 1950.1 Kai Winding ayudó a Johnson a establecer el fraseo bebop en su instrumento, con una claridad de sonido y una velocidad de ejecución impensables pocos años antes y la asociación de ambos hombres ha pasado a la historia como uno de los episodios más importantes de la historia reciente del instrumento.


Manuel Temez (Jazz entre amigos)

Dewey Redman Quartet - The very thought of you - Chivas Jazz Festival 2002





Dewey Redman nace el 17 de mayo de 1931


De niño se pasaba - según contaba - el día escuchando a Louis Jordan y a todos los viejos músicos de blues en un jukebox que había cruzando la calle. Walter Dewey Redman comenzó tocando el clarinete en el instituto de su ciudad donde también cursaba sus estudios otro devoto de Jordan, el saxofonista Ornette Coleman. En 1953 ingresó en el Ejército pero no pudo tocar en la orquesta de su escuadrón al estar reservada para blancos. La muerte de su padre en Los Ángeles le llevó a la Costa Oeste. Durante siete años, Redman tocó regularmente en un club de San Francisco, el Bop City. Entre sus nuevas amistades se contaban el saxofonista John Coltrane y la cantante Janis Joplin.

En 1967 trasladó su residencia a Nueva York pasando a formar parte del nuevo quinteto de Ornette Coleman. "Cuando yo me uní al grupo de Ornette, en 1968, la cosa estaba más normalizada y había quien aceptaba nuestra música y quien no, pero no se peleaban entre sí". Redman grabó con el innovador jazzista dos discos que forman parte de la historia de la "new thing": New York is now! y Love call. El saxofonista alto y tenor alternará su trabajo junto a Ornette con sus colaboraciones con la Liberation Music Orchestra y sus propias formaciones. Entre 1971 y 1976 tocó junto al pianista Keith Jarrett y con Old and New Dreams, grupo nacido bajo la influencia de la música de Ornette Coleman, del que formaron parte Don Cherry, trompeta; Charlie Haden, contrabajo y Ed Blackwell, batería. En 1997 le fue diagnosticado un cáncer de próstata, lo que no le impidió continuar en el negocio: "Lo importante es que estoy vivo y puedo hacer una vida casi normal". Dos años más tarde grabó Momentum space junto al pianista Cecil Taylor y el baterista Elvin Jones.

El 11 de marzo del 2004 estaba en Madrid para actuar en el club Calle 54, actuación que fue suspendida por su propia decisión: "Estoy anonadado por las imágenes del atentado. Comprendo que no es el momento para irse de juerga".

Tan sólo dos años mas tardes fallecía a consecuencia de un colapso masivo de origen hepático.



Manuel Temez (Jazz entre amigos)

Woody Herman Big Band - Caldonia - 1964





Woody Herman nace el 16 de mayo de 1913


El padre de Woody Herman, artista frustrado, quería que su hijo llegase adonde el no había podido y cuando el chico cumple ocho años, lo sube a un escenario para cantar y bailar un numero infantil de un show itinerante de "vaudeville". desde entonces, Woody Herman no abandonará los escenarios para el resto de su vida. Estudia música y aprende a tocar el saxo alto con once años, el clarinete a los catorce y empieza a tomar fama de niño prodigio. Con quince años recién cumplidos, encuentra su primer trabajo como profesional haciendo por Texas una gira con la banda de Joe Lictcher.

En 1929 consigue su primer contrato importante y duradero con la orquesta de Tom Gerum, con quien se queda hasta 1933 cuando inicia un poeriodo algo errático pasando sucesivamente por las orquesta de Harry Sosnick, Gus Arnheim, Joe Moss y por fin la de Isham Jones cuando este decide disolverla en 1936. Con cuatro músicos de esta ultima banda logra formar su primera bigband que debuta en el "Roseland "Ballrom" de New York el 8 de noviembre de 1936.

El éxito le acompaña y la grabación de 1939 titulada "Woodchopper's Ball" es la consagración de la critica hacia su grupo que le empiezan a llamar "The Herd" (El rebaño) denominación que le acompañara durante toda su vida. Durante la década de los cuarenta, sucesivas formaciones darían lugar a que la orquesta de Herman fuera un semilero de grandes músicos que compite en igualdad de condiciones con su banda rival, la del cantante, Billy Eckstine. A finales de esa década decide tomarse unas vacaciones y disuelve la orquesta pero solo por un año ya que en 1947 presenta al público la denominada "The Second Herd" también conocida como "The Four Brothers Band" con los celebres "cuatro hermanos": Stan Getz, Herbie Stewrad y Zoot Sims a los tenores y Serge Chaloff al barítono. Aquella orquesta, con los arreglos de Ralph Burns, produce una conmoción en el mundo del jazz sobre todo con la grabación del tema que Stan Getz inmortalizaría para siempre: "Early Autumn".

