www.myspace.com/jazzenelaire
Kase, se ha inspirado para sus composiciones tanto en músicos de jazz como son Dave Douglas, Ornette Coileman y Jaco Pastorius; como en compositores clásicos del tipo de Kurt Weill (“For a Weill”) pasando por las músicas populares o los estándares del jazz, como es el caso de “Estelar” que está basado en la armonía de “Stella by Starlight” de Victor Young.Un disco introspectivo, tranquilo, por momentos desnudo, donde los tiempos medios y lentos son los protagonistas de todo el álbum.Jota Punto
www.chriskase.com/
Razl - Rotonova
Natxo Sobrado 04 octubre 2008
1.- GLOW PIG feat. Mike Keneally
2.- GUACHI COLA
3.- FELLOW PILLOW
4.- JUNGLE KARMA
5.- GRUNGLY feat. Dean Brown
6.- GROOVIN..ANTS
7.- ROTONOVA
8.- SNAIL UNDERGROUND feat. Bryan Beller
9.- SUGUS NECTAR feat. Bryan Beller
10.-GLOW SHEEP
Musicians
RAZL: Guitar
DEAN BROWN: Guitar
MIKE KENEALLY: Guitar
DAMIAN ERSKINE: Bass
BRYAN BELLER: Bass
CHARLIE DENNARD: Keyboards
MOISÉS SÁNCHEZ: Keyboards
PEPE ACEBAL: Drums
HUGO ASTUDILLO: Sax
LORENZO MATELLÁN: Keyboards
ZETA: Scratch
ARTURO HERRERA: Percussion
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Raúl----------"Razl es el nombre de guerra del guitarrista madrileño Raúl Huelves, quien acaba de presentar su trabajo Rotonova, autoproducido bajo el sello Martian Sheep, con un cachondo y rocambolesco lema: Intergalactic Dirty Guitar Grooves for Earthling Weirdos. Y lo primero que se pregunta el escuchador tras leer el adhesivo de la carátula es: ¿cómo diablos se las ha apañado Razl para contar con la colaboración de Mike Keneally y Dean Brown (si, si, los auténticos) entre otros fieras?Los diez temas, basados en el cuarteto eléctrico, nos van desvelando un material muy cuidado, rítmico, de bases sólidas, claras, con una mezcla nítida y presente trabajada sabiamente por Mauricio Tonelli.Visto desde arriba, el panorama general de este Rotonova pasa de una manera más o menos explícita por el funk, huyendo de lo previsible. Por lo que al trabajo guitarrero se refiere, Razl se nos aparece como un guitarrista muy completo, discreto, que muestra una actitud, un acercamiento al instrumento sincero y directo, sin bengalas. Blusea en serio, bopea con buen feeling rítmico, tiene gusto en los interludios, es autoexigente, cuida el sonido, trabaja las armonías y se expresa con un fraseo fluído y certero. Vamos, una sorpresa muy agradable. Nuestras preferidas: Glow Pig (por el diálogo Keneally-Razl); Fellow Pillow (por la intención rítmica); Jungle Karma (da la medida de lo que Razl es capaz); Snail Underground (por la sorpresa en 2:50) y Sugus Nectar (arpegios de entrada, intención compartida funk-jazz). Un disco que merecería estar en un buen catálogo discográfico de material guitarrero de calité."REVISTA GUITARRA TOTAL--------Os traemos algo nuevo que de seguro dejará la boca abierta a más de uno. El culpable de este proyecto es un apasionado guitarrista de jazz-funk conocido como Razl. Este músico absolutamente desconocido para la mayoría nos presenta “Rotonova”, lo que es su álbum debut.Para la realización de este trabajo, el guitarrista ha contado con la colaboración de Dean Brown (guitarrista de Marcus Miller, Brecker Brothers, Vital Information, Bill Evans), Mike Keneally (guitarrista de Frank Zappa, Steve Vai, Mullmuzzler), Bryan Beller (bajista de Steve Vai, Mike Keneally Band), Damian Erskine (bajista sobrino de la leyenda de jazz Peter Erskine) y Charlie Dennard (teclista de Stanton Moore, Quintology, New World Funk Ensemble) entre otros. Todo ello masterizado por el prestigioso ingeniero de sonido Michael Fossenkemper de Turttletone Studios, NY (Medeski, Martin & Wood, John Scofield).De esta manera “Rotonova” se convierte en un álbum de lo más elaborado y con un trabajo y un sacrificio visible muy grande detrás de él. Prueba de ello son cualquiera de las diez canciones que componen el disco. Temas ambientados en un mundo armonioso y en un paraíso instrumental cargado de