sábado, 4 de octubre de 2014

Jon Hendricks and The Lincoln Center Jazz Orchestra - Soul for Sale





Jon Hendricks cumple 93 años 


El cantante Jon Hendricks, es una figura insoslayable cuando se habla de dos expresiones íntimamente ligadas a la historia del jazz: el "scat" y el "vocalese". En ambas disciplinas, Jon Hendricks es considerado un verdadero maestro, y fueron precisamente esas cualidades lo que le llevó a actuar y grabar con las estrellas del jazz más brillantes de todos los tiempos. Por poner algunos ejemplos: Art Tatum, Louis Armstrong, Duke Ellington, Charlie Parker, Dizzy Gillespie, o Sonny Rollings. En 1957 se asoció con los también cantantes, Dave Lambert y Annie Ross formando un magnifico trío que reinterpretaba las canciones de la orquesta de Count Basie. El extraordinario disco "Sing a Song of Basie" (Verve-1957) es una muestra del gran éxito que obtuvieron.

Por otro lado, este séptimo hijo de un predicador de la Iglesia Metodista Afroamericana, ha sido el mentor de los mejores vocalistas contemporáneos, y su peculiar estilo de trabajada armonizacion vocal, más allá del clásico scat, ha influenciado en numerosos cantantes contemporáneos y sobre todo a Al Jarreau, George Benson y el magnifico Bobby McFerrin. Precisamente junto a estos tres discípulos y amigos mucho más jóvenes que él, fue con quién grabó en 1985 el disco "Vocalese", que le valió cinco premios Grammy. En 1990 se editó otro de sus trabajos más notables: "Freddie Freeloader", también con los tres músicos antes mencionados, a los que se sumó el famoso cuarteto vocal: The Manhattan Transfer, el pianista Tommy Flanagan y el consagrado trompetista Wynton Marsalis. Como se puede apreciar, a lo largo de la carrera musical de Jon Hendricks siempre figuraron algunos de los más importantes artistas del jazz.


Manuel Temez (Jazz entre amigos)





jueves, 26 de junio de 2014

Marcus Miller - Power [live HD]





Marcus Miller cumple 55 años


Marcus Miller nació en Brooklyn (Nueva York) en 1959. Se educó en el seno de una gran familia musical, dado que su padre era organista en la iglesia y director del coro, circunstancia que le influyó mucho desde muy temprana edad, mostrando una precoz afinidad por todo tipo de músicas. Con 13 años tocaba con habilidad el clarinete, el piano y el bajo, y daba sus primeros pasos en la composición de música. Se inclinó por el bajo eléctrico y a los 15 años ya trabajaba de manera regular por los club de Nueva York en varios grupos.

Marcus Miller, pasó los siguientes años muy solicitado como músico de sesión en los estudios de grabación de Nueva York, trabajando con Aretha Franklin, Roberta Flack, Grover Washington Jr., Bob James y David Sanborn, entre algunos otros. En 1981 se unió a la banda del que era su ídolo desde la infancia, el trompetista, Miles Davis, con quién permaneció dos años. Marcus alternaba la producción discográfica con las actuaciones en directo con diferentes artistas y con "The Jamaica Boys" banda de R&B que co-lideró un par de años, grabando dos discos con ellos. En aquella época, dedicaba toda su atención a la producción discográfica, siendo su primera gran producción el álbum "Voyeur" para David Sanborn, en 1980, que le mereció a este un premio Grammy, comenzando así una estrecha y duradera colaboración entre ambos músicos que continuó con la producción, años más tarde de otros álbum de gran éxito: "Close Up" (Reprise, 1988); "Upfront" (Elektra, 1992); e "Inside" (Elektra, 1999), ganador de otro Grammy en el año 2000.

En 1986, Marcus Miller, volvió a colaborar con Miles Davis, produciéndole el extraordinario álbum "Tutu", uno de los discos emblemáticos de la etapa eléctrica de Miles. Después de muchos años de trabajar como productor y músico de sesión, Miller publicó en 1993, su primer álbum a su nombre titulado: "The Sun Don’t Lie" con una regular acogida. Sin embargo al año siguiente se resarciría publicando "Tales" un paisaje colorista de la evolución de la música negra. En 1997 publicó para GRP el directo "Live And More" un concierto extraordinario y en la entrada del tercer milenio, sacó a la luz su álbum "M2". (JVC Japan, 2001).

En los últimos años, Miller, ha ocupado su tiempo profesional en la composición de música para el Cine. Suyas han sido las bandas sonoras de las películas : "House Party" y "Boomerang" con Eddie Murphy , "Siesta" con Ellen Barkin; "Ladies Man" con Tim Meadows y "The Brothers" con Morris Chestnut y D.L. Hughley. También compuso y produjo la exitosa canción "Old School Da Butt" para la banda sonora del film "School Daze", del excelente director, Spike Lee. Marcus Miller, continua en la actualidad su incesante tarea de acercarnos a la música de jazz, los sorprendentes sonidos de su bajo eléctrico.

En 2007, ha presentado "Thunder" junto con otros dos bajistas: Victor Wooten y Stanley Clarke. Los tres iniciaron en 2008 una gira que comenzó en EE.UU. y finalizó el 31 de octubre en Almería (España).

En el 2009, colaboró en el nuevo disco del guitarrista italiano Flavio Sala, tocando en el tema que da nombre al álbum, De La Buena Onda, junto a Jorge Pardo, Toninho Horta y Cliff Almond.


Manuel Temez (Jazz entre amigos)

Chick Corea au Cirque Royal de Bruxelles (Full)





Chick Corea cumple 73 años, felicidades genio !


Armando Anthony Corea empezó a tocar el piano a la edad de cuatro años; sus primeras influencias en el jazz fueron Horace Silver y Bud Powell. Fue adquiriendo experiencia tocando en las bandas de Mongo Santamaría y Willie Bobo (1962-1963), Blue Mitchell (1964-1966), Herbie Mann, y Stan Getz. Su primera grabación como líder fue en 1966, Tones for Joan's Bones, y su álbum en trío en 1968 (con Miroslav Vitous y Roy Haynes) Now He Sings, Now He Sobs se considera ya un clásico. Después de un breve intervalo de tiempo con Sarah Vaughan, Corea formó parte del grupo de Miles Davis para reemplazar gradualmente a Herbie Hancock, y permaneció con Davis durante un periodo muy importante de la banda (1968-1970). Persuadido por Davis, comenzó a tocar el piano eléctrico, y podría oírse en álbumes como Filles de Kilimanjaro, In a Silent Way, Bitches Brew y Miles Davis at the Fillmore. Cuando dejó a Davis, Corea comenzó a tocar jazz de vanguardia con su grupo Circle, cuarteto con Anthony Braxton, Dave Holland y Barry Altschul. Lo hizo hasta finales de 1971, cuando de nuevo cambio su estilo eléctrico: al dejar Circle, Corea tocó brevemente con Stan Getz y luego formó Return to Forever, un grupo de jazz fusión, con Stanley Clarke, Joe Farrell, Airto Moreira y Flora Purim. En un año, Corea (con Clarke, Bill Connors, y Lenny White) convirtió Return to Forever en un grupo que practicaba una fusión enérgica. Tras una breve estancia de Earl Klugh para las actuaciones, el guitarrista Al Di Meola sustituyó a Connors en 1974. Aunque la música del grupo tenía una fuerte inspiración roquera, sus improvisaciones eran marcadamente jazzísticas, y el estilo de Corea podía reconocerse incluso entre toda la electrónica. Cuando RTF desaparece a finales de los 70s, Corea mantuvo el nombre para algunas actuaciones de big band al lado de Clarke. Durante los años siguientes, profundizó en el piano clásico con una gran variedad de planteamientos: giras a dúo con el vibrafonista Gary Burton y con Herbie Hancock, un cuarteto con Michael Brecker, tríos con Miroslav Vitous y Roy Haynes, homenajes a Thelonious Monk, e incluso algo de música clásica.

En 1985, Chick Corea formó un nuevo grupo, The Elektric Band, integrado por el bajista John Patitucci, el guitarrista Scott Henderson (en el primer disco de la banda, luego reemplazado definitivamente por Frank Gambale), el saxofonista Eric Marienthal y el baterísta Dave Weckl. Para equilibrar su música, años más tarde formó su Akoustic Band con Patitucci y Weckl. A principios de los 90, Patitucci formó su propio grupo y el personal cambió, pero Corea continuó liderando interesantes grupos (incluido un cuarteto con Patitucci y Bob Berg). Durante 1996-1997, Corea formó parte de un quinteto estelar en el que estaban Kenny Garrett y Wallace Roney y que tocaba versiones actualizadas de composiciones de Bud Powell y Thelonious Monk, a la vez que mantenía un sexteto llamado "Origin", que incluía al contrabajista Avishai Cohen.A colaborado con Paco De Lucía.


