viernes, 28 de marzo de 2014

Tete Montoliu - Desafinado·Meditaçao·Tristeza



Tete Montoliu nace el 28 de marzo de 1933 en Barcelona


En el hasta hace poco desolador panorama del Jazz en nuestro pais, la figura del extraordinario pianista barcelonés, Tete Montoliu ha brillado con luz propia y casi en solitario durante muchos años. Tete nació en el seno de una familia barcelonesa de gran vocación musical: su padre integraba la Banda Municipal y la Gran Orquesta del Liceo, y su madre era una entusiasta aficionada al jazz. Niño prodigio, ciego de nacimiento, a los cuatro años, cuando ya garabateaba con notable precisión los primeros compases de pequeñas piezas clásicas, realizó un curso de música en la Escuela de Ciegos de Barcelona y posteriormente cursó estudios en el Conservatorio Superior de Música de la Ciudad Condal, iniciándose en el jazz atraído por la escucha, paciente y entusiasmada de otro gran pianista ciego, el maestro, Art Tatum.

Tete, tuvo la suerte de ser oído por el gran maestro del vibráfono, Lionel Hampton, que quedó deslumbrado por la expresividad de Montoliu, que entonces se ganaba la vida tocando en un oscuro pub barcelonés. El músico estadounidense lo invitó a sumarse a la gira europea de su banda. También tuvo la suerte de que otro gran músico, el saxofonista afincado en Barcelona, Don Byas, le animara a tocar con el en el mítico club "Jamboree" de la Plaza Reial de Barcelona. Desde entonces, Tete, tocó con casi todos los grandes maestros del jazz: los saxofonistas John Coltrane, Dexter Gordon, Ben Webster y Stan Getz; los trompetistas, Chet Baker o Paquito D'Rivera; el baterista, Elvin Jones y el violinista, Stephane Grappelli entre otros. A finales de los años cincuenta, dio sus primeros recitales en Nueva York, en el célebre club, "Up of the Gate" y fue distinguido como mejor pianista europeo de jazz por sus propios compañeros. Entre sus principales trabajos discográficos, más de sesenta discos grabados en distintos formatos, destacan "Body & Soul" (Black Lion, 1971), "Tete!" (Steple Chase, 1974; "Tete a Tete" (Steple Chase, 1976), "Lunch in L.A" (Original Jazz, 1979)."The Man From Barcelona" (1990) o por fin el extraordinario directo en Madrid, "Tete en el San Juan" (Melopea, 1997).
Tete Montoliu, falleció el 24 de agosto de 1997 en Barcelona víctima de un cáncer pulmonar. El jazz en España está en deuda permanente con este gran músico.

Pee Wee Russell "(What Can I Say, Dear) After I Say I'm Sorry"





Pee Wee Russell nace el 27 de marzo de 1906


Charles Elworth "Pee Wee" Russell fue un clarinetista extraordinario dotado de un particularisimo estilo. Aunque sus primeros instrumentos fueron el violín, el piano e incluso la batería, se inclinó por el clarinete iniciado por su amigo, Charlie Merrill y tras haber escuchado en Muskogee al clarinetista, Yellow Núñez.

Su debut profesional se produjo con la orquesta del cornetista, Gene Perkins, y su primer contrato importante fue en 1922, en la ciudad de St. Louis, con la formación de Herbert Berger. Decidió perfeccionar su estudio del clarinete para lo que contó con la inestimable ayuda del clarinetista, Tony Sarlie, solista extraordinario de la "St. Louis Symphony Orchestra". Dos años después, en 1924, entró a formar parte del grupo de Peck Kelley, en el que ya estaban, León Prima, Jack Teagarden y Leon Roppolo. Al año siguiente trabajó en el "Arcadia Ballroom" de St. Louis, con el cornetista blanco, Bix Beiderbecke y el director de orquesta, Frankie Trumbauer. Juntos los tres, se unieron en el verano de 1926, a la extraordinaria orquesta de Jean Goldkette, que actuaba regularmente en Hudson Lake en el Estado de Indiana.