notas y buenas melodías. Sin duda, es uno de los discos más elaborados que he escuchado en los últimos años, gracias a unas creativas melodías de guitarra y a una fusión de innumerables estilos que van desde el rock al hip-hop de una manera realmente muy profesional. En todo momento a lo largo del álbum, Razl demuestra estar a la altura de todos y cada uno de los grandes músicos con los que ha tenido el privilegio de contar para la realización de este místico “Rotonova”.Algo me dice que “Rotonova” sólo ha sido el principio de una larga carrera discográfica en solitario que permitirá situar a Razl como uno de los mejores guitarristas de jazz-funk de nuestro país."UNAI BORREGÓN- ROCK IN SPAIN---------"Por norma general los encargados de promoción mienten más que hablan, pero, sin que sirva de precedente, el que ha puesto la etiqueta de “intergalactic dirty guitar grooves for earthling weirdos” no merece una denuncia por conducirnos al equívoco con exageraciones en aras de fomentar el consumo compulsivo que ha podrido el sistema. Claro, que igual la ha puesto el propio Razl... El primer álbum del guitarrista Raúl Huelves (verdadero nombre de Razl) empieza con requiebros progresivos que desembocan en un mar de texturas jazzísticas, pulso funk, groove y las referidas evocaciones intergalácticas, un ordenado maremágnum en el que encuentran cabida scratches, metales que remiten al sonido característico de Maceo Parker y cortes para un guateque sideral. Es casi en su totalidad instrumental y de buena factura, no en vano participan músicos como Dean Brown, Mike Keneally, Bryan Beller, Damian Erskine y Charlie Dennard, gente curtida junto a Bill Evans, Frank Zappa, Steve Vai y New World Funk Ensemble, entre otros. Y, pese a la etiqueta “dirty”, todo suena bastante aseado (sin caer en el mero academicismo), logrando equilibrio entre la ambientación y la invitación al baile y, por supuesto, sin rastros de la demencia que caracterizaba a las mezclas del entrañable Zappa. Un estreno a tener en cuenta."IGOR CUBILLO-REVISTA EFE EME
Bajo la Piel
02/02/2007
Ref: FC17CD pvp: 12,50€
01. SOFTLY
02. FLY ME TO THE MOON
03. MAS ALLÁ
04. BAJO LA PIEL
05. LITTLE SUNFLOWER
06. OTRO MUNDO
07. MUÑECAS DE PAPEL
08. CRY ME A RIVER
09. SIEMPRE QUE AMANECE
10. LA VIDA QUIERE PASAR
CRISTINA MORA vocals GERMÁN KUCICH piano DAN ROCLIS guitar GUILLERMO BAZZOLA guitar MANUEL MACHADO trumpet PACO CHARLÍN bass JUANMA BARROSO drumsJAZZ / Discos / Flamenco Big Band
Flamenco Big Band
Crítica Lista de temas
Titulo: Flamenco Big BandArtista: Perico Sambeat Discográfica / Distribuidora: Verve/Universal Año: 2008Músicos: Perico Sambeat (saxo): Miguel Poveda (voz); Gerardo Nuñez (guitarra) y Javier Colina (bajo); Marc Miralta (batería); Carmen Cortés (palmas); Cepillo (palmas; percusión y cajón); Albert Sanz (piano); Iván Albuixech (saxo y clarinete); Ernesto Aurignac (saxo alto); Jesus Santandreu y Vicente Macián (saxo tenor); Francisco Blanco Latino (saxo barítono; flauta y clarinete bajo); Mike Mossman; David Pastor; Boro García y Paul Evans (fiscornio y trompeta); Barnaby Dickinson; Vicente Pérez; Toni Belenguer y Dani Perpiñán (trombón)
Crítica del disco
Es más que posible que estemos ante el mejor y más ambicioso disco del saxofonista Perico Sambeat. Es que lo tiene todo ya no sólo para gustar sino también para deleitar al oyente: buenas composiciones, unos arreglos acertados y un grupo en plena ebullición donde todos están que se salen, y basta sólo escucharlos como se animan los unos a los otros en determinados momentos de la grabación. Los ocho temas que componen este “Flamenco big band” tienen eso que los flamencos llaman duende, los jazzeros swing y el común de los mortales belleza.Esta no es la primera aproximación al flamenco por parte de Sambeat, pues en “Ademuz” ya trabajó con Enrique Morente y en “Cruce de Caminos” lo hizo con el guitarrista Gerardo Núñez, quien también está en este disco. En este sentido “Flamenco Big Band” no pretende