Manuel Temez (Jazz entre amigos)

Shelly Manne - Speak Low





Shelly Manne nace el 11 de junio de 1920



Hijo y sobrino de bateristas, Shelly Manne empezó a estudiar música dedicándose al estudio del saxo contralto pero su destino era sin lugar a dudas la batería donde comenzó bajo la ayuda de Billy Gladsytone debutando profesionalmente en los barcos que cruzaban el Atlántico. En 1939 entró en la formación de Bobby Byrne con la que grabó su primer disco . Al año siguiente sustituyó a Dave Tought en la orquesta de Joe Marsala donde grabó su primeros solos de jazz. En 1941 tocó con Bob Astor y con Raymond Scott con quien estuvo hasta mediados del año siguiente antes de ser llamado a filas.

Desmovilizado en 1945, se une al grupo de Stan Kenton donde consigue su primer trabajo importante. En 1947 toca en el grupo del saxofonista, Charlie Ventura, y posteriormente estuvo unos años, hasta 1949, en el Jazz at the Philarmonic de Norman Granz. Tras la gira con el JATP se enroló en la orquesta de Woody Herman y en 1953, tras un nuevo paso por la orquesta de Kenton, tocó con Howard Rumsey en 1953 en el "Light House" de Hermosa Beach en California donde se había establecido. Al año siguiente, en 1954, lo llamó el trompetista, Shorty Rogers para que tocase con su grupo y llegó a ser sin ninguna duda el baterista mas representativo del llamado West Coast Jazz, participando en la gran mayoría de grabaciones de aquel movimiento.

Con una bien merecida fama, se hizo famoso entre el publico tras participar en la película: El hombre del brazo de oro" con su quinteto de aquella época. Del cine pasó a la televisión y en ése camino de ida y vuelta dejó varias películas en las que Shelly Manne participó activamente: "The Five Pennies" donde interpretó el papel de Dave Tough y la dedicada al baterista Gene Krupa: "The Gene Krupa History". En 1960, con un quinteto ya muy consolidado, abrió en Hollywood su propio club, el "Shelly Manne's Hole" por donde pasaron casi todos los grupos que tocaban en aquella ciudad. En 1961 viajó a Europa para participar en el Festival de Jazz de San Remo y en 1964, tras cerrar el club, viajó a Japón y a la vuelta abrió su nuevo club, esta vez en Los Ángeles que estuvo abierto hasta 1974.

Sus grabaciones y la relación de músicos con los que ha grabado son innumerables, tanto como sideman de grandes instrumentistas como las grabadas a su nombre. Sin duda alguna sus actuaciones en 1959 en el club "Black Hawk" de San Francisco y recogidas en cinco magníficos Cd's por el sello Contemporary son sus mejores registros y forman parte del mejor jazz hecho en la Costa Oeste norteamericana.


Manuel Temez (Jazz entre amigos)

Kenny Barron - Jazz in Marciac 2010





Kenny Barron nace el 9 de junio de 1943


Kenny Barron, comienza a dar lecciones de piano a los doce años y en 1957 logra su primera participación en una orquesta. Tras un breve paso por las formaciones de Philly Joe Jones y Yusef Lateef (1960), se instala en Nueva York, donde trabaja con Ted Curson y, luego con James Moody, Lee Morgan, Lou Donaldson (1961).

Al año siguiente toca con Roy Haynes, antes de reemplazar (por recomendación de James Moody) a Lalo Schiffrin en el quinteto de Dizzy Gillespie, donde se da a conocer y que abandona en 1966 para tocar con Freddie Hubbard y Stanley Turrentine. En marzo de 1970 se incorpora al cuarteto de Yusef Lateef; trabaja luego con Milt Jackson, Jimmy Heath, Stan Getz (1974-1975) y posteriormente inicia una duradera colaboración con Ron Carter (1976-1980). En 1981, es junto al saxofonista Charlie Rouse, uno de los fundadores de Sphere, grupo al que permanecerá fiel hasta su disolución además de trabajar, a partir de 1984, con Bobby Hutcherson y de acompañar a numerosos músicos en grabaciones o giras (como por ejemplo a Stan Getz en su gira europea de verano de 1987). En 1972 da clases de piano en el Jazzmobile Workshop y, desde1973, de practica y teoría musical

El estilo y la trayectoria de Kenny Barron guardan cierta similitud con los de Tommy Flanagan y Hank Jones: ha acompañado a muchos músicos, ha sabido adaptarse a cada contexto con un oficio impresionante. Verdadero estilista del bebop, a principios de los años ochenta se convierte en una especie de depositario de determinada tradición del piano-jazz moderno: trabaja especialmente la sonoridad, un desarrollo armónico refinado y formulas rítmicas inexploradas, todo ello sin abandonar jamás su profundo arraigo en el swing.


Manuel Temez (Jazz entre amigos)

Lover Man (from "Bird" - 1988)





Charlie Parker encaja perfectamente en el paradigma del artista torturado. Talento querido y envidiado, sus picos de creatividad (muy frecuentes) y de éxito (menos frecuentes) alternaban con profundas caídas en abismos infinitos. Así, trágico, con un caminar siempre tambaleante y sacándole sonidos mágicos al saxo, lo retrató Clint Eastwood en su película Bird ("Pájaro", derivado de Yardbird, su seudónimo original), que centra su vida sentimental en la relación que tuvo con Chan Richardson, madre de sus dos hijos, un varón y una nena que moriría de pequeña, precipitando su destrucción.


Manuel Temez (Jazz entre amigos)

Bobby Hackett Sextet





Bobby Hackett nos dejaba el 7 de junio de 1976


Procedente de una familia humilde y sexto hermano de una familia de nueve hijos, a los 14 años tuvo que dejar la escuela para intentar ayudar en la economía familiar. En su adolescencia aprendió a tocar la guitarra, el banjo y el violín que había aprendido de forma autodidacta y con el solo apoyo de la escucha de algunos discos en casa de un amigo. Su primer contrato laboral fue en un restaurante del barrio chino y solo fue hacia 1933 cuando estuvo en las orquestas de Herbie Marsh y de Payson Re. Estuvo un par de años en distintos clubes de Boston y de Providence, su ciudad natal. En Boston tuvo la oportunidad de dirigir la orquesta del "Theatrical Club" relevando precisamente a Herbie Marsh y contando con la colaboración del arreglista, Brad Gowans.

Saltó a New York al año siguiente y en la Gran Manzana tocó con las orquestas de Lester Lanin, Meyer Davis y Howard Lanin. En 1937, es llamado por el clarinetista, Joe Marsal para formar parte de su grupo y ahí empezó a coger la suficiente fama como para que se fijase en él un hombre de leyenda en el jazz, el también clarinetista, Benny Goodman. Bobby Hackett dio un paso de gigante en su carrera cuando en la formación de Benny Goodman tuvo oportunidad de tocar en el famoso concierto del Carnegie Hall en 1938. Aquel concierto catapultó al éxito a todos los músicos que intervinieron y Bobby Hackett pudo al año siguiente formar su propio grupo entre 1938 y 1939. Con la fama a cuesta, firmó un contrato para tocar durante seis meses en uno de los grandes clubes de la epoca del swing en New York, el "Famous Door". De allí saltó a la orquesta de baile de Horace Heidt en 1940 y en 1941 dirigió en Boston su propia bigband.

Los primeros años de la década de los cuarenta tocó correlativamente en la orquesta de Glen Miller (1942) , como músico de plantilla de la NBC (1942-1943) y con la Casaloma Orchestra de Glen Gray en 1945. Los años cincuenta pasaron casi desapercibidos y en 1962 Benny Goodman lo recupera para el jazz actuando en el celebre concierto que la orquesta del clarinetista, ofreció en Moscú. A finales de los sesenta acompañó al cantante Tony Bennett realizando varias giras por el extranjero y los últimos años de actividad los dedicó a doblar bandas sonoras en el cine siendo la mas destacada de todas, el doble de trompeta que hizo a Fred Astaire en la película: "Second Chorus".

Bobby Hackett fue un extraordinario músico que dominaba a la perfección, la corneta y la trompeta. Adscrito al llamado estilo "dixieland" suyo es uno de los grandes discos de aquel movimiento: "Wes Coast Concert" y es clara la influencia que ejerció en el la figura legendaria de Bix Beiderbecke.



Manuel Temez (Jazz entre amigos)

Tal Farlow Yesterdays





Tal Farlow nace el 7 de junio de 1921 


El guitarrista,Talmage Holt Farlow, se inició en el jazz fascinado por la figura y la forma de tocar del gran Charlie Christian. Su carrera profesional la inició en 1948 cuando se incorporó a la banda de Marjorie Hyams y desde entonces hasta el final de su vida fue considerado uno de los mejores guitarristas de la historia del jazz. Entre 1949 y 1953, formó parte del trío de Red Norvo. Cuando se despidió de Norvo, estuvo durante seis meses con la orquesta de Artie Shaw.