En la década siguiente, la tónica es la misma; sucesivos cambios de músicos y formación mantiene a la orquesta en el primer nivel del jazz. Viaja a Europa en 1954 y a la vuelta ofrece un extraordinario concierto en el Festival de jazz de Monterey y en los años sesenta graba un disco enorme titulado "Woody's Winners" (Columbia 1965). En 1976 celebra su 40º aniversario como líder de la banda y sus músicos y amigos le ofrecen un extraordinario concierto homenaje en el Carnegie Hall de New York (Bluebird 1976). Su salud empieza fallarle y no tiene mas remedio que reducir su actividad y eso mezclado con sus problemas con Hacienda -murió en la ruina y sin dinero para pagar el alquiler de su vivienda - le retiró definitivamente de la escena del jazz. Eso fue el 29 de octubre de 1987 y el jazz perdió a un músico extraordinario.


Manuel Temez (Jazz entre amigos)

Stanley Jordan - Stairway to Heaven





Stanley Jordan saltó a la fama a principios de los 80 del siglo XX por una técnica novedosa de tocar la guitarra que consiste en presionar las cuerdas con las dos manos, en lugar de la tradicional de rasgar con los dedos de una mano y presionar las cuerdas contra el mástil con los dedos de la otra. Basándose en esta técnica consigue reproducir el sonido de dos y hasta tres guitarras o de acompañar el sonido principal con líneas de bajo. Esta técnica es conocida como tapping. Con ella Stanley consigue armonías complejas y sonidos limpios similares a los del piano. Pese a no ser el primer guitarrista en utilizar esta técnica, si es el primero que la lleva a extremos de uso exclusivo en su producción musical.

Graduado en Princeton en 1981 en música y armonía, se inició en la música desde pequeño a través del piano, lo que posteriormente le ayudó a iniciarse en la guitarra eléctrica en la técnica del tapping. Tras su graduación comenzó a tocar en las calles de Nueva York hasta que fue fichado por Blue Note Records lanzando su primer disco "Magic Touch", que obtuvo dos nominaciones a los Grammy y permaneció en las listas de discos más vendidos de jazz en EE. UU. durante casi un año.

Pese a este enorme éxito, y a aparecer en algunas películas como Cita a Ciegas o en programas de televisión de gran repercusión, la producción musical de Stanley Jordan no ha sido tan espectacular como se pudo esperar después de su exitoso debut, ya que ha dedicado gran parte de su tiempo a experimentar en el campo de la músico-terapia.

Sus detractores argumentan que Stanley abusa de esta técnica, lo cual le resta posibilidades al tiempo que complica la actuación con otros instrumentos.

Una de las características particulares es la afinación que usa en la guitarra, que es, de grave a agudo, EADGCF (Mi, La, Re, Sol, Do Fa) lo cual lleva la a afinación en cuartas al estilo del Chapman Stick, e inversa a la de algunos instrumentos de cuerda frotada (como el violín o el violoncello). Nótese que las cuerdas más agudas tienen este intervalo en lugar de la alteración a tercera mayor en la segunda cuerda, que lleva a B y E en la afinación tradicional.

Jordan reside actualmente en Sedona, Arizona donde tiene su empresa Sedona Books and Music. También es alumno de la Universidad Estatal de Arizona donde cursa estudios de terapia musical.


Manuel Temez (Jazz entre amigos)

Sophisticated Lady Ellis Larkins





Ellis Larkins nace el 15 de mayo de 1923


Con once años, Ellis Lane Larkin ya formaba parte de diversas orquestas estudiantiles, antes de estudiar en la Juilliard School. Siendo profesional, tocó con Edmond Hall y, después, con su propio trío, con el que tocó regularmente, durante veinte años, en el Village Vanguard de Nueva York. En los años 1940, grabó con Coleman Hawkins, Mildred Bailey y Dicky Wells, y con Ella Fitzgerald y Ruby Braff en los cincuenta. A partir de 1963, se convierte en asiduo acompañante de diversos cantantes, entre los que se incluyeron Eartha Kitt, Joe Williams, Helen Humes, Georgia Gibbs y Harry Belafonte. Vuelve con Ella Fitzgerald a mediados de la década de 1970 y, sobre todo, regresa al formato trío para tocar en clubs.