romper con nada sino más bien lo que pretende Sambeat es profundiza en lo ya hecho. Si antes las aproximaciones al jazz eran más rítmicas aquí el saxofonista entra más de lleno en las melodías y las armonías flamencas. Resulta difícil destacar un tema, pero la suavidad y la ternura que desprende “Olhaíl – luz del sur” es complicado de igualar, el inicio del disco, con ese estupendo martinete que lleva por título “Cauce”, y el final con esa estupenda y tierna guajira dedicada a Duke Ellington que lleva por título “Guajira para Duke”, son difíciles de olvidar. De entre los músicos participantes hay que destacar el cante de Miguel Poveda, que posee la hechura suficiente para no amilanarse y dar una lección de cante en “Soledad Sonora”; y la sección rítmica habitual del saxofonista; el contrabajista Javier Colina y el baterista Marc Miralta. Y eso sin olvidar la sección de vientos.Este disco, si no le he escrito ya lo hago ahora: ¡cómprenselo!, es el fruto de largos años de trabajo y sólo ha podido ver la luz gracias al apoyo institucional que le ha brindado el Instituto Valenciano de la Música y el festival de jazz Xabia Jazz, de Javéa. Y es que poner en pie un proyecto como este no es nada fácil y, sobre todo, nada barato. Y ya vale de palabras porque, lo mejor es disfrutar de esta hermosa música.José Manuel Pérez Rey
www.pericosambeat.com/
" Tiempos de búsqueda"de Iñaki Arakistain Project
Discográfica / Distribuidora: F.A.M/New Mood Jazz Año: 2008Músicos: Iñaki Arakistain (saxos tenor y soprano); Jorge Vistel (trompeta y fliscorno); German Kucich (piano); Reinier Elizalde (contrabajo); Borja Barrueta (batería); Norman Hogue (trombón) y Ángela Cervantes (voz)
Crítica del discoIñaki Arakistain es un músico vitoriano de larga trayectoria que le ha llevado a tocar con multitud de artistas, estén estos relacionados con el jazz, caso de Jerry Gonzalez ,Antonio Serrano, Jean Marie Ecay, Carlos Carli ,Guillermo Mcguill o Javier Colina; o no como pueden ser Antonio Vega, Orquesta Mondragon, Azucar Moreno, Duo Dinamico, Tennessee, Carlos Segarra o Raphael. Esto por si sólo da cuenta tanto de la profesionalidad como de la versatilidad de la que puede hacer gala Arakistain así como de su valía como músico.Este “Tiempos de búsqueda” es el debut como líder de su propia formación. El disco incluye ocho temas; que se dividen a partes iguales entre y clásicos del jazz; entre las que se incluyen dos versiones de temas de Horace Silver (“Gregory is hear” y “Peace”) y otra de Cole Porter, como es ese monumento titulado “What is this thing called love”.Arakistain posee un sonido redondo, muy empastado, sólido, que funciona igual de bien en los temas rápidos, como es “Casino de Oporto” o “Funky for Grover” –que puede afirmarse sin temor a equivocación que es un homenaje a ese magnífico saxofonista que fue Grover Washington Jr. y que es único cantado del disco- como en las baladas, caso de “Peace”, que es el tema que cierra el álbum. Lo mejor de “Tiempos de búsqueda” son los temas más funkys, acaso por lo inusual de oír a un músico español tocando en ese palo, mientras que la parte más bebop, aportada por el piano de German Kucich, suena más a un jazz más conocido, perop no por ello de menor calidad.Jota Punto
Joan Sanmartí - Quatre portas de Fes
Composiciones: “Fes”, “He venido de muy lejos”, “L’Impromptu”, “Dialogo”, “Lleons”, “Porta centre”, “South”, “Foc”, “Guissa”, “La Pensive”, “A traves”, “Epilogue”
Todos los temas compuestos por Joan Sanmartí
Músicos: Joan Sanmartí (guitarra eléctrica, laúd barroco), Omer Avital (contrabajo), Marc Miralta (vibráfono, palmas) y Jesús Reina (batería, caja, shaker) con Robert Armengol (marimba, steel drums, tams, caja, gongs), Ferrán Armengol (vibráfono, campanas tubulares), Ramon Torramilans (tams), Ignasi Vila (vibráfono, marimba, tams, platillos), Sebastià Bel (vibráfono, marimba, xilófono, tams, platillos, caja) y la colaboración de Lito Iglesias (chelo) y Vicky Romero (voz).