Con un prestigio ya consolidado y con una reputación musical importante, Tal Farlow, inicia en 1953 su larga, prolija y extraordinaria carrera como líder de su propio grupo comenzando muy pronto en ese mismo año su debut discográfico con el álbum grabado para Blue Note titulado genéricamente "Tal Farlow Quartet". Fue su primer y único disco para Blue Note. El año siguiente firmaría un contrato con la Verve donde grabaría lo mas selecto de su discografía destacando por encima de todos el magnifico álbum: "Autumn in New York". Sólo por su versión de "Cherokee" ya vale la pena hacerse con este álbum donde Chico Hamilton a la batería y Ray Brown, al contrabajo contribuyen notablemente al éxito de la sesión de grabación.

Poseedor de una técnica irreprochable, una alucinante velocidad de digitación y sobre todo un fraseo imparable y rebosante de swing, Tal Farlow, es un guitarrista desconocido para el gran publico. Oscurecido por la larga sombra de Charlie Christian y Django Reinhardt, Tal Farlow es una de las figuras del jazz que es necesario redescubrir para disfrute de una música absolutamente maravillosa. También su carrera, llena de apariciones y deserciones continuas, no contribuyó demasiado a que los aficionados al jazz vieran en él a un músico a seguir. Hoy afortunadamente, sus álbumes están siendo reeditados con notable acierto por el sello Verve. Tal Farlow, murió a la edad de 77 años victima del cáncer.



Manuel Temez (Jazz entre amigos)

Stan Getz Quartet Featuring Kenny Barron - Live 1989





Stan Getz nos dejaba para siempre el 6 de junio de 1991


Nacido en Filadelfia, cuando contaba cuatro años de edad su familia se trasladó a Nueva York, donde vivió en el barrio del Bronx. Las peleas callejeras y la actitud de otros hacia su origen judío hicieron que desarrollara una fuerte personalidad, orgullosa y desafiante.

Empezó estudiando contrabajo y fagot antes de decidirse por el saxo a la edad de trece años, cuando su padre le compró uno. A los quince debutó profesionalmente con la orquesta de Dick "Stinky" Rogers y hasta 1946 militó sucesivamente en nueve big bands, algunas como la de Benny Goodman, con las que grabará sus primeros solos. A los diecinueve viajó a Los Ángeles donde escuchó a Dexter Gordon y Wardell Gray, y se entusiasmó con esos dos grandes saxos tenores que conjugaban en sus estilos las enseñanzas de Lester Young y Charlie Parker. En 1947 entró a trabajar en una orquesta dirigida por Tony de Carlo, con la que tocaba mambos en el club Pontrelli´s. Esta formación era un tanto atípica ya que en ella tocaban cuatro solistas, todos con saxo tenor. Éstos adoptaron un estilo aéreo, una sonoridad recubierta de un fieltro muy "a la Lester" que, pronto, hizo que les apodasen "Los Hermanos". Woody Herman que buscaba personalidad para su nueva orquesta, conquistado por su sonido los contrató a todos juntos excepto a Jimmy Giuffre.

En diciembre de 1948 grabó su disco histórico solo en Early Autumn. De la noche a la mañana, su nombre se hizo mucho más conocido y se ganó el sobrenombre de «El Sonido». En 1949 dejó la orquesta de Woody Herman, y empezó a liderar combos con Horace Silver, Al Haig, ambos pianistas, Roy Haynes o Tiny Kahn, baterías y con el guitarrista Jimmy Raney. A partir de 1952 inició su colaboración con el productor Norman Granz.

En los años 50, Getz se hizo bastante famoso tocando cool con un joven Horace Silver, Oscar Peterson, y muchos otros. Los dos primeros quintetos de Getz fueron especialmente famosos por sus músicos, que incluían la sección rítmica de Charlie Parker con el batería Roy Haynes, el pianista Al Haig o el bajo Tommy Potter. En 1955 se editó su disco West Coast Jazz, que tuvo una gran repercusión como paradigma del estilo homónimo. Después, ya en 1958, Getz intentó escapar de su adicción a las drogas (por la cual había sido arrestado cuatro años antes) trasladándose a Copenhague, Dinamarca.

En 1961 regresó a Estados Unidos donde descubrió que el público americano le había olvidado, en buena medida debido a John Coltrane. Para "contraatacar" grabó su álbum histórico Focus. Pero el disco que le volvió a colocar en la popularidad fue Jazz Samba, su primer álbum de "bossa-nova" grabado con el guitarrista Charlie Byrd en 1962. La canción titulada "Jazz Samba" era una adaptación de la composición de Jobim "So Danco Samba". Getz ganó el Grammy por la mejor interpretación de jazz en 1963 por el tema "Desafinado".

El siguiente paso de esta fusión fue el encuentro con los músicos brasileños. Getz grabó con el compositor Antonio Carlos Jobim, el guitarrista João Gilberto y su esposa, la cantante Astrud Gilberto. Su colaboración en «Garota de Ipanema» (La Chica de Ipanema) (1963) ganó el Grammy, haciendo el estilo de Jobim, conocido como bossa-nova, mucho más popular. Esta pieza se convirtió en una de las canciones de jazz más conocidas de la historia.

El álbum Getz/Gilberto ganó dos premios Grammy en 1965, el de mejor álbum y el de mejor single, superando a Los Beatles con su tema "A Hard Day's Night". Esto fue sin duda una victoria para el jazz y la bossa-nova y derivó en la propagación de esta música entre millones de personas, allanando el camino para que la música brasileña y sus instrumentos se sumaran al jazz.

Stan Getz comprendió perfectamente el lenguaje de la bossa-nova y sonó completamente natural en las grabaciones que llevó a cabo con los músicos brasileños. El jazz brasileño ha sobrevivido y ha supuesto una clara influencia en los trabajos de famosos músicos de jazz como Wes Montgomery y Joe Henderson. En 1967 y posteriores años, Getz se empezó a interesar más por la fusión jazz-rock y otras tendencias post bop, haciendo música cada vez más personal, y grabando álbumes con Chick Corea, Stanley Clarke o Gary Burton.

A lo largo de los años 80 colaboró con pianistas como Jim McNeely o Kenny Barron, contrabajistas como Jiri Mraz o Rufus Reid y el batería Victor Lewis. En varios ocasiones que visitó México en los años 60's y 70's le agradaba ir a Acapulco y tocar con músicos locales en especial con Macario Luviano Ruíz a quién Stan Getz le tuvo gran admiración por su manera de tocar el piano y el Saxofón.

En 1988 interrumpió sus actuaciones europeas, al diagnosticársele cáncer de hígado. Pero siguió tocando hasta prácticamente su último día, el 6 de junio de 1991. En 1998, la "Biblioteca y Centro Multimedia Stan Getz"' situada en el Conservatorio Musical de Berklee, fue dedicada a la memoria del saxofonista gracias a una donación de la Fundación Herb Alpert.


Manuel Temez (Jazz entre amigos)

Terell Stafford @ Saxquest - November 3, 2012





Terell Stafford nació en 1966 y forma parte de una generación de trompetistas surgidos tras la eclosión de Wynton Marsalis, que incluye a Roy Hargrove y Nicholas Payton entre sus nombres más conocidos. Aunque obtuvo un Master en la Rutgers University apenas cumplidos los veinte años, Terell empezó a tomar en serio su carrera como trompetista de Jazz hacia 1988. Entre 1990 y 1995 formó parte del quinteto de Bobby Watson, Horizon, con el que colaboró en tres sesiones de grabación, además de en innumerables conciertos y giras.En 1997 trabajó con la banda de McCoy Tyner, y fue invitado a formar parte de dos de las big bands más prestigiosas del momento: la Lincoln Center Jazz Orchestra, dirigida por Wynton Marsalis, y la Carnegie Hall Big Band, dirigida por John Faddis. Tambien ha trabajado con la Village Vanguard Orchestra, la Mingus Big Band y la Lincoln Center Jazz Orchestra. En la actualidad, Terell ejerce como Profesor de música y director de la cátedra de Jazz y Composición en la Temple University. Ha impartido clases en la presigiosa Vail Foundation de Colorado y en el programa Essentially Ellington del Lincoln Center. También ha formado parte de la Facultad del Juilliard Institute for Jazz Studies en New York.