Larkins ha quedado en la historia del jazz como un relevante acompañante, debido en parte a la escasez de grabaciones como titular, pero sobre todo por su musicalidad, sensibilidad e inteligencia que convertía cada acorde en algo importante. La única influencia que puede percibirse es la de Erroll Garner, aunque siempre con una quietud que aquel no tenía. Su estilo le granjeó una gran popularidad entre el público blanco.


Manuel Temez (Jazz entre amigos)

Sidney Bechet - Egyptian Fantasy





Sidney Bechet fallece el 14 de mayo de 1959


Como buen "criollo", Sidney Bechet, tenía el problema de ser demasiado blanco para los negros y demasiado negro para los blancos. Pero este músico de origen y formación autodidacta, nacido en New Orleáns, tenía con Louis Armstrong mucha mas relación que una simple vecindad. Bechet fue junto con Armstrong, el primer y gran solista del jazz tradicional. Séptimo hijo en su familia, Bechet empezó a practicar música un día con diez años, cuando en su casa se organizó una fiesta amenizada por la orquesta de Freddie Keppard. En una habitación anexa, y pensando que no lo oían, Bechet tocó la parte del clarinetista ausente en la orquesta y a partir de ahí, y viendo sus cualidades, el "oráculo" de clarinetistas de New Orleáns, lo acogió en su seno y todos se empeñaron en enseñarle la técnica del instrumento.

En 1913, se independizó de su familia y se traslado a Chicago ya con una bien ganada fama de músico autodidacta. Tocó con King Oliver, Roy Palmer y el ya citado, Freddie Keppard entre otros. El empresario, Will Marion Cook, lo llamó para que se uniera a la "Southern Syncopated Orchestra" que salía de gira hacía Europa. La acogida en el viejo continente fue tan entusiasta que no regresó hasta tres años mas tarde en 1922. De aquella estancia, Bechet se llevó a New York un nuevo instrumento adquirido en Londres y que posteriormente le daría singularidad y fama: el saxo soprano.

En la "gran manzana" abrió en la Avenida Lenox, el "Basha Club", colaboró con el pianista, James P. Johnson y con Duke Ellington y se unió en una decisión trascendental a la banda del pianista, Clarence Williams donde tocaba la corneta, Louis Armstrong. Tras un breve paréntesis en Europa entre 1926 y 1928, se enroló en New York con la orquesta de Ray Noble, donde conoció a su amigo, Tommy Ladnier. Estuvo hasta 1938 y esa estabilidad le proporcionó un mejor nivel de vida. Se casó, ganaba dinero y sólo faltaba el reconocimiento que no tenía entre el gran publico. Europa aparecía como una tabla de salvación , y el promotor francés, Charles Delaunay, le sirvió en bandeja la ocasión cuando le invitó a participar en un festival de jazz parisino en mayo de 1949. Tras un breve viaje de vuelta a Chicago para arreglar unos compromisos contractuales, Sidney Bechet se estableció definitivamente en Francia en 1951.

La estancia de Sidney Bechet, en Francia fue extraordinariamente fértil desde el punto de vista musical. Adorado por los aficionados galos, grabó multitud de discos para el sello Vogue, participó en varios conciertos en los mejores escenarios parisinos; viajó por toda centroeuropa y sólo una aciaga enfermedad pulmonar frenó aquella maravillosa etapa en su vida. Sidney Bechet, falleció el mismo día que cumplía 62 años. En la localidad de Juan-Les-Pins, hay un busto en su recuerdo y en Paris, existe una calle con su nombre que hace esquina con la Rue Armstrong, el único apellido ilustre que le pudo disputar el honor de ser el primer gran solista de la historia del jazz.