Grabado en los estudios 44.1 de Gerona el 12 y 13 de junio y 13 y 26 de octubre de 2006.
New Mood Jazz. FAM 22049
Comentario: ¡Vaya discazo nos ha regalado Joan Sanmartí! Por encargo del grupo de cámara Percussions de Barcelona (Robert Armengol, Sebastià Bel, Ramon Torramilans e Ignasi Vila) y con el apoyo de la Associació de Músics de Jazz i Música Moderna de Catalunya, el manresano compuso esta gran suite para guitarra y grupo de percusión cuyo título y temática gira en torno a la leyenda de la escapada del filósofo Maimónides de la ciudad de Fez (Marruecos) a través de sus cuatro puertas. No es de extrañar el aroma étnico que impregna varios pasajes del CD, si bien se trata con claridad de un disco de jazz.
Aparte de la dulce guitarra de Joan (más metheniano que nunca en su discurso solista) y el grupo de percusiones, el catalán se arropa de una solvente sección rítmica con Jesús Reina a la batería, Marc Miralta en su poco conocida faceta de vibrafonista y el soberbio contrabajista israelí Omer Avital, rocoso e imaginativo en su acompañamiento y rotundo en sus improvisaciones. El violonchelo de Lito Iglesias varía los colores tímbricos en algunas ocasiones, y la voz flamenca de Vicky Romero se une con naturalidad al conjunto en “He venido de muy lejos”. Limitado en ocasiones a un cuarteto de guitarra y vibráfono, ampliado en otras por las variadas percusiones, el grupo aborda con clase y desparpajo las buenas composiciones de Sanmartí. Las más melódicas, las del principio (“Fes”) y el final (“Epilogue”), dos joyitas. Aparte del ambiente norteafricano y el mencionado guiño flamenco también hay referencias al barroco (en la introducción de “L’Impromptu” y en “La Pensive”, inspiradas en música de Charles Mouton y Jacques Gallot) e incluso al minimalismo (la obsesiva acumulación de vibráfonos y marimbas en “Lleons” recuerda a obras de Steve Reich).
Un trabajo redondo, en definitiva, por parte de un músico en continua progresión en los últimos años y cuya evolución va más allá de sus dotes improvisatorias. Y una nueva puerta al eterno debate sobre qué es, que puede y qué debe ser el jazz en la Europa del siglo XXI.
Arturo Mora Rioja
Steps
Crítica Lista de temas
Titulo: Steps
Artista: Ximo Tebar&Ivam Jazz Ensemble
Discográfica / Distribuidora: Omix Records
Año: 2008
Músicos: Ximo Tebar (guitarra & scat); Orrin Evans (Rhodes &piano); Alex Blake (bajo acústico); Boris Kozlov (bajo eléctrico); Donald Edwards (batería). Músicos invitados: Ester Andújar (voz); Ramón Cardo (saxo soprano); Santi Navalón (teclados); Stefan Braun (Cello ); Kiko Berenguer (saxo tenor); David Pastor (trompeta)
Crítica del disco
Ximo Tebar.
Es bueno, y necesario, reiterar algunas cuestiones para que no se olviden por lo obvias que parecen resultar: Ximo Tebar es, de lejos, uno de los mejores guitarristas de jazz ya no sólo de España sino de Europa. Pocos hay que sean capaces de la inventiva, la lucidez y los deseos de abrirse a nuevos sonidos como este valenciano. Es más, creo que cuando un músico consigue que escuchándolo se desee tocar el mismo instrumento, y este es el caso de Ximo, entonces es que se está ante un gran músico. Hay que decirlo ya: “Steps” es un disco que entra a la primera. No se necesitan muchas escuchas para disfrutar y dejarse acompañar por las ocho canciones del disco. El inicio del cd no deja de sorprender, pues se trata de la archifamosa sintonía de “Pink Panther” de Henri Mancini, pero
llevada a un terreno funk que le sienta muy bien. Toda la banda consigue algo poco usual, que un tema tan conocido suene diferente a todas las escuchadas. Salvo por “Essential Passion” del baterista Donald Edwards, el resto de los temas son originales de Tebar y versiones de piezas como “Nefertiti” de Wayne Shorter; “26-2” de John Coltrane, que lo lleva a un terreno de latin-bossa, o “Actual Proof” de Herbie Hancock. En cuanto a las composiciones de Tebar sólo cabe señalar que sabe de dónde viene y de esta manera homenajea a los grandes maestros como Wes Montgomery o John Coltrane –de hecho el título del disco remite al “Giant Steps” coltreniano.