Manuel Temez (Jazz entre amigos)

miércoles, 4 de junio de 2014

1970 - Oliver Nelson - Milestones





Oliver Nelson nace el 4 de junio de 1932


Saxofonista tenor, soprano y compositor, Oliver Nelson empezó a estudiar piano a los seis años y a los once, aun en edad escolar, tuvo su primer contrato profesional en la orquesta de Cottie Williams, donde su hermano también era saxofonista. Entre 1947 y 1948, trabajó con la orquesta de George Hudson, en 1949 con Nat Towles y al año siguiente entró a formar parte de la bigband de Louis Jordan, con quien trabajó hasta bien entrado el año 1951.

Entre 1952 y 1954 cumplió el servicio militar en la Marina americana donde formó parte de su banda llegando a actuar en el lejano Japón. Cursó estudios en la "Lincoln University" para perfeccionar sus conocimientos musicales y en 1959 se trasladó a New York donde tocó con Erskine Hawkins, Wild Bill Davis y Louis Belson. En 1960 empezó a interesarse por la composición donde comenzó con un espléndido quinteto para instrumentos de viento exclusivamente. Al año siguiente compuso un ciclo de songs para saxo contralto y piano y en 1962 estreno la obra "Dirge" para orquesta de cámara. Quincy Jones lo llamó para que colaborara con él y su popularidad le dio la posibilidad de formar su propio grupo en el que pasaron, Miles Davis, Bill Evans y Eric Dolphy entre otros grandes músicos.

A finales de los años sesenta se trasladó a California prosiguiendo allí su actividad de compositor, destacando su creatividad a la hora de improvisar. Probablemente su posición en la historia del jazz sería otra bien distinta, si un buen día de 1961 no hubiese grabado el disco que le encumbró a la cima de esta música. "The Blues and the Abstract Truth" (Impulse!), es un obra maestra difícil de encuadrar en una escuela concreta y por el que Oliver Nelson seguirá siendo recordado como el diseñador de ese monumento audaz y atemporal básico en el jazz.


Manuel Temez (Jazz entre amigos)

Jazz City TV presents - "Dakota Staton" Live In Philly





Dakota Staton nace el 3 de junio de 1930


Con una sólida formación musical desde su juventud, - estudió en la "Filion School of Music" de su ciudad natal Pittsburgh -, la cantante, Dakota Staton, comenzó su actividad profesional en la orquesta de su hermano para después seguir su actividad artística en solitario actuando en numerosos clubes canadienses y americanos. En 1955 sorprendió a la critica cuando la prestigiosa revista especializada en jazz "Down Beat", la nominó como máxima promesa del jazz vocal.

Su timbre duro y ácido, su fraseo cortante y tendente al grito, denotan la clara influencia de Dinah Washington en incluso la de Sarah Vaughan en el arte del scat. A finales de los años cincuenta se hizo bastante popular en los Estados Unidos gracias a algunas grabaciones con el pianista ciego, George Shearing. En 1957 deja para Capitol, su disco mas redondo acompañándose de Jonah Jones y Hank Jones al piano "The Late, late Show". En aquel disco, la brillante interpretación del tema, Broadway, se convirtió a partir de entonces en uno de sus temas emblemáticos. En líneas generales, su relación profesional con la casa Capitol entre 1954 y 1962, está llena de momentos excelentes junto a Nelson Riddle, Benny Carter o Harry Edison. No fue tan brillante el grabado en directo en 1961 en el club "Storyville" de Boston con el pianista, Norman Simmons.

Tras una breve estación de paso en el sello "United Artist" y tras otra efímera estancia en Inglaterra, Dakota Staton, cayó en el ostracismo discográfico hasta nada menos que 1990, cuando firma por el sello "Muse" y debuta con un disco espléndido "Dakota Staton" (Muse, 1990). Pero precisamente ese año sufre un derrame cereblal después de lo cual su salud se deterioró. Staton murió en Nueva York a los 76 años de edad en 2007.



Manuel Temez (Jazz entre amigos)

1966 Willie "The Lion" Smith





Willie Smith "El león"

Nació en Goshen (Nueva York) en 1897 y comenzó como músico profesional a los 17 años. Sin embargo, tuvo que interrumpir su carrera profesional para ir a Francia enviado por el ejército de Estados Unidos para servir en la primera guerra mundial, donde su valor le valió el apodo de «El León».
Después de la guerra volvió a su país y, en 1920, formó su propia orquesta (Willie «The Lion» Smith And His Orchestra). Salió de gira con Mamie Smith y tocó el piano acompañandola en Crazy Blues, la grabación pionera del blues de 1920.
En los años 30 ya era uno de los maestros de la escuela de piano stride de Harlem, junto con James P. Johnson. En 1935 Willie «The Lion» Smith And His Cubs grabaron por primera vez Echo Of Spring, su más famosa composición.
Willie «The Lion» Smith influyó a muchos pianistas, como Fats Waller y Duke Elington, debido a sus ingeniosas melodías y sus ritmos nuevos. Ellington le dedicó el single de 1939 Portrait Of The Lion y Smith le respondió con su propio Portrait Of The Duke. La grabación de este tema y de Contrary Motion datan de 1949. Otra de sus más destacables composiciones es Pork & Beans, de 1950.

PAUL DESMOND EMILY





Paul Desmond fallece el 30 de mayo de 1977


El saxofonista Paul Emil Breitenfeld, más conocido como Paul Desmond, fue una figura representativa de la corriente principal del jazz y del cool, especializado en baladas y en la improvisación melódica; se caracteriza también por sus citas de música clásica y de canciones folk. Su principal influencia fue Lester Young.

Al lado del pianista Dave Brubeck, Desmond formó parte del famoso Dave Brubeck Quartet (1959-1967) con quien obtuvo sus mayores éxitos: Jazz at Oberlin, Take Five y, sobre todo, Jazz Impressions of Japan, donde Desmond toca sus solos lentos e intrincados en contraste directo con los largos acordes del pianista.

Al disolverse el cuarteto en 1967, Desmond inició su carrera en solitario, en la que se incluyen grabaciones con Gerry Mulligan para Verve y con Jim Hall, y un concierto con el Modern Jazz Quartet.

Sus últimas actuaciones las realizó con el Brubeck Quartet en reuniones ocasionales.

Autor del tema más famoso del cuarteto, Take Five, pero artista desarmantemente modesto, se le atribuye la siguiente frase:

No soy más que el saxofonista en el cuarteto de Dave Brubeck, al que me uní terminada la Guerra de Corea. Pueden reconocerme con facilidad porque, cuando no toco, lo que sorprendentemente ocurre a menudo, aún sigo allí apoyado en el piano.



Manuel Temez (Jazz entre amigos)

Benny Goodman, Gene Krupa, Harry James, Lionel Hampton





Benny Goodman nace el 30 de mayo de 1909


Su nombre completo era Benjamín David Goodman, nació en el seno de una numerosa y humilde familia judía de origen polaco. Benny era el noveno de doce hermanos. Empieza a estudiar música en la sinagoga "Kehelah Jacob" formando parte de su orquesta juvenil. En aquella época visita Chicago algunos músicos provenientes de New Orleáns, y cuando les escucha, Benny Goodman adopta el jazz como su música para siempre. Con catorce años obtiene el carné del sindicato de músicos y es contratado en la orquestad de baile de Bill Grimm. Allí conoce al legendario cornetista, Bix Beiderbecke, que actúa en la sala de fiestas: "Midway Gardens".

En 1925, logra entrar por fin en una gran orquesta: la del batería, Ben Pollack. Allí estaría durante cuatro años que le sirvieron para coger experiencia sobre el funcionamiento de una bigband. Hasta 1934 no logra formar su primera propia orquesta. Lo contrata el empresario Billy Rose, y a continuación la emisora de radio NBC, lo llama para dar un programa semanal emitido a todo el país titulado: "Let's Dance". Pronto se convertirá en el director de orquesta preferido por la clase media americana, loca por bailar en los años treinta. Está comenzando la "Era del swing" y Goodman, esta muy bien colocado.

Conoce al productor y brillante cazatalentos, John Hammond y comparte con él la actitud antirracista de este personaje miembro de una de las familias mas ricas de los Estados Unidos. Comienza a integrar en su banda a famosos solistas negros, como el maravillosos pianista, Teddy Wilson, o el vibrafonista, Lionel Hampton, con quienes compartirá su celebre cuarteto completado con el explosivo, Gene Krupa a la batería. Goodman, fue un valiente pionero en la idea de imponer a los empresarios de los clubes y locales que sus músicos tocaban con el, con independencia del color de su piel.

La orquesta de Goodman, vive un periodo esplendoroso en el que desfilan excelentes solistas como los trompetistas: Bunny Berigan, Ziggy Elman o Harry James; los trombonistas: Vernon Brown o Red Ballard; los saxofonistas, Vido Musso, Bud Freeman o Babe Russin; o los bateristas, Gene Krupa o Dave Tough y las vocalistas: Helen Ward, Peggy Lee o Martha Tilton. En 1937 participa en Los Ángeles en la película musical: "The Big Broadcast" y su carrera va imparable hacía el acontecimiento que le proclamaría para siempre: "El rey del swing", el concierto de enero de 1938 en el Carnegie Hall.