Por aquella época, Pee Wee Russell, comenzó a frecuentar los ambientes jazzisticos de Chicago y conoció al extraordinario guitarrista blanco, Eddie Condon, y a los demás componentes de la "Austin High School", una prestigiosa institución musical de la ciudad del viento. Pee Wee Russell, grabó sus primeros discos en New York en 1927 con el grupo denominado: "Five Pennies". De aquellas grabaciones es destacable el tema "Ida" en el que ya revelaba un estilo a caballo entre Benny Goodman y Jimmy Dorsey. Fue en 1929, el año en que grabó "Hello Lola" y "Hone Hour" con la orquesta de Red McKenzie, cuando Pee Wee entró a formar parte de manera estable en los círculos musicales de la ciudad de Chicago, denominados familiarmente por el publico y la critica como los "Chicagienses". Durante los años treinta, Pee Wee Russell, tocó en diferentes formaciones. En 1932 con los "Rhythmakers"; en 1933 con Eddie Condon y su grupo; y entre 1935 y 1940 con Bobby Hackett, con la "Summa Cum Laude Orchestra" de Bud Freeman.

A lo largo de los años cuarenta, Pee Wee Russell, alternó su música al frente de algunos grupos propios, pero efímeros, o como solista en las formaciones de George Brunis, Bill Davison o Miff Mole. Junto a su amigo y compañero, Muggsy Spanier, comenzaron a buscar una música estilísticamente mas avanzada debutando con George Wein en el club "Storyville" de Boston. En 1957, formó dúo con el multiinstrumentista, Jimmy Giuffre y en 1958, Russell pasó a la historia del jazz como protagonista indiscutible de uno de los cuatro grandes discos del estilo dixieland ,sorprendentemente, grabados los cuatro a mediados de la década de los cincuenta. Veinte años atrás, el dixieland surgió como una respuesta blanca a la música inventada por los negros afro americanos. En 1958, cuando Pee Wee Russell graba para Esoteric Records el disco "Portrait of Pee Wee", el dixieland había incorporado innovaciones rítmicas y se había liberado de ciertos corsés. Russell tuvo la capacidad en ese disco de exponer la tradición de forma moderna, y eso mismo hizo Eddie Condon con su "Jammin' At Condon" (Columbia, 1954); Bobby Hackett con su "Coast Concert" (Capitol, 1955) y Jack Teagarden y Hackett con su álbum grabado para Capitol en 1957 titulado "Jazz Ultimate".

En 1962, Russell formó un cuarteto con el trombonista, Marshall Brown y con el que llegó a actuar en el "Village Vanguard" de New York y grabando en ése contexto un disco para Columbia extraordinario que le supuso ser declarado por la prestigiosa revista, "Down Beat" el mejor clarinetista del mundo. El disco se tituló "New Groove" y se nutrió de composiciones de Coltrane, de Tadd Dameron y Billie Strayhorn. Ese mismo año, el pianista Thelonious Monk, lo incluyó en su cuarteto, llegando a actuar en el Festival de Jazz de Newport. En 1965, hay otro hito discográfico en la carrera profesional de Pee Wee Russell, cuando graba para el sello Impulse! en 1965, el extraordinario álbum "Ask Me Now". Este disco está casi considerado como un testamento musical de Russell. Sus ultimas apariciones en publico tuvieron lugar en el "Town Hall" de New York y en el "Blues Alley" de Washington a finales de 1968. En 1969, poco antes de morir, participó en una sesión de "All Stars" en la Casa Blanca, residencia del recién elegido Presidente Nixon.

W. C. Handy - Loveless Love





El 28 de marzo de 1958 nos dejaba W.C. Handy "The Father of the Blues"


Hijo de un predicador métodista, el compositor, pianista cornetista y director de orquesta, W.C Handy estudió música desde niño en contra de la voluntad paterna y ayudado por un viejo violinista, Uncle White Walter, perfeccionándose después en el "Kentucky Musical Collage". Aprendió a tocar la corneta y, aún adolescente, se unió a la "Bessemer Brass Band". En 1893 participó en la Exposición Mundial de Chicago, al frente de un cuarteto vocal. En 1886 fue solista de corneta del grupo de los "Mahara´s Minstrels" del que fue después director musical y en cuya orquesta permaneció siete años. Con ese grupo hizo una gira en donde llegó a tocar desde Oklahoma, en el lejano Oeste, hasta la mismísima isla de en Cuba.