Como señala el prestigioso bioquímico Santiago Grisolía en el libreto del cedé “buen gusto, virtuosismo y super-groove son tres calificativos que se me ocurren para calificar se disco altamente recomendable para los amante del Jazz contundente, progresivo bieto y comunicativo”. Me sumo a esto.
José Manuel Pérez Rey
Open Doors
Crítica Lista de temas
Titulo: Open Doors
Artista: Abe Rabade Septeto
Discográfica / Distribuidora: Karonte
Año: 2008
Músicos: Abe Rabade (piano); Chris Kase (trompeta); Perico Sambeat (saxo alto); Jesus Santandreu (saxo tenor); Alan Ferber (trombon); Nelson Cascais (bajo); Bruno Pedroso (batería)
Crítica del disco
Abe Rábade.
Abe Rabade me ha parecido que era uno de los músicos a seguir en este país, y este nuevo disco me lo confirma plenamente.
Con un concepto “gilevansiano” de su música, crea esta segunda parte del proyecto Ghu¡ que tuvo su primera entrega allá por el año 2004.
Con un septeto en toda regla y contando con una magnifica línea de vientos formada por Chris Case a la trompeta, Perico Sambeat al saxo alto, Jesús Santandreu al saxo tenor y Alan Ferber al trombón, siempre respaldados por una rítmica manejada por Nelson Cascais al bajo y Bruno Pedroso a la batería, este cedé es un buen ejemplo de que Rabade no baja la guardia y busca nuevas formas de expresarse. Ocho temas componen el álbum, siete son de su propia cosecha y solo existe una versión: “Inner Urge” de Joe Henderson.
Un bonito juego de medios tiempos predomina durante casi todo el disco con temas como “Campo da Estelas” y “Cebreiro” que refieren al Camino de Santiago o un “Prestige” dedicado también a su tierra.
Otras referencias sentimentales quedan a la vista en bonitos temas como “Transición nº 1” o “Irina” dedicada a su compañera.
Quizás en algún momento se eche de menos más marcha, que queda solo para la versión de Henderson, pero eso es a gustos y yo la verdad es que he disfrutado con Rabade, su piano y su septeto tan alejado de su habitual trío.
Rabade demuestra que sabe manejarse bien en todos los formatos.
I.Ortega
Lunas, Soles & Elefantes
Crítica Lista de temas
Titulo: Lunas, Soles & ElefantesArtista: Marta Sánchez Trío Discográfica / Distribuidora: Errabal Año: 2008Músicos: Marta Sánchez (piano); Carlos Barretto (contrabajo); Andrés Litwin (batería)
Crítica del disco
Marta Sánchez.
La pianista Marta Sánchez, una de las escasas mujeres instrumentistas que hay en el jazz español con una carrera musical digna de tal nombre, debuta en este disco como líder de su propia formación. Sin embargo, esta no es la primera vez que a esta pianista se le puede escuchar en un disco, pues ya se la pudo escuchar en “Zafari Project”, grupo que ella ayudó a fundar. Marta Sánchez y su grupo hacen un jazz directo, cálido, muy fácil de escuchar, que no divaga por territorios pedregosos; en fin, que lo suyo es un sano clasicismo ‘bepbopero’. Esto no quiere decir que su música suene antigua o acartonada; justamente es esa mirada al pasado lo que la emparente con pianistas como Brad Mehldau, Keith Jarret e incluso, en algunos pasajes, con Lyle Mays.