En 1939, Goodman se va de RCA y ficha por Columbia. Es el año en que se le marchan varios instrumentistas destacados, entre ellos, el espectacular, Gene Krupa, pero también es el año en que incorpora a su banda a un joven guitarrista de Oklahoma, llamado Charlie Christian. Un músico que no solo va a revolucionar el arte de la guitarra en el jazz, sino que es un músico fundamental para la música que venía en la década posterior. Benny Goodman, es nombrado a finales de 1939 mejor solista y y su banda y el sexteto que forman ocupan los números unos, en las votaciones de la prestigiosa revista, Down Beat. Charlie Christian, es elegido mejor guitarrista.

Ya en 1942, logra a duras penas sobrevivir al empuje del bebop, y finalizada la "era del swing" resiste como puede. Llega la II Guerra Mundial y con ella el final de las bigbands. En 1955, Hollywood, realiza la película de su vida, "The Benny Goodman Story", dirigida por Valentine Davis, con Steve Allen, en el papel de Benny. Como casi siempre, la película es bastante mediocre, pero el montaje musical es sobresaliente. Aupado por esta nueva bocanada de aire fresco, sale de gira por Europa, por Oriente Medio a cuenta del Departamento de Estado, quien le proporciona la frivolidad de dar un concierto de jazz en la misma Unión Soviética y en pleno auge de la guerra fría. Fue en Moscú en 1962.

Benny Goodman, murió el 13 de junio de 1986, a los setenta y siete años. Su vida hasta el último momento estuvo dedicada honestamente a la música de jazz.


Manuel Temez (Jazz entre amigos)

Miles Davis - Around The Midnight (1967)





Miles Davis nace el 26 de mayo de 1926


Miles Dewey Davis , creció en un acomodado barrio blanco del East St. Louis, ciudad a la que se habían trasladado sus padres desde Alton en Illinois donde nació en 1926. Sus primeros admiradores también fueron músicos blancos, fundamentalmente, Harry James y Bobby Hackett. Seriamente interesado en la música, tomó clases de Elwood Buchanan, trompetista ocasional de la orquesta de Andy Kirk, cuando aun no había cumplido los trece años. De este músico recibió su primer consejo que llevó a rajatabla durante toda su vida "..toca sin vibrato, ya temblaras cuando seas viejo". Ese fue el embrión de ese estilo liso y lírico, aparentemente frio pero emocionante hasta casi llorar.

Con 16 años cumplidos, tuvo la oportunidad de salir de gira con la orquesta de Tiny Bradshaw pero la negativa del padre se lo impidió. En 1944 escuchó por primera vez a Charlie Parker y Dizzy Gillespie en la orquesta del cantante, Billy Eckstine. Hizo amistad con él y "Bird" le aconsejó que se trasladase a New York. Una vez en la ciudad, Miles fue testigo directo de la cruenta batalla estilística entre lo viejo del jazz - el swing- y lo nuevo- el bebop-. Después de varias actuaciones a uno y otro lado de la Calle 52 con los creadores del nuevo sonido, estuvo capacitado para dar un paso crucial en su carrera.

En 1949, Miles germinó su primera obra capital en la historia del jazz. Junto al compositor Gil Evans y músicos de la talla de Gerry Mulligan y Lee Konitz entre otros, grabó "Birth Of The Cool", una obra que dio paso al celebre "Noneto Capitol" una empresa democrática que repartía responsabilidades entre solista, compositor y arreglista. En aquélla época sufrió su primera detención por consumo de droga y en 1951 fichó por el sello "Prestige" para el que grabó años después cuatro formidables álbumes que figuran entre lo mejor de su discografía. Atrás quedaban la tormentosa sesión de grabación con Thelonius Monk y su participación en el famoso quinteto de John Coltrane.

Precisamente la colaboración de Miles con Coltrane convenció a los jefes de la Columbia para que Miles firmara con ellos. En la arcas de Columbia, están algunas de las mejores grabaciones de Miles, entre ellas el obligatorio, "Kind Of Blue" grabado en 1959, las grabaciones en directo en el "Plugged Níkel" de 1965, el mil veces referenciado como el primer disco del jazz-rock de la historia titulado: "Bitches Brew" o el disco que inauguró la etapa eléctrica de Miles titulado "In a Silent Way" de 1969. En aquella época, a su alrededor se precipitaban los acontecimientos y en los años sesenta la psicodelia, y el rock llamaban con fuerza a la juventud de entonces y Miles no quiso apearse del autobús. Sus discos empezaron tomar un sesgo cada vez ruidoso y en sus banda predominaban cada vez mas los bajos eléctricos y guitarras amplificadas y si bien eso le ayudó a aumentar su popularidad entre las nuevas generaciones, su creatividad disminuía notablemente.

Poco después de un concierto celebrado en Madrid en 1990 se le manifestaron los primeros síntomas de una enfermedad que le llevó a la muerte. Falleció en Santa Mónica el 28 de septiembre de 1991. Nadie como Miles Davis, ha hecho corresponder las edad artísticas de su desarrollo estilístico con las distintas etapas del jazz. Su juventud estuvo ceñida al bebop, el tórrido sonido del hardbop, luego aliviado por la brisa del cool se apoderaron de el durante su adolescencia y las tentación otoñal del jazz eléctrico recrudecida en su ultima fase le ocupó hasta que le sobrevino la muerte. Miles se llevó el secreto de su música y de su vitalidad.


Manuel Temez (Jazz entre amigos)

domingo, 25 de mayo de 2014

Charlie Parker & Dizzy Gillespie - Hot house







Charlie Parker odiaba las big bands pero, necesidad obliga, en 1941 llegó a Nueva York con la McShann Band. La noche en que tocaron en el Savoy Ballroom de Harlem, un trompetista se acercó y preguntó, tímido: "¿Puedo tocar con ustedes?" Era Dizzy Gillespie. Fue la primera vez que los dos músicos tocaron juntos. Luego volverían a encontrarse en el Minton's Playhouse, un pequeño local de Harlem que se convertiría en el templo del bebop. De vidas y personalidades opuestas, "Dizzy y Bird" formaron una dupla musical indivisible, que se consolidó en 1945, con temas a dúo como Groovin' High o Hot House.


Manuel Temez (Jazz entre amigos)

Wardell Gray - PENNIES FROM HEAVEN





Wardell Gray fallece el 25 de mayo de 1955


Wardell Gray pertenece a esa común especie que parece afectar al músico de jazz y que tiene por denominador común, una vida efímera y una muerte prematura, básicamente además cuando empezaba a despuntar como músico. Falleció con 34 años en circunstancias todavía hoy no aclaradas. De niño su familia se traslado a Detroit y allí comenzó pronto a manifestarse su vocación musical. Estudio música en la "Cass Tech High" de Detroit y sus primeros pasos los dio con el clarinete. En 1943 fue contratado por el pianista, Earl Hines donde estuvo dos años que se consideran básicos para su posterior formación.

Además, para colmo de males, la época en que empieza a salir del cascaron, coincide con la Huelga de grabaciones decretada por la poderosa "Federación Americana de Músicos" y a su oscura etapa formativa se le añade la imposibilidad de escucharle en aquellos años. En la orquesta de Earl Hines, autentico semillero de grandes músicos, Wardell Gray tocaba el clarinete y el saxo contralto, pero pronto decidió pasar al tenor. Hubo en aquella epoca tres saxofonista que le dejaron impresionados: Lester Young, Don Byas y sobre todo, Charlie Parker, con quien había aprendido en la orquesta de Earl Hines como elaborar un estilo propio. Se trasladó mas tarde a la Costa Oeste de los Estados Unidos y allí en Central Avenue, una especie de Calle 52 en Los Ángeles, destacó como un músico excepcional.

En 1946 ficha por la orquesta de Benny Carter, saxofonista y arreglista extraordinario del que Wardell Gray era un encendido admirador. Benny Carter le enseño principalmente la forma y la técnica de abordar las baladas. Durante una de sus actuaciones fue escuchado por Benny Goodman que quedó entusiasmado con el joven saxofonista. Goodman lo incorporó a su septeto y le permitió una flexibilidad de entrada y salida de su formación como no había permitido a ningún otro músico. Con Benny Goodman estuvo tres años. Más tarde conoció a Dexter Gordon, un músico clave también en la carrera profesional de Wardell Gray y dejaron grabado un disco extraordinario titulado: "The Chase" para el sello "Prestige" en 1947. También en 1947 grabó junto Charlie Parker, Howard McGhee, Dodo Marmarosa, Barney Kessel, Red Callender y Don Lamond, una sesión inolvidable para el sello "Dial" y que demostraba que Wardell Gray podía haber sido el saxo tenor que Bird deseaba. Ambos murieron con apenas tres meses de diferencia.