Manuel Temez (Jazz entre amigos)

martes, 13 de mayo de 2014

Stone Free - Gil Evans Orchestra Live in Lugano 1983





Gil Evans nace el 13 de mayo de 1912

El arreglista, compositor, y líder de orquesta, Gil Evans, ha sido descrito a menudo como una especie de Svengali orquestal. Alguien que conjura sonidos casi místicos tomado de las grandes formaciones del jazz para proporcionar el fondo musical perfecto a solistas como Miles Davis o a la cantante, Helen Merrill. Evans, fue sin duda un complemento perfecto para esos artistas, pero también se embarcó en una incesante exploración de las posibilidades inherentes al campo de la composición y el arreglo orquestal en el ultimo tramo de su carrera y disfrutó incluso de una variedad de instrumentos electrónicos en su original paleta de sonidos.
Nacido en Toronto de padres australianos, se dedicó en los primeros años de su juventud a viajar por numerosos países hasta que finalmente se estableció en Stockton (California) donde dirigió su propia banda como músico completamente autodidacta entre 1933 y 1938. Posteriormente, Skinnay Ellis, se hizo cargo del grupo y Evans se quedó como arreglista hasta 1941, año en que paso a formar parte de la orquesta de Claude Thornhill donde estuvo hasta 1948, dotando a la banda de un sonido evanescente y "flotante". A partir de su éxito titulado "Snowfall" Gil Evans, adquirió una sólida fama en los arreglos de estándares para orquestas convirtiéndose en una especie de "guru" para las nuevas generaciones de compositores y arreglistas de finales de los cuarenta.
Junto a Gerry Mulligan, John Lewis, John Carisi, Lee Konitz, Miles Davis y otros músicos, lanzaron entre 1948 y 1950 el álbum que revolucionó todos los conceptos musícales de aquella época creando el llamado "estilo cool" y cuyo grupo fue y es conocido para la posteridad como el "Noneto Capitol". De allí salió el álbum "Birth of the Cool", uno de los títulos imprescindibles de la historia del jazz. Tras ese fértil periodo, Gil Evans, desapareció de la escena del jazz hasta mediados de los años cincuenta, cuando la cantante Helen Merrill, insistió en que fuese él quien se encargara de los arreglos de su álbum para Emarcy "Dream of You" en 1956. Los bellísimos, extraordinarios y exuberantes arreglos que Evans hizo para las canciones clásicas de ese álbum, le llevaron a retomar la colaboración con Miles Davis en el álbum "Miles Ahead" grabado en 1957 para la Columbia y donde Miles bajo la batuta de Evans, se sube a un escenario con cerca de una veintena de músicos, toda una autentica bigband extraordinaria. A ese álbum, le siguieron un extraordinario "Porgy and Bess", en 1958 y el álbum que inició el camino para la fusión entre el flamenco y el jazz "Sketches of Spain". Evans a la conclusión de este triple salto mortal era toda una personalidad influyente en el mundo del jazz.
Tras la colaboración con Miles, Gil Evans produjo en la década de los sesenta sus mejores esfuerzos en solitario con tres discos grabados a su nombre: el primero y mejor de todos, grabado en 1959 para Pacific Jazz y titulado: "Great Jazz Standars" es una obra maestra absoluta, el segundo "Out of the Cool" grabado para Impulse! en 1961, fue el primero, el segundo dos años mas tarde en 1963 bajo el titulo de "The Individualims of Gil Evans" para el sello Verve. En ellos refleja claramente su fascinación por el compositor alemán, Kutrt Weill. También por aquélla época hace algún trabajo arreglando los discos de la cantante, Astrud Gilberto. En 1970, Evans, inicia una nueva etapa de su carrera cuando aparece con su propia bigband en el Village Vanguard de New York aunque la irregularidad predomina en esta ultima fase de su carrera. Vuelve a encontrarse con Helen Merrill, en un trabajo postrero de ambos y su vida terminó el 20 de marzo de 1988.

Manuel Temez (Jazz entre amigos)

Chet Baker Live in Holland 1975





El 13 de mayo de 1988 Chet Beker nos dejaba para siempre


El trompetista Chet Baker murió en Amsterdam, al caer por la ventana de la habitación de un hotel. Tenía 58 años, gracias a su estilo confidencial, Chet Baker fue uno de los músicospredilectos de los años 50, sobre todo por su participación en el célebre cuarteto sin piano de Gerry Mulligan. En esta época, Baker colaboró con figuras de la importancia de Art Pepper y Lee Konitz, actuó como cantante y dirigió sus propios grupos junto a pianistas como Russ Freeman o el infortunado Dick Twardzick.
Parecía un triunfador, pero ya en su década gloriosa tuvo problemas con las drogas, y a fines de ella se vio obligado a refugiarse en Europa. Los años 60 fueron para Chet Baker un infierno. De vuelta a Estados Unidos, pudo aún realizar unas buenas grabaciones junto a George Coleman y Kirk Lightsey. Pero en 1968 unos traficantes le causaron lesiones graves, y todo pareció acabar para él.
Daba la impresión de que nunca habría otro Chet Baker. Sin embargo, animado por Dizzy Gillespie y otros colegas, Baker regresó. El punto de partida oficial de este regreso fue un concierto en el Carnegie Hall, otra vez con Gerry Mulligan. Desde entonces, al aficionado al jazz nunca le ha faltado la melancolía de la trompeta y la voz de Chet Baker.
La muerte, que siempre le rondaba, le encontró de una manera absurda y en un momento absurdo. Puesto que era inevitable, hubiera sido más lógico que muriese cuando las hojas de otoño empiezan a caer. Pero a la muerte le tienen sin cuidado estos sentimentalismos. Baker moriría al caer por la ventana de un hotel en Ámsterdam tras consumir heroína y cocaína.