En los ocho temas del disco, la mayoría compuestos en tiempos medios, todos y cada uno de los miembros del trío tienen su momento protagónico, así por ejemplo Andrés Litwins se luce en “Txu”; mientras que Carlos Barretto lo hace en “Naty” y en el tema que da título al disco con la utilización del arco a la hora de tocar el contrabajo, mientras que por su parte la líder de la banda, aparte de hacerlo muy bien a lo largo de la grabación, cabe destacarla en “One for Santi”, el tema más rítmico e interesante de este recomendable trabajo que bien puede servir para iniciar a los no aficionados en esto el Jazz.Jota Punto
Titulo: AmpleArtista: Pedro Ruy-Blas Discográfica / Distribuidora: Factoría Autor/Factoría Autor Año: 2008Músicos: Pedro Ruy-Blas (voz); Horacio Icasto (piano); Noah Shaye (batería); Reinier Elizalde “Negrón” (contrabajo). Artistas invitados: Jorge Pardo (saxo soprano); Israel Sandoval (guitarra); Nono García (guitarra); Antonio Serrano (armónica); Rubem Dantas (percusión); Gema Castaño, Silvia Alvarez, Irene Shams, Víctor Ullate Jr., Pablo Abraira (coros)
Crítica del disco
Identidad y memoria. En estas dos palabras puede sintetizarse el último trabajo de Pedro Ruy-Blas, el único cantante de jazz que hay en España digno de tal nombre y uno de los pocos que lo hacen en castellano.La reivindicación de la identidad se pone de manifiesto desde el título del Disco: “Ample” es el apellido real del cantante. Después una serie de canciones, “Te quiero”, “Arrugas”, “La puerta”, que muestran quien es, cuáles son sus pasiones, sus deseos, sus sueños y, también, sus derrotas. En sentido hay que destacar “Club de Jazz”, una canción dedicada a Tete Montoliú y Lou Benett, que es toda una declaración de amor por el jazz.La lucha por la memoria se manifiesta en dos hechos; por un lado, que a lo largo de todo el disco, con la excepción de “Y luego..Te quiero”, todas las canciones están dedicadas alguien que ya se ha ido de este mundo. Por otro, en la recuperación de algunas canciones muy importantes en su trayectoria, como son “La Niña de los Montoya” canción firmada por Hilario Camacho y que abría el primer disco del grupo Dolores, ese grupo que fundó en los setenta que se atrevió, en una España oscura manejada por Franco y su banda, a hacer jazz fusión; y “A los que hirió el amor”, su gran, y único éxito, de la que hace aquí un doliente versión con el único acompañamiento del piano de Horacio Icasto.
Puede que a Pedro Ruy-Blas el éxito le haya sido esquivo (habría que preguntarle si lo buscaba) pero está claro que este cantante es honrado consigo mismo, que cree en lo que hace y que no se traiciona a si mismo. Tal vez sea mejor dormir con la conciencia tranquila que tener mucho dinero. Es verdad que este madrileño no se prodiga mucho en grabaciones, pero cuando lo hace, sus discos hay que tenerlos. José Manuel Pérez Rey
Korokiki
Crítica Lista de temas
Titulo: Korokiki
Artista: Alex Ventura Latin Soul Band
Discográfica / Distribuidora:
Año: 2007
Músicos: Alex Ventura (timbales); Mathew Simon (trompeta y flugelhorn); Víctor de Diego (saxos y flauta); Félix Ramos (piano y teclados); Lorenzo Barriendos (bajo y coros); Vicenç Soler (congas); Quino Bejar (bongó, percusión menor). Invitado: Vicenç Solsona (guitarra y coros)
Crítica del disco
Por estas cosas de no sé sabe muy bien porque lo cierto es que el latin-jazz no es un género que guste y se practique entre los jazzmen españoles. Aquí se ha preferido mirar al centro y norte de Europa y, por supuesto, al Norte de América, pero dirigir la mirada hacia Cuba, Puerto Rico, Venezuela o Colombia ha sido casi una labor heroica.
La prueba de ello es este disco: el líder de la formación, el timbalista Alex Ventura, se lo ha tenido que financiar él solito, porque, a lo que se ve, las disqueras de cualquier tipo, clase o condición no han considerado oportuno grabar esto notable disco de latin jazz. Y no deja de ser llamativo porque en la banda se encuentran algunos de los más interesantes músicos de jazz que tocan en el suelo español, caso de Mathew Simon o Víctor de Diego.
Nueve son los temas del disco, de los cuales siete están firmados por el propio Ventura y los otros dos son llevan el sello del pianista Felix Ramos (“Cumbanchando”) y Joseíto Fernández con su imperecedero “Guantanamera”. En las composiciones de Ventura, todas instrumentales salvo “Tu Chacha” y la que da título al disco, se pueden ver buena parte de sus influencias, que van desde Eddie Palmieri a Los Van Van pasando por Tito Puente y Ray Barreto.
Como suele ser muy común en estos casos todos los músicos tocan muy arriba, y esto no es un demérito, pues en definitiva es de esto es de lo que se trata.
Jota Punto
Dianne Reeves - When You Know
Víctor Rodríguez
Dianne Reeves no tiene nada que ver con Diana Krall, Dinah Washington o cualquiera de las jóvenes cantantes de jazz que están ahora de moda. Su nuevo disco está producido por George Duke y contiene un soberbio conjunto de temas de standards, blues, pop, soul y jazz.