En 1948 pasó efímeramente por la orquesta de Count Basie, hecho que repitió entre 1951 y 1952. En 1951 formó su primer grupo liderado por él, contando con la colaboración de Art Farmer un extraordinario trompetista que debutó profesionalmente precisamente en la formación de Wardell Gray. A finales de mayo de 1955 fue llamado por Benny Carter para inaugurar el "Moulin Rouge" un club de las Vegas. Dos días después del debut, el 26 de mayo de aquel año, fue encontrado en el desierto de Nevada el cuerpo sin vida de Wardell Gray con el cuello partido. Wardell Gray fue sin duda uno de los grandes saxo tenores de la historia del jazz, equivalente a lo que fue en la trompeta, el malogrado, Clifford Brown.


Manuel Temez (Jazz entre amigos)

Archie Shepp - Festival de jazz de Chateauvallon 1973





Archie Shepp cumple 77 años


Hijo de un banjoista, Archie Shepp, (Fort Lauderdale, 1937), empezó desde niño a estudiar piano, clarinete y saxo contralto. Mas tarde se pasó al tenor con el que toco en grupo de rhythm and blues con el trompetista, Lee Morgan y el saxofonista, Kenny Rogers. Al margen de la música estudio leyes, arte dramático, donde llego a diplomarse, y un frustrado intento de enrolarse en un grupo teatral. En 1960, conoció al pianista, Cecil Taylor entrando a formar parte de su grupo con quien grabó en varias ocasiones entre 1960 y 1961.

En 1962 tocó junto a Bill Dixon, con quien grabaría su primer disco a su nombre "Archie Shepp-Bill Dixon Quartet" (Savoy, 1962), y ello le sirvió de experiencia para formar el "New York Contemporary Five", quinteto donde estaban además de Archie Shepp, Don Cherry, Don Moore, J.C. Moses y John Tchicai. De aquel periodo son sus primeras composiciones ligadas todas ellas al movimiento negro que germinaba en aquellos años. En ese sentido, el tema "Rufus" es la transposición musical del linchamiento de un negro, y "The Funeral" está dedicada al secretario de la organización negra National Association for the Advancement of Colored People (NAACP), - Asociación Nacional para el Progreso del Pueblo Negro - Medgar Evers, asesinado en aquellas fechas. De aquel fructífero periodo quedan sus cinco espléndidos discos grabados todos en 1963. En 1964, y después de una breve gira por Europa, Archie Shepp, reconstruyó su quinteto con motivo de la grabación de un disco donde ya empezó a aflorar sus dotes de liderazgo. A continuación colabaró con John Coltrane, en el nacimiento de una obra maestra del freejazz, el álbum "Ascensión" (Impulse!, 1965) donde la participación de Shepp fue decisiva.

Archie Shepp, formó parte de la "Jazz Composer's Orchestra" junto con los músicos mas grandes de la vanguardia jazzistica, entre ellos, Cecil Taylor, Sun Ra, Carla Bley, Paul Bley, Roswell Rudd, John Tchicai, etc.) y en 1965 graba la que está considerada su obra maestra discográfica, el álbum "Fire Music" (Impulse!, 1965). En él sus solos son imprevisibles, era capaz de pasar del sarcasmo al lirismo absoluto, y de éste a la aspereza en un solo tema. Sus composiciones estaban dedicadas a las grandes figuras negras del movimiento conocido como "Black Power", entr ellas, Malcon X. En 1967, el quinteto de Archie Shepp, viajó a Europa de nuevo, introduce en su grupo un piano, cosa que no hacia desde los tiempos de Cecil Taylor, como queda de testimonio en su disco "The Way Ahead" (Impulse!, 1968). Archie Shepp, comenzó los setenta alternando sus conciertos y la docencia, dando clases de historia y sociología del Jazz en la Universidad de Ahmherst. Graba también con Jeanne Lee, Chet Baker, y Max Roach, forma la "Attica Blues Big Band", pero nada volverá a ser igual, aún produciendo obras de interés y demostrando ante el publico que puede ofrecer satisfactorias actuaciones, y sin haber renegado de su enorme interés por el pueblo afro-americano y su legado musical, sus últimos veinticinco años han pasado sin hacer demasiado ruido.

Siempre que se trate de rememorar a músicos comprometidos con la raza afro-americana y luchadores por la obtención de sus legítimos derechos, Archie Shepp, será sin duda uno de los más notables que la historia del jazz ha dado; compromiso que ha mantenido desde que apareció en escena en 1960, a su llegada a Nueva York.


Manuel Temez (Jazz entre amigos)

Artie Shaw : Begin the Beguine





Artie Shaw nace el 23 de mayo de 1910


Nacido en un barrio pobre del East Side neoyorquino, el arreglista, compositor y clarinetista, Artie Shaw tocaba el ukelele a los cinco años y a los doce ganó su primer concurso para aficionados. Siendo adolescente formó la "Peter Pan Novelty Orchestra", junto a otros estudiantes y a los quince años fue contratado en la bigband de Johnny Cavallaro como saxofonista donde aprendió a tocar el clarinete y adoptó el nombre profesional de Artie Shaw.

Al año siguiente abandono definitivamente su hogar y fue contratado por la orquesta de José Cantor en Cleveland. Por aquélla época conoció al pianista, Claude Thornill, con quien mantendría una amistad duradera. Se traslado a Hollywood para incorporarse como saxofonista a la orquesta de Irving Aaronson denominada "The Commanders". Tras un paro forzoso tras la retirada de su carnet de músico al atropellar con su coche a una persona, Shaw, se dedico a frecuentar los ambientes musicales de Harlem en New York y en el "Pods and Jerry", uno de los locales de jazz mas importantes, conoció al pianista, Willie "The Lion" Smith, que después de escucharlo lo contrato una vez levantada la sanción de la retirada de su carnet de músico. En 1932, tuvo la oportunidad de ser durante un año, el primer saxofonista en la orquesta de la "Columbia Broadcasting System" bajo la dirección de Freddy Rich.

En 1933 abandono aquélla orquesta y también la música dedicándose durante mas de dos años a su pasión por la literatura, pero las dificultades económicas le obligaron a volver a tocar. Su primer contrato importante lo obtuvo en 1935 con su grupo "Art Shaw and his New Music" para tocar en el Hotel Lexington, en sustitución del grupo de Bing Crosby. La carrera profesional de Artie Shaw dio un giro espectacular cuando grabo para RCA el tema "Beguine the Beguine". Fue tanto el éxito que, desafiando todos los prejuicios raciales de la época, contrato para la orquesta a Billie Holiday, con la que grabó "Any Old Times" en una gran interpretación de "Lady Day".

Entre 1935 y 1939, Artie Shaw, ganó fama, publicidad y dinero, pero al final de la década de los treinta una grave enfermedad le retiró momentáneamente de la música. En el verano de 1940, retomó la música y grabó las célebres sesiones en estudio con los "Gramercy Fives" donde volvió a demostrar otra vez su talento jazzistico. Entre los muchos temas grabados, hay que recordar el celebre "Frenesí" una magnifica aportación al jazz latino, o el magnifico "My Blue Heaven" sin olvidar el legendario "Bloomy Sunday". Alistado en la Marina en 1942, se licenció muy pronto por problemas de salud y a su vuelta a New York, formó una nueva orquesta con ribetes todavía mas jazzisticos contratando al trompetista, Roy Eldridge, al guitarrista, Barney Kessel y al saxo tenor, Herbie Steward. Con el declive de las grandes orquesta, Artie Shaw, disolvió la suya y no reapareció hasta 1949, cuando actuó como invitado de honor en la "National Symphony Orchestra" en el Carnegie Hall.

Entre 1949 y 1952 formó y disolvió su orquesta varias veces, publicó su autobiografía titulada "The Trouble with Cinderella" y varias novelas cortas. En 1955, se traslada a Girona, (España) donde residió por cierto tiempo. Artie Shaw, también fue un hombre con fama de frívolo. No en vano son siete u ocho las esposas que sucesivamente ha ido teniendo, entre ellas, la admirada, Ava Gadner. Hombre de carácter difícil, nunca quiso ser ni jefe de escuela, ni maestro de nada, ni tampoco pudo pasar a la historia del jazz como un innovador.


Manuel Temez (Jazz entre amigos)

Horace Silver - Señor Blues (Horace Silver, Blue Mitchell & Junior Cook)





Blue Mitchell fallece el 21 de mayo de 1979


Tras terminar sus estudios, Richard Allen (Blue) Mitchell tocó en bandas de r&b, como la de Paul Williams, Earl Bostic, y Chuck Willis. Regresó a Miami y fue contratado por Cannonball Adderley, con quien grabó para Riverside Records, en Nueva York, en 1958.