Desde entonces el mundo del jazz está de duelo.



Manuel Temez (Jazz entre amigos)

King Oliver's Creole Jazz Band (Gennett, April 5-6, 1923 Session)





King Oliver nace el 11 de mayo de 1885


Joe "King" Oliver, leyenda de la primera época del jazz, fue un gran músico. Nacido en una plantación al sur de Baton Rouge, llegó a New Orleáns siendo aun muy pequeño. Huérfano de madre desde niño, se educa en Nueva Orleáns guiado por su hermanastra Victoria Davis.

Ya en la adolescencia comienza dedicarse a la música y tocando en las mas celebres orquestas de la ciudad, entre ellas la "Olympia Band" de la que era estrella Freddie Keppard, la "Onward Brass Band" y algunas otras. Sin embargo, las condiciones económicas no le permitían dedicarse exclusivamente a la música, y la compaginaba con otros trabajos en oficios destinados a los negros. De vez en cuando tocaba con otras bandas en bailes y funerales y una vez llegó a Baton Rouge. Tocó por las calles de la ciudad y en los locales del barrio de Storyville. Gracias a su marcado estilo se gana el sobrenombre de King, pero también se le conoció como "Tenderfoot", debido a los callos que tenía en los pies.

En 1918 se traslada a Chicago para unirse a la banda "Los jardines Reales de Chicago". En esta ciudad siguió uniéndose a otras bandas como la "Dreamland Café", liderada por Lawrence Duhe. Al comienzo de la década de los años veinte monta su propia formación, la "Creole Jazz Band". Con ella realizó las primeras grabaciones determinantes de la historia del jazz, inaugurando una genealogía que continuará, años mas tarde, en los "Hot Five" y "Hot Seven" de Louis Armstrong, las grabaciones de Jelly Roll Morton con los "Red Hot Peppers", los discos de 1945 de Charlie Parker y Dizzy Gillespie, las doce tomas del "Noneto Capitol" de Miles Davis, etc, etc. Las grabaciones de Oliver para las marcas, Gennett, Paramount, Okeh y Columbia, son el verdadero origen de la estirpe jazzistica. La "Creole Jazz Band" estableció cuando grabó "Chimes Blues"; "Canal Street Blues" "Snake Rag" o "Dippermouth Blues" el modelo standar para todos los grupos de jazz que no basan su eficacia en la expresión individual sino una suma conquistada a través del equilibrio del grupo.

En 1927, una vez que sus mejores solistas se fueron de la orquesta, Armstrong entre ellos, Oliver se mudó a New York contratado por la famosa sala de baile "Savoy Ballroom" después de desaprovechar la mejor oportunidad de su vida al rechazar un contrato de trabajo en el Cotton Club, que en su lugar contrató a un desconocido por entonces, Duke Ellington. El crack del 29, la crisis económica, la escasez de trabajo y el cambio en los gustos del publico, fueron llevando a Joe "King" Oliver a un estado depresivo, que fue agravado por una enfermedad letal para un músico: la piorrea. Imposibilitado para tocar la corneta, viendo como su discípulo, Louis Armstrong, le superaba en efectividad y en estilo, humillado hasta el punto de tener que trabajar quince horas al día limpiando una sala de billares con un salario de hambre, Oliver sufrió un derrame cerebral y a su muerte no hubo dinero ni para cubrir su tumba con una lápida.


Manuel Temez (Jazz entre amigos)

A Few Minutes with Johnny Hodges





Johnny Hodges nos dejaba para siempre el 11 de mayo de 1970


John Cornelius Hodges fue uno de los solistas más importantes de la orquesta de Duke Ellington y uno de los tres saxofonistas altos más influyentes e importantes de la historia del jazz, junto con Benny Carter y Charlie Parker. La manera que tenía Hodges de tocar el saxo, con un vibrato intenso, le hizo imprescindible en la orquesta. En los tiempos lentos (a los que Ellington le ligaba frecuentemente) emocionaba, mientras que en los tiempos rápidos desarrollaba un swing irresistible, lo que le hizo el saxofonista alto más popular de los años 40 y 50.