La dúctil voz de la Reeves, que te atrapa y seduce desde el primer minuto del disco, lo es todo confirmándose como una de las mejores en su terreno. Es su primer trabajo desde la banda sonora de la película Buenas noches y buena suerte, con la que obtuvo uno de sus cuatro premios Grammy, y con éste puede que se lleve otro.
Porque escucharla versionear Just my imagination o Lovin’ you, un tema que llevó a la gloria a la desaparecida Minnie Ripperton, es toda una delicia. No desentona esta diva en Blue Note, de la que es uno de sus principales activos, gracias a un cancionero que hace grande, sea el medio tiempo Midnight sun o I’m in love again, acompañada únicamente por dos guitarras.
Titulo: Just around the cornerArtista: Eric Marienthal Discográfica / Distribuidora: Concord/Universal Año: 2008Músicos: Eric Marienthal (saxofón); Paul Brown (guitarra acústica y percusión); Brian Culbertson (teclados, programación); Stephen Lu (teclados, programación); Jeff Lorber (piano, guitarra); John Fields (guitarra); Michael O'Neil (guitarra); Ray Parker; Jr. (guitarra); Dave Weckl (batería)
Crítica del disco
El saxofonista Eric Marienthal.
Este “Just around the corner” es smooth jazz de principio a fin y todo ello interpretado por uno de los mejores saxofonistas de esta corriente que, además, ayudó a la creación de esta categoría. Excurso: es curioso lo que sucede con el smooth jazz: es una tendencia jazzística odiada a muerte por los más puristas, que ven en ella una degeneración blandengue de lo que es una música dura, sólida y con carácter como es el jazz. Pero, por otro lado, el smooth jazz es lo que más se oye en las radios americanas y son los discos que más se venden en ese mercado. Y sí, ciertamente es una música fácil de escuchar, pero ¿es eso malo?, ¿hay que estar siempre trascendente en
plan Kierkegaard cuando se escucha jazz? Pues no. Así que aquí se le da cuartelillo a este género. Este el de duodécimo disco como líder en la carrera de Eric Marienthal, un hombre que se dio a conocer en la Elektrik Band de Chick Corea, con los que grabó seis álbumes. Después ha tenido una carrera como `sideman´ que le ha llevado a tocar con decenas de músicos y ser uno de los más solicitados tanto por su versatilidad como por su sonoridad; empastada y recia.El disco contiene diez temas firmados por Marienthal, que ha contado con la ayuda Brian Culbertson y Stephen Lu, quienes son también los productores del álbum. A lo largo de los poco más de sus 44 minutos de duración se escuchan desde temas con enérgicos como “Blue water” o el que da título al cedé hasta instantes más tiernos, como la balada “Lost without you” con la que se cierra el disco, a temas pensados para bailar como “Dance with me”.
Kenny G - Rhythm & Romance (2008)
Kenny G (por Gorelick), nacido en Seattle en 1959, aunque discutido en sus inicios por los puristas del jazz, le ha dado al saxo soprano una popularidad masiva que no conocía desde Benny Goodman, vendiendo más de 30 millones de discos. Enraizado en la fusión jazz-rock de mediados de los 70, G fue descubierto por el legendario Clive Davis, e hizo su aparición con un sonido melódico, simple y fácil de escuchar. Su rizada melena, cuidado aspecto y colaboraciones estelares junto a Aretha Franklin o Whitney Houston le hacen ser la imagen perfecta del “smooth jazz”.El 5 de febrero salió, al mercado un nuevo álbum titulado “Rhythm and Romance”, en homenaje a la música latina.Dos de los invitados que plasman sus voces en esta nueva placa, son la popular banda mexicana de pop Camila, y la nueva artista chilena Bárbara Muñoz.En apoyo a este álbum, Kenny G, el músico instrumentalista de mayor ventas del último tiempo, iniciará una gira por los Estados Unidos el 18 de enero en San Diego, California, con una visita pautada para Miami el 26 de marzo.Para su primer disco de canciones románticas latinas, el famoso saxofonista escogió rodearse de algunos de los más cautivantes y prometedores artistas de la industria musical en español, y entre éstos, incluyó a Camila y a Bárbara Muñoz como voces representativas del género.