En 1903 formo una ragtime band en Clarkdale (Mississippi) y allí formó su primera banda de músicos negros, la "Colored Knights of Pytams", una formación que tocó tanto para público de raza blanca como de color y poco después se trasladó a Memphis. En 1909, Edgard H. Crump, candidato a la alcaldía de la ciudad, le encargó una canción para su campaña electoral. El tema que Handy compuso Mr. Crump (convertido, en 1912, en el famoso Memphis blues) contribuyó en el triunfo del candidato , y, naturalmente, en el éxito de Handy como compositor. En la misma época escribió otros célebres blues (Yellow Dog Blues, Beale Street Blues, Ole Miss, etc), inspirándose siempre en los cantos tradicionales de su pueblo, que le consolidaron su fama y le permitió fundar su propia editora musical en N.Y. en 1917.

Algunos años más tarde se quedó casi completamente ciego, a a pesa de los cual prosiguió con su actividad de compositor y director, y dirigió ocasionalmente a sus propios grupos, tocando la corneta. En los años siguientes participó en giras de varios grupos, como los de Jelly Roll Morton ( 1926) y Clarence Davis ( 1932). En 1936 estuvo en Nueva Cork con la orquesta del violinista Billy Butler. Consagrado ya como "el padre del blues" su fama creció tanto que, con ocasión de su sesenta y cinco cumpleaños, se dio un concierto en su honor, en el Carnegie Hall de New York. En 1943 a consecuencia de una aparatosa caída, quedó semiparalítico, pero no renunció por ello a su actividad profesional. En 1960 la ciudad de Memphis le erigió una estatua, y en 1969 se emitió un sello postal conmemorativo, incluso se realizó una película sobre su vida, la famosa "St. Louis Blues" protagonizada por Nat King Cole.

En 1941 Handy había escrito su autobiografía "Father of the blues". Al margen de su supuesta paternidad del blues, que él mismo se autoadjudicaba en lucha abierta con Jelly Roll Morton, lo que desencadenó una agria polémica en Down Beat , en 1938 tuvo, desde luego, el mérito de dar a conocer al gran público el género, aproximándole así mundo del jazz. Su música se situaba a mitad de camino entre el folclore negro y la obra de Tin Pan Alley. Fue un excelente compositor de temas construidos sobre la base del idioma blues, de gran impacto entre el público. Su famoso St. Louis Blues, por ejemplo, no ha perdido aún popularidad, y casi un siglo después de su creación, es considerado por muchos como el auténtico abanderado del jazz.

Cecil Taylor Trio 1995





Cecil Taylor cumple 85 años 


Pianista, y compositor, Cecil Taylor tenía en su sangre inoculado el mestizaje que después musicalmente explotaría. Su padre originario del sur, era cocinero y sirviente de un senador y su madre era india y los abuelos escoceses. Desde 1938 estudia música bajo la dirección de una profesora de piano, con quien aprende los conceptos de la música clásica. Mas tarde estudia percusión, con músicos de la NBC Symphony Orchestra. En 1951, se marcha a Boston, donde tiene familia y al año siguiente se inscribe en el New England Conservatory. Durante tres años estudia arreglos y armonía. Es por esta época cuando descubre el bebop. Conoce a los mejores jazzmen de Boston: Gigi Gryce, Jaki Byard, Charlie Mariano, Sam Rivers y Serge Chaloff, y en 1951 cuando, en el club Hit Hat, ve por primera vez a Charlie Parker.

Cecil Taylor, siempre citó entre los pianistas que le influenciaron a Lennie Tristano, Bud Powell, Mary Lou Williams (con quien tocara en dúo veinticinco años mas tarde en 1977 en el Carnegie Hall), Horace Silver y Thelonious Monk. A partir de 1952, empieza dar cuerpo a la idea de formar sus propios grupos pero mientras tanto, forma parte brevemente de la orquesta de Johnny Hodges y toca con el saxofonista soprano, Steve Lacy, a quien incluso da clases como complemento importante de sus fuentes de ingresos. En 1957, es contratado en el club Five Spot para acompañar al violinista-multiinstrumentista, Dick Whitemore y el club se pone de moda entre la vanguardia jazzistica. A principios de los años sesenta, además de participar en la obra "The Conection" con Archie Sheep, comienza a trabajar con el saxofonista Jimmy Lyons y el baterista Sunny Murray, que le acompañan a Europa (1962).