Manuel Temez (Jazz entre amigos)

Fred Astaire drums skit (Damsel In Distress 1937)





Fred Astaire nace el 10 de mayo de 1899


Frederick Austerlitz, más conocido como Fred Astaire, fue un actor, cantante, coreógrafo, además de un virtuoso bailarín, capaz de transmitir riesgos despreocupadamente o emociones profundas cuando se exigía. Su control técnico y sentido del ritmo fueron asombrosos; según una anécdota, era capaz, cuando era llamado de nuevo al estudio, de rehacer un número de baile que había filmado hacía varias semanas para un número de efectos especiales, de reproducir la rutina con exactitud hasta el último gesto. La ejecución de una rutina de baile de Astaire era de primera por su elegancia, gracia, originalidad y precisión. Él tiró de una variedad de influencias, incluyendo claqué y otros ritmos afroamericanos, baile clásico y el estilo elevado de Vernon e Irene Castle, para crear un estilo de baile único y reconocible que influyó ampliamente el estilo "American Smooth" del baile de salón, y fijó los estándares con los que los posteriores musicales en cine serían juzgados. Coreografió todas sus propias rutinas, normalmente con la ayuda de otros coreógrafos, principalmente Hermes Pan.
Su perfeccionismo fue legendario así como lo fue su modestia y consideración hacia sus artistas prójimos; sin embargo, su implacable insistencia en ensayos y nuevas tomas fue un carga para algunos. Aunque se veía a sí mismo principalmente como un artista, su consumado arte le supuso la adulación de algunas leyendas del baile del siglo XX como Michael Jackson, George Balanchine, los hermanos Nicholas, Mikhail Baryshnikov, Margot Fonteyn, Bob Fosse, Gregory Hines, Gene Kelly, Rudolf Nuréyev y Bill Robinson.

Extremadamente modesto sobre sus capacidades de canto - frecuentemente afirmaba que no sabía cantar - Astaire presentó algunas de las canciones más célebres del Great American Songbook, en particular, "Night and Day" de Cole Porter en Gay Divorce (1932); "Isn't it a Lovely Day" de Irving Berlin, "Cheek to Cheek" y "Top Hat, White Tie and Tails" en Top Hat (1935), "Let's Face the Music and Dance" en Follow the Fleet (1936) y "Change Partners" en Carefree (1938). Presentó "The Way You Look Tonight" de Jerome Kern en Swing Time (1936); "They Can't Take That Away From Me" de the Gershwins' en Shall We Dance (1937), "A Foggy Day" y "Nice Work if You Can Get it" en A Damsel in Distress (1937) y presentó "One for My Baby" de Johnny Mercer en The Sky's the Limit (1943) y "Something's Gotta Give" en Daddy Long Legs (1955) junto con Harry Warren y "This Heart of Mine" de Arthur Freed en Ziegfeld Follies (1946).
Astaire también copresentó un número de canciones clásicas a través de duetos musicales con sus parejas. Por ejemplo, con su hermana Adele, copresentó "I'll Build a Stairway to Paradise" de the Gershwins' en Stop Flirting (1923), "Fascinating Rhythm" en Lady, Be Good (1924), "Funny Face" y "'S Wonderful" en Funny Face (1927); y, en duetos con Ginger Rogers, él presentó "I'm Putting All My Eggs In One Basket" de Irving Berlin en Follow the Fleet (1936), "Pick Yourself Up" de Jerome Kern y "A Fine Romance" en Swing Time (1936), junto con "Let's Call The Whole Thing Off" de The Gershwins' en Shall We Dance (1937). Con Judy Garland cantó "A Couple of Swells" de Irving Berlin en Easter Parade (1948); y, con Jack Buchanan, Oscar Levant y Nanette Fabray cantó "That's Entertainment" de Betty Comden y Adolph Green en The Band Wagon (1953).