Se unió más tarde al quinteto de Horace Silver, donde coincidió con Junior Cook (saxo), Gene Taylor (contrabajo) y Roy Brooks (batería). Mitchell permaneció con Silver hasta que éste deshizo la banda en 1964. Sin embargo, Mitchell mantuvo el grupo, con los mismos músicos, pero con Chick Corea en el piano y Al Foster sustituyendo a Brooks. Grabaron una gran cantidad de registros para Blue Note hasta su separación, en 1969. Después, Mitchel se unió a la banda de Ray Charles, hasta 1971.

Entre 1971 y 1973, Mitchell tocó con John Mayall en su serie de discos y giras Jazz Blues Fusion. Durante los años 1970 trabajó básicamente como músico de sesión, aunque también tocó en la big band de Louie Bellson, y con Bill Holman, Bill Berry, Tony Bennett y Lena Horne. Grabó con Lou Donaldson, Grant Green, Philly Joe Jones, Jackie McLean, Hank Mobley, Johnny Griffin, Al Cohn, Dexter Gordon y Jimmy Smith. Después mantuvo un grupo estable con el saxofonista Harold Land, hasta su muerte por cáncer a la edad de 49 años.


Manuel Temez (Jazz entre amigos)

Sun Ra Arkestra - Face the Music / Space is the Place





Sun Ra nace el 22 de mayo de 1914


El teclista y director de orquesta, Sun Ra es un caso único entre los músicos de jazz. Nacido en Birmingham, él mismo declaró que procedía del espacio y que era un ser celestial. Tomado por loco y charlatán, tachado de burdo profeta y farsante empedernido, a Sun Ra le costó acallar todas esas maldades para hacerse un lugar de privilegio en un mundo sonoro absolutamente extraordinario.

Debutó antes de cumplir los diez años en la "Saxo Society Band" de John Tuggle Whatley, quien le enseñó las primeras nociones de dirección orquestal. En los años treinta, tocó en Gary (Indiana) y en Washington donde estudió con Lula Randolph. Entre 1946 y 1947, militó en la orquesta de Fletcher Henderson, donde colaboró tambien con los arreglos y la composición. En 1952, tras superar una profunda crisis espiritual, adoptó el nombre de Le Sony'r Ra (mas tarde abreviado en Le Sun-Ra) y empezó a presentarse al frente de su "Space Jazz Trío". Ese mismo año fundó junto a su amigo, Alton Abraham, el sello discográfico, "Saturn Records", con el grabó multitud de títulos, entre ellos el fenomenal "Jazz in Silhouette" en 1958. En 1953 empezó a formar el embrión de lo que sería su orquesta, la forma musical donde expresaba con total libertad sus ideas. Incorporó solistas de talla del nivel de Pat Patrick, ineludible soporte de la sección de saxos, con su rocoso barítono; Marschall Allen, saxo alto y el mejor de todos, el saxofonista tenor, John Gilmore, en quien confesó el propio Coltrane, haberse inspirado en una época de cambio evolutivo.

En 1955 grabó experimentando la formula de dos contrabajos y al año siguiente empezó a grabar con regularidad empleando varios percusionistas. Fue entonces cuando formó establemente su afamada "Sun Ra Arkestra", un gran grupo cuyo nombre esta vinculado a los conceptos de "Sol" el dios faraónico omnipotente. En 1956 sale a la luz bajo el sello "Transition" su primer álbum orquestal bajo el titulo de "Jazz by Sun Ra-Sun Song", un intento poco valorado en su carrera por unir música y espíritu. En 1959, tras aparecer en el film de Edward Blank "The Cry of jazz", trasladó su grupo a Canadá y en 1961, casi por casualidad el grupo estaba en New York, donde participó en los celebres Happenings del Lover East Side. En 1961, graba para Savoy, el álbum que está considerado como su obra maestra: "The Futuristic Sounds of Sun Ra". En él, el teclista saca enorme partido a los timbres de cada instrumento y guarda con celo encomiable el equilibrio entre las partes escritas e improvisadas. Ese álbum adelanta en algunos años las formas coloristas que hicieron famoso al "Art Ensemble of Chicago". Con una estructura abstracta e iconoclasta, "The Futuristic Sounds of Sun Ra", demostró tener un perfecto balance entre elementos de swing, blues, ritmos Afro-Cubanos, bigband y avant-garde. Aun así resulto de poco interés en aquellos tiempos en que el Rock & Roll ocupaba el centro de atención musical de la mayoría de los jóvenes. En ese mismo año, Sun Ra, con los deberes hechos, contactó fácilmente con el naciente circulo de músicos adscritos al freejazz y se asocio a la "Jazz Composer's Guild" que promovía, Bill Dixon. En ese ambiente tocaba regularmente en el club "Slung's" una vez por semana casi hasta 1972.


Los años setenta, fueron el periodo en el que la "Sun Ra Arkestra", se desplazó por medio mundo ofreciendo conciertos y actuando en distintos festivales. En 1977, Sun Ra y los músicos de su banda, echaron raíces en Philadelphia para convivir en comuna todos ellos hasta que falleció el 30 de mayo de 1993. Sun Ra decía proceder de un planeta desconocido, no reconocía su verdadero nombre ni nada que tuviera que ver con su presencia entre la humanidad; hizo mientras vivió todo lo posible por no formar parte de este planeta del que renegaba, pero Sun Ra, demostró que sabía crear música profundamente humana y apegada a la tierra como pocos.


Manuel Temez (Jazz entre amigos)

miércoles, 21 de mayo de 2014

Horace Silver - Señor Blues (Horace Silver, Blue Mitchell & Junior Cook)





Blue Mitchell fallece el 21 de mayo de 1979

Tras terminar sus estudios, Richard Allen (Blue) Mitchell tocó en bandas de r&b, como la de Paul Williams, Earl Bostic, y Chuck Willis. Regresó a Miami y fue contratado por Cannonball Adderley, con quien grabó para Riverside Records, en Nueva York, en 1958.
Se unió más tarde al quinteto de Horace Silver, donde coincidió con Junior Cook (saxo), Gene Taylor (contrabajo) y Roy Brooks (batería). Mitchell permaneció con Silver hasta que éste deshizo la banda en 1964. Sin embargo, Mitchell mantuvo el grupo, con los mismos músicos, pero con Chick Corea en el piano y Al Foster sustituyendo a Brooks. Grabaron una gran cantidad de registros para Blue Note hasta su separación, en 1969. Después, Mitchel se unió a la banda de Ray Charles, hasta 1971.
Entre 1971 y 1973, Mitchell tocó con John Mayall en su serie de discos y giras Jazz Blues Fusion. Durante los años 1970 trabajó básicamente como músico de sesión, aunque también tocó en la big band de Louie Bellson, y con Bill Holman, Bill Berry, Tony Bennett y Lena Horne. Grabó con Lou Donaldson, Grant Green, Philly Joe Jones, Jackie McLean, Hank Mobley, Johnny Griffin, Al Cohn, Dexter Gordon y Jimmy Smith. Después mantuvo un grupo estable con el saxofonista Harold Land, hasta su muerte por cáncer a la edad de 49 años.

Manuel Temez (Jazz entre amigos)