De regreso a Nueva York, toca por ultima vez con Albert Ayler en el Lincoln Center (1963). En 1966 firma dos álbumes en sexteto para el sello Blue Note, entre ellos, el que está considerado su obra maestra, el titulado "Conquistador". Cecil Taylor no tuvo fácil el que las compañías discográficas aceptaran su música por la evidente falta de comercialidad del freejazz, y eso le obliga, a principios de los años 70, a crear su propia compañía, la Unit Core. Se dedica a la enseñanza y colabora con bailarines y coreógrafos, entre otros con Mijail Baryshnikov (1979); realiza conciertos con el baterista Max Roach (1979); un "All Star International" (1984) compuesto por Enrico Rava, Frank Wright, John Tchicai, Andre Martínez, etc. Y con el Art Ensemble Of Chicago (1985). Energía, percusión, movimiento o danza: tres constantes que se esfuerza en dominar, con el fin de lograr perfección en el momento de la improvisación. Particularmente cuando toca en solitario, emplea un modo de desarrollo, de expansion, por acumulación y efectos de aceleración, subrayando así la idea de una "danza'' sobre el teclado.

Cecil Taylor, esta unánimemente considerado, como uno de los fundadores y máximos exponentes del freejazz; su pianismo es al mismo tiempo un derroche de virtuosismo, una demostración de fuerza con el piano y hacia el público, y de una intensidad extrema

I Can't Get Started





ames Moody nace el 26 de marzo de 1925


James Moody (saxofonista alto, tenor, cantante y flautista) se dedicó al saxo alto a los 16 años, sumando el tenor un año después. Tocó en la Fuerza Aérea Norteamericana entre 1943 y 1946 e inmediatamente después se unió, en pleno auge del bebop y soplando el tenor, a la banda del maestro de la trompeta, Dizzy Gillespie.

Tuvo oportunidad de grabar su primer disco con algunos de los integrantes de la Big Band de Gillespie, liderando un grupo que buscaba ampliar el sonido del quinteto de Charlie Parker. Eso fue en Octubre de 1984 y el grupo que grabó en el famoso club neoyorquino "Blue Note" se llamó "James Moody and His Modernists". Ese mismo año realizó su primera gira a Europa, afincándose en Paris donde residió hasta 1951. De este período provienen algunas de sus más interesantes grabaciones, entre ellas la composición que le dio la fama "I'm In The Mood For Love" una pieza versionada por Moody y de autoría compartida entre Dorothy Fields (letra) y Jimmy McHugh (música). Fue tanto el éxito que tuvo ésa pieza que de alguna manera lo lastró para el resto de su carrera.

En Europa, tuvo la oportunidad de grabar en Francia y en Suecia, donde hizo escuela con una banda de músicos locales llamada "His Swedish Crowns". De vuelta a los Estados Unidos, en 1952 formó un septeto, que lideró, agregando a su repertorio de instrumentos la flauta desde mediados de esa década, grabando intensivamente para los sellos "Prestige" y "Argos" hasta 1962. En ese año integró brevemente un grupo de tres saxofonistas tenores junto con Gene Ammons y Sonny Stitt. Nuevamente contacto con Dizzy Gillespie, sumándose a su quinteto entre 1963 y 1968. El último año con Dizzy, lo pasó en Europa con la gira que realizó su bigband. Después de dejar a Gillespie y hasta mediados de la década de los setenta, casi desaparece de la escena del jazz, y solo algún trabajo esporádico como solista o en algún que otro show en Las Vegas es lo que le mantiene en el candelero. En 1980, y cuando contaba 55 años, decide retomar su contacto con el jazz, cosa que hizo con acierto, mucho esfuerzo y gran tenacidad.

En la última década del Siglo XX, aparece frecuentemente en conciertos y festivales de jazz por toda Europa. Tuvo oportunidad de volver a tocar con su viejo amigo, Lionel Hampton y sus "Golden Men of Jazz". Su estilo de músico afincado en los terrenos del bebop, se ha ido edulcorando con el tiempo y a ello contribuyó bastante el particular apego al ultimo instrumento que adoptó: la flauta, con la que obtiene un particular y original sonido y convirtiéndose en uno de los grandes virtuosos de ese instrumento en el jazz. De su extensa y selecta discografía, podemos destacar los álbumes: "Moody's Mood for Love" (GRP, 1956) junto al cantante de vocalese, Eddie Jefferson; y el extraordinario "Don't Look Away Not" (Prestige, 1969) con el mismo cantante y Barry Harris al piano.

James Moody, llegó a finales del siglo XX, en plenitud de facultades, y sus discos editados en los últimos años del siglo pasado así lo demuestran. Su último álbum grabado en 2008, recibe una nominación a los premios Grammy, y tras ello, Moody cae gravemente enfermo. El 9 de diciembre de 2010, fallece por complicaciones causadas por el cáncer de páncreas, causando una gran conmoción en el mundo del jazz.