Aunque poseía una voz suave, era admirado por su lirismo, dicción y construcción - la gracia y la elegancia tan apreciada en su baile parecía tener su reflejo en su canto, una capacidad de síntesis que llevó a Burton Lane a describirle como "El mejor intérprete musical del mundo." Irving Berlin consideró Astaire igual que cualquier intérprete masculino de sus canciones - "tan bueno como Jolson, Crosby o Sinatra, no necesariamente por su voz, sino por su idea de proyectar una canción". Jerome Kern le consideró el intérprete masculino supremo de sus canciones y Cole Porter y Johnny Mercer también admiraron su tratamiento único de su trabajo. Y mientras George Gershwin era algo crítico con las capacidades de cante de Astaire, escribió muchas de sus canciones más memorables para él.



Manuel Temez (Jazz entre amigos)

Eddie Jefferson - So What







Eddie Jefferson fallece el 9 de mayo de 1979


Eddie Jefferson un ex-bailarín de claqué y cantante, tuvo la idea un día de 1952, de poner letra a la bella y extraordinaria improvisación que el saxofonista, James Moody, había realizado a la balada "I'm in The Mood For Love" con músicos suecos en 1949. Después de él vinieron muchos otros, incluso con gran éxito como fue el caso del cantante, King Pleasure, pero, Jefferson fue el primero. Y con el nació el estilo vocal conocido como "vocalese".

Eddie Jefferson, cantaba la letra recogiendo todas y cada una de las inflexiones del sólo de saxo de Moody yendo mas allá del scat, - el canto improvisado sin palabras - y por tanto creando las bases para una nueva canción. Al principio de su carrera, Jefferson, había introducido esporádicamente en sus espectáculos de clubes, breves versiones vocales de solos de Chu Berry y Lester Young. Ya antes, en 1939, hizo algo parecido con el tema de Coleman Hawkins, "Body and Soul". Y fue cuando Jefferson estaba trabajando en el "Cotton Club" de Cincinnati en 1950, cuando King Pleasure se presentó en el Teatro Apollo de Harlem y ganó su concurso para aficionados con el tema de Jefferson.

En 1953, Eddie Jefefrson se asoció con el saxofonista, James Moody y su grupo durante una década donde tuvo la oportunidad de grabar varios discos para los sellos: Argo, Prestige y Riverside. Durante los años setenta, formo pareja con el también saxofonista, Richie Cole, grabando con él varios discos para el sello "Muse" antes de morir trágicamente asesinado a las puertas de un club de Detroit en donde trabajaba.


Manuel Temez (Jazz entre amigos)

"Red Nichols and his Five Pennies" (Vitaphone 1929)





Red Nichols nace el 8 de mayo de 1905


Ernest Loring "Red" Nichols fue un cornetista y trompetista de jazz tradicional y swing, representante destacado del llamado "estilo Nueva York" o "High Brow".

Multiinstrumentista (tocaba además el piano y el violín), organizó desde muy pronto sus propios grupos, y con uno de ellos, en 1921 y 1922, grabó sus primeros discos. Después trabajó con diversos músicos, como el baterista George Olsen (1893 - 1971) y Paul Whiteman, y grabó copiosamente con diferentes bandas, propias y ajenas.

En 1928 montó una nueva banda con músicos jóvenes pero ya reconocidos: The Five Pennies. En ella estuvieron el trompetista Max Kaminsky (1908 - 1994), Benny Goodman, Jack Teagarden, Glenn Miller, Gene Krupa, Wingy Manone y otros. Con estas bandas, hizo numerosas giras durante los años 30 y los primeros 40. En 1959, Paramount realiza una película sobre su vida, llamada precisamente Five Pennies, con Danny Kaye en el papel de Red Nichols, Bob Crosby y Louis Armstrong.

Aunque parte de la crítica le acusaba casi de imitador de Bix Beiderbecke, Red Nichols poseyó un estilo sutil y preciso, original en ciertos aspectos como su sonoridad cristalina y pulida y su intento de fusionar el jazz con la música de cámara. En realidad, según algunos autores, su cercanía al estilo de Beiderbecke provenía de su común influencia de Phil Napoleon.