Kenny G - Rhythm & Romance (2008)01 Sax-O-Loco02 Ritmo Y Romance (Rhythm & Romance)03 Sabor A Mi04 Tango05 Mirame Bailar (Featuring Barbara Muñoz)06 Peruvian Nights07 Brasilia08 Besame Mucho09 Fiesta Loca10 Es Hora De Decir (Featuring Camilia)11 Copa De Amor12 Salsa Kenny
Titulo: Day TripArtista: Pat Metheny Discográfica / Distribuidora: Dro/Atlantic Año: 2008Músicos: Pat Metheny (guitarra); Christian McBride (contrabajo); Antonio Sánchez (batería)
Crítica del disco
Pat Metheny ha logrado lo que pocos músicos; no dejar indiferente. O se le acepta o se le rechaza. Ello es debido, por un lado; a su sonido tan personal e intransferible -es la guitarra más fácil de reconocer de la historia del jazz, uno siempre sabe cuando está tocando el guitarrista de Missouri- , y que sus detractores entienden como blando y empalagoso; y por otro, a su innegable éxito –es el músico de jazz vivo que más discos vende-, algo muy mal visto en el jazz, donde la mitología del malditismo y lo minoritario todavía tienen muchos seguidores.El nuevo disco puesto en el mercado está tocado con una formación de trío clásico de guitarra, contrabajo y batería. Aunque aparece ahora, el álbum fue registrado el 19 de octubre de 2005 en Nueva York y se grabó de una única tacada. El por qué ha tardado casi tres años en ver la luz es algo que, por ahora, se desconoce. Quienes le acompañan son Christian McBride al contrabajo, uno de los grandes músicos de su generación y uno de los dominadores de su instrumento; y el baterista mejicano Antonio Sánchez; un hombre que ha sabido acoplarse muy bien a la obra de Metheny debido a la versatilidad y ductilidad de su toque. Son diez canciones, todas ellas firmadas por el guitarrista, la mayoría compuestas para la ocasión excepto dos; “When we were free”, aparecido en el cedé “Quartet” de 1996,; y “Red One” aparecido originalmente en “I can see your house from here”, un disco grabado con JohnScofield en 1994. El disco es un compendio de lo que es la obra metheniana, con temas llenos de energía; caso del que da título al álbum y el que lo abre, con canciones más intimistas, incluso tristes, como es “Is this America? (Katrina 2005)”, un evidente lamento tras el desastre del huracán Katrina (y cabe interpretar que también una crítica al gobierno de George Bush por su actuación); y sus incursiones con la guitarra sintetizada, como en “When we were free”. Un disco que no es lo mejor que ha hecho Metheny pero que hará las delicias a sus numerosos seguidores y que hará huir a sus detractores. Y esta es su grandeza.
Titulo: Into the blueArtista: Nicholas Payton Discográfica / Distribuidora: Nonesuch/Dro Año: 2008Músicos: Nicholas Payton (trompetra); Kevin Hays (piano,Fender Rhodes); Vicente Archer Contrabajo); Marcus Gilmore (batería), Daniel Sadownick (percusión)
Crítica del disco
Cinco años ha tardado en lanzar un nuevo disco el trompetista neworleansino Nicholas Payton después de su “Sonic trance”. Este nuevo trabajo, que hace el octavo de su carrera, trae algún cambio importante; para empezar ha firmado con la disquera Nonesuch que parece dispuesta a convertirse en el sello de referencia del jazz contemporáneo; y para seguir, y esto es una sorpresa; Payton se lanza a cantar por primera vez en este disco. Lo hace en “Blue” y es verdad que lo realiza con discreción, como quien pasa por ahí sin querer, pero lo cierto es que ahí está.Este “Into the blue” es un disco a la vez de síntesis, pues en él se mezclan sus raíces más tradicionales y sus nuevos intereses sonoros hacia el funk y la electrónica; y de futuro, pues parece marcar la que puede ser una interesante línea de trabajo en los próximos años. El tono general del disco es el de una cierta melancolía. Las diez canciones del disco están atravesadas como por un halo de ausencia. Y es que parece que la sombra del huracán Katrina es alargada. Ocho de los temas están firmados por el trompetista, entre ellos la hermosa “Drucilla” con la que se abre el disco, y la atrayente “Triptych”, la canción más larga del todo el álbum. Las excepciones son un par de versiones; “Nida”, una composición firmada por su padre, el contrabajista Walter Payton; y “Chinatown”, de la banda sonora creada por Jerry Goldsmith para la película de Roman Polansky Ciertamente “Into the blue” no es el disco total que todavía tiene que firmar Payton, pero tienes los suficientes puntos de interés como para prestarle atención.