Volker Kriegel - Ingfried Hoffmann - Dave Pike 1969 NDR (G) - Slums & Wh...





Dave Pike cumple 76 años


El vibrafonista, Dave Pike inició sus estudios a los ocho años, tocando primero la batería y después el vibráfono, instrumento con el que desarrollaría su carrera profesional. Debutó a mediados de los años cincuenta, formando parte de los grupos del pianista, Elmo Hope, y del contrabajista, Curtis Counce. Con una bien ganada reputación entre sus colegas, en 1957 emprendió una larga y fructífera colaboración con el el pianista Paúl Bley, con el que obtuvo el reconocimiento del publico y de la critica especializada.

Cuando finalizó su colaboración con Bley, Dave Pike la inició con Dexter Gordon y Harold Land, antes de que formara, en 1961, su propio grupo, cosa que hizo junto al flautista, Herbie Mann y que permaneció unido hasta 1964. Participó en 1968 en el Festival de jazz de Berlín, vivió cinco años en Europa donde formó su propio cuarteto con músicos alemanes. Antes de volver a los Estados Unidos formó parte del proyecto de bigband europeo mas importante de aquélla época, cuando se unió a la de Kenny Clarke y Francis Boland. De vuelta a los Estados Unidos, reorganizó su grupo con el que actuó con mucha frecuencia en el sur de California. Pionero del vibráfono amplificado, Dave Pike pertenece a una generación de solistas que trató con éxito en los sesenta, de renovar el lenguaje del vibráfono en el jazz, dominado desde hacia mas de una década por el extraordinario maestro, Milt Jackson.

Su discografía como líder, no es demasiada extensa y comienza en 1961 cuando graba para el sello "Portrait" el disco "Pike's Peak", aunque su disco mas celebrado, es el grabado en 1986 para "Criss Cross" titulado "Pike's Groove"

Misty - Arnett Cobb 1982. (+lista de reproducción)





Arnett Cobb nos dejaba el 24 de marzo de 1989


Arnett Cleophus Cobb, nació en Houston en el Estado de Texas y ya tocaba el piano, la trompeta y el violín en su adolescencia antes de pasarse definitivamente al saxo tenor, su instrumento favorito. Sus primeros pasos serios en la música los dio con el trompetista tejano Chester Boone, entre 1934 y 1936, un empleo que compaginaba con sus estudios en el instituto. A renglón seguido estuvo trabajando con el trompetista y director de orquesta, Milt Larkin, entre 1936 y 1942 lo que le valió para desarrollar un estilo consistente a su música y a aprender de los saxofonistas de la banda - Illinois Jacquet y Eddie Vinson, entre ellos - el estilo de vida y el enfoque necesario para un músico de carretera.

En 1939, Count Basie, le ofreció el puesto de saxofonista en su orquesta que había dejado vacante tras su muerte el magnifico, Herschel Evans, pero Cobb, en una decisión poco comprendida musicalmente, prefirió mantenerse en Texas con Larkin. En 1939, volvió a rehusar una oferta de la banda de Lionel Hampton que si acepto, Illinois Jacquet. Ya tres años mas tarde, Arnett, si aceptó el puesto que volvió a ofrecerle Hampton en sustitución, precisamente de Illinois. Allí grabó el celebérrimo: "Flyn Home" con su apoteósico solo que le dio fama y prestigio.

Permaneció con Lionel Hampton hasta 1947 cuando formó su propio grupo, pero un accidente de tráfico lo dejo invalido para una temporada y tuvo que andar con muletas hasta 1959. Firmó entonces un contrato con Prestige, y entre 1959 y 1960, dejó en las arcas de ese sello, sus mejores grabaciones, destacando el titulado: "More Party Time" con Tommy Flanagan al piano y Sam Jones a la batería en la parte rítmica. Pero su precaria salud lo mantuvo recluido en Texas hasta bien entrados los años sesenta cuando tuvo la oportunidad de viajar a Europa donde obtuvo un fenomenal recibimiento, particularmente espectacular en Francia. Arnett Cobb mantuvo su elevada calidad musical hasta bien entrados los años ochenta cuando a finales de esa década, el 24 de marzo de 1989 falleció tras una recaída de su enfermedad.