Manuel Temez (Jazz entre amigos)

miércoles, 7 de mayo de 2014

Arthur Blythe: Montreux 1981





Arthur Blythe nace el 7 de mayo de 1940

Nació en Los Ángeles, California, de pequeño, le pide a su madre tocar el trombón, pero ella, admiradora de los saxofonistas, Johnny Hodges, Earl Bostica y Tab Smith, le proporciona un saxo alto. Estudia el instrumento en San Diego con distintos profesores, entre ellos David Jackson, quien formaba parte del grupo de Ray Charles. Toca en la orquesta estudiantil y se aficiona a la música popular (rock and roll, country y gospel) sin que por ello decaiga su admiración por los saxofonistas de su infancia, principalmente, Benny Carter. Participa en distintos grupos, ya sea en formato de pequeñas formaciones como en grandes orquestas.
Entre 1967 a 1973 participa en el "Black Music Infinity" del baterista, Stanley Crouch. Su encuentro allí, con otro saxofonista, Azar Lawrence, será determinante. Con él graba "Bridge Into The New Age". A partir de 1974 toca en Nueva York, con el cantante Leon Thomas en la "Energy Band" del trompetista Ted Daniel, junto a Julius Hemphill y con el baterista Chico Hamilton, que le llevó durante un brevísimo período hacia un área cercana al jazz-rock.
En 1979, funda su propio grupo al que denomina: "In The Tradition". Con su formación, trabajó además, con la mayor parte de los exponentes de la vanguardia neoyorquina. Desde entonces, aquel cuyas preocupaciones estéticas le han valido el apodo de "Black Arthur" se ha cruzado con algunos de los nombres mas encumbrados del jazz contemporáneo (Lester Bowie, Evans; Jack DeJohnette, Sunny Murray, etc.).
Instrumentista bien dotado técnicamente, Blythe representa un caso particular y profundamente interesante en el panorama contemporáneo de la música improvisada. Aunque su fraseo es esencialmente moderno y deriva de John Coltrane y Eric Dolphy, en realidad su sonoridad, así como ciertas particularidades estilísticas, parecen dirigirse hacia una cuidadosa recuperación de la tradición de los artistas negros americanos: Johnny Hodges, Benny Carter, etc.
Arthur Blythe, no sólo reivindica el legado de las múltiples corrientes de la música negra sino que parece querer reunificarlas a través de su instrumento.

Manuel Temez (Jazz entre amigos)

martes, 6 de mayo de 2014

Barney Kessel - Club Date (Live TV 80s)





Barney Kessel fallece el 6 de mayo de 2004

Discípulo confeso del gran Charlie Christian, el guitarrista, Barney Kessel, se inspiró en su música para iniciar una carrera profesional magnifica. Sus inicios fueron en la orquesta del pianista, Chico Mark en 1943, un músico que alternaba la dirección de su bigband, con la de cómico en teatros y salones de baile.
Los años cuarenta los pasó tocando en diferentes formaciones y orquestas. Entre 1944 y 1945, formó parte de la bigband de Charlie Barnet, en 1945 estuvo con Artie Shaw y ya en los años cincuenta formo parte del trío de Oscar Peterson (1952-1953). Grabó a su nombre cerca de una decena de discos para los sellos, Verve y Contemporary entre los años 1953 y 1961.
En 1968 viaja a Europa de gira con el grupo del pianista, George Wein y en Londres graba varios discos en directo liderando sus propias formaciones. En 1973, participa en el concierto de los "All Stars" en el encuentro de "Great Guitars" junto a Charlie Byrd y Herb Ellis. Una enfermedad le apartó de los escenarios a primeros de los años noventa, cuando ya estaba consolidado como uno de los grandes guitarristas de la segunda mitad del siglo XX, y a la altura de otros guitarrista coetáneos como, Joe Pass o Jim Hall.

Manuel Temez (Jazz entre amigos)

lunes, 5 de mayo de 2014

Charles Mingus - Ah Um





El 5 de mayo de 1959, Charles Mingus graba su obra maestra "Mingus Ah Um"

Muy pocos contrabajistas alcanzan la profundidad expresiva, la agilidad de ideas y el swing contagioso que Mingus derrochaba incluso en los momentos mas complejos. Este álbum grabado en un momento crucial de su carrera es la obra de un músico que piensa como un director de gran orquesta, pero que se ve encorsetado a escribir arreglos para un grupo reducido. En este caso, esa limitación se convierte en ventaja, ya que bajo esas condiciones, su música gana en claridad y concisión y expresa toda la belleza que lleva dentro.
Así, se suceden el sarcasmo de "Fables of Faubus", el lirismo conmovedor de "Goodbye Pork Pie Hat" (dedicado a Lester Young) y el júbilo desbocado de "Better Git it in Your Soul". Los solistas, en especial, el maestro, Booker Ervin, contribuyen decisivamente en el éxito final. En resumen, un disco obligatorio como tantos otros del genial, Charles Mingus, una de las figuras indiscutibles del jazz moderno.
Manuel Temez (Jazz entre amigos)