Fats Waller & His Rhythm Live In 1938





Fats Waller nace el 21 de mayo de 1904
Nacido en el seno de una familia pobre, religiosa y numerosa, el padre de Fats Waller, era predicador evangélico y su madre interprete de piano, y él fue criado entre cánticos, himnos religiosos, la lectura de la Biblia y lecciones de piano. A pesar de los intentos de su padre por alejarlo del jazz, a los quince años ya tocaba el órgano y el piano en un cine de Harlem para acompañar sonoramente las películas. Poco tiempo después, y tras ganar un concurso para pianistas noveles, conoció al gran James P. Johnson, principal representante por la época de la llamada escuela del "Harlem stride piano", que le ofreció su protección y lo acepto como discípulo.
Casado con apenas dieciocho años, ya a esa edad sabía todos los secretos del piano y obtuvo un contrato en el "Leroy's", uno de los mejores clubes de Harlem. En 1924 se graban sus primeras canciones a piano solo y logra su primera composición famosa: "Squezze Me". A partir del gran éxito que obtuvo, su reputación como inagotable, fecundo y magnifico compositor creció hasta ser una de las figuras mas brillantes del panorama musical de Harlem. En la segunda mitad de los años veinte, su actividad musical fue todavía mas intensa, primero en Chicago, donde tocó con la orquesta de Erskine Tate y luego en 1927 escribió la música para la revista musical "Keep Shufflin" donde actuaba a dúo con el gran James P. Johnson. Los organizadores de aquel espectáculo y dado el rotundo éxito le encargaron la música de otro show: "Hot Chocolates", en la que participaría, Louis Armstrong. Dos de aquellas canciones estaban destinadas a ser clásicos absolutos del jazz: "Black and Blue" y "Ain't Misbehavin".
Con la llegada de la Depresión del 29, Fats Waller se marchó a Paris en compañía de su amigo, el compositor, Spencer Williams, para intentar mejorar sus ingresos pero tuvo que pedir dinero prestado para poder pagar su regreso a New York. Las cosas cambiaron casi milagrosamente a su vuelta, dado que le fue ofrecido la realización de una serie de programas de radio de cobertura nacional para la emisora WLW bajo el titulo de "Fats Waller's Rhythm Club". Aquello fue el comienzo de su mas afortunado periodo y las grabaciones de discos, las actuaciones y los conciertos se sucedieron continuamente bajo el nombre de "Fats Waller and his Rhythm", generalmente un quinteto, que entre 1934 y 1943, grabó mas de cuatrocientos temas, en una fertilidad musical absolutamente maravillosa y única en el mundo del jazz. Durante esos extraordinarios años, Waller tocó en salas de concierto, en pequeños locales y tambien en espectáculos de variedades, como miembro de las orquestas de Don Donaldson o Charlie Turner, o rodeado de sus músicos preferidos, el saxofonista, Gene Sedric, el trompetista, Herman Autrey y el guitarrista, Al Casey.
El éxito lo condujo tambien a Hollywood donde participó en varias películas y en 1938 y 1939, a Europa, concretamente a Inglaterra y Escandinavia. En Londres, Fats Waller grabó una famosísima serie de espirituales al órgano para el sello "His Master's Voice" y compuso en pocos días la "London Suite", que consta de seis movimientos dedicados a otros tantos barrios dela capital británica. El 14 de enero de 1942, el guitarrista, Eddie Condon, organizó un concierto en su honor, al que Waller se presentó vestido de frac, pero borracho como una cuba delante de tres mil personas. El concierto fue un desastre y fue el comienzo del fin. Los médicos le aconsejaron que dejara la bebida -siempre tenía en su piano mientras tocaba una botella de whisqi que ineludiblemente apuraba antes de finalizar su actuación- y se sometió aun tratamiento de desintoxicación alcohólica que nunca llegó a funcionar.
En 1943 viajo a Hollywood para participar en la película "Stormy Weather", un musical interpretado solo por negros y producida por la 20Th Century Fox y dirigida por Andrew Stone. Junto a Waller, participaron, Benny Carter, Slam Stewart y Zutty Zingleton. Su papel fue un éxito y con el publico metido en el bolsillo se disponía a pasar las Navidades de ese año en su casa, pero tras un penoso viaje en tren al que se le estropeó la calefacción, una pulmonía acabó con su vida mientras dormía. Tenía tan solo 39 años, y había dejado escritas y grabadas mas de quinientas composiciones.
La herencia musical de Fats Waller es enorme. Compuso cientos de canciones, grabó innumerables discos, divirtió a millones de personas, introdujo el órgano en el jazz, y como pianista, logró conciliar factores opuestos: en su toque, musculoso y viril, su ritmo implacable y sus frases perfectamente definidas hay lugar tambien para la ternura, el sentimiento, la gracia y la delicadeza. Su influencia sobre otros pianistas es notable y muchas generaciones posteriores se basaron en su música para hacer jazz, entre ellos: Count Basie, Art Tatum, Mary Lou Williams, Joe Sullivan o Erroll Garner. América lo presentó siempre como un bufón y es cierto que tras esa mímica sarcástica, tras su gestualidad cómica y alma de clown, había un artista de extraordinario talento.

Manuel Temez (Jazz entre amigos)

martes, 20 de mayo de 2014

Charlie & the Jives - Besame Mucho





Charlie & The Jives


Charlie Alvarado comenzó a tocar el clarinete y el saxofón en la banda de su escuela intermedia. Durante la escuela secundaria tocó para la Johnny Saro Orchestra. Al igual que muchos jóvenes tejanos, después de la secundaria se alistó en la Infantería de Marina. Cuando regresó a San Antonio en 1956, encontró un trabajo tocando tres o cuatro noches a la semana con una banda tejana local de rhythm & blues, llamada Mike & the Bellaires. Hacia 1957, se convirtió en el líder de su propia banda, The Jives, que se hizo famosa a finales de la década de 1950. La banda hasta fue invitada a tocar de fondo para Big Joe Turner en su gira por Texas. A la banda The Jives también se le conocía como la All Nations Band por ser multirracial. Músicos africano-estadounidenses, como Jitterbug Webb y Bobby Taylor, quienes más tarde se trasladaron a Motown, afinaron sus habilidades en este grupo. En los años de 1960, Charlie se fue a Chicago en busca de más oportunidades. Antes de regresar a San Antonio tocó con el guitarrista de blues Eddy Clearwater.




Manuel Temez (Jazz entre amigos)

Louis Smith Quintet 1958 ~ South Side





Feliz cumpleaños para Louis Smith !


El trompetista Louis Smith, nació en Memphis, el 20 de mayo de 1931. Centrado en el Hard bop pero especializado en baladas y estándares, se conocen de él solo dos discos grabados en los años 50, tras lo cual se retiró a enseñar en la Universidad de Míchigan y en el cercano sistema público escolar de Ann Arbor. En los años 70 hizo una breve reaparición musical que tuvo su prolongación a mediados de los años 90, cuando empezó a grabar de nuevo para el sello Steeplechase.


Manuel Temez (Jazz entre amigos)

Sonny Fortune - In the Spirit of John Coltrane -Trane and Things





Sonny Fortune cumple 75 años


Heredero de la corriente Parker-Coltrane, Sonny Fortune, es el creador de un estilo lírico y original característico del jazz de los años ochenta. Cuando se menciona a este magnifico saxofonista, su nombre es asociado con lo mejorcito del saxofón de jazz y sin duda Sonny Fortune, madurará en el futuro todo lo que tiene dentro.

Sus comienzos estuvieron ligados al Rhythm and Blues de los grupos afincados en su ciudad natal de Philadelphia, pero en 1967, John Coltrane, lo escucha y queda seriamente sorprendido por la fuerza, la musicalidad y el virtuosismo de Sonny Fortune. Le anima a trasladarse a New York, donde comienza a trabajar con el grupo de Elvin Jones, sustituyendo en el saxo a Frank Foster. Durante cuatro años toca con el grupo de Mongo Santamaría (1967-1970) y en 1971 entra a formar parte del grupo del maestro del piano, McCoy Tyner, donde permanece hasta 1973. Posteriormente toca efímeramente con la banda del batería, Buddy Rich, hasta que en 1973, Miles Davis, solicita sus servicios realizando giras por todo el mundo junto al genial trompetista hasta 1974.

Con Miles, Sonny Fortune, graba tres discos ("Get Up Whit It" , "Big Fun" y "Agartha") todos ellos para el ello Columbia y partir de ahí Fortune se consolida como uno de los grandes saxofonistas del último cuarto del siglo XX. Decide entonces, con una ganada reputación, iniciar su carrera en solitario y en 1988, realiza una gira por todo el mundo con el "John Coltrane Memorial Group", compartiendo escenario con McCoy Tyner, Elvin Jones, Freddie Hubbard y Reggie Workman.


Manuel Temez (Jazz entre amigos)

Samba Para Bean - Coleman Hawkins





Coleman Hawkins fallece el 19 de mayo de 1969


Coleman Hawkins comenzó a recibir lecciones de piano a los cinco años, cambiándose al violoncelo a los siete y dos años más tarde al saxo tenor. Profesional ya a los doce años, Hawkins tocaba en una orquesta teatral de la ciudad de Kansas en 1921 cuando Mamie Smith lo contrató para tocar con su Jazz Hounds. Hawkins estuvo con la cantante de blues hasta junio de 1923, haciendo muchas grabaciones en un papel secundario. Tras separarse de ella, trabajó de forma independiente por la zona de Nueva York, tocó un tiempo con Wilbur Sweatman, y en agosto de 1923 hizo su primera grabación con Fletcher Henderson. Cuando Henderson formó una orquesta permanente en enero de 1924, Hawkins fue su saxo tenor principal.

Saxo tenor estrella en 1924, manejó también en sus primeros años el clarinete y el saxo bajo. Estuvo con Henderson hasta 1934, etapa en la que acompañó también a varios cantantes de blues, a los Cotton Pickers de McKinney y a Red McKenzie en 1929.

En Manhattan lideró bandas que incluyeron futuras estrellas como Thelonious Monk, Oscar Pettiford, Miles Davis, Max Roach y Dizzy Gillespie. Más tarde grabaría con J. J. Johnson y Fats Navarro. En 1948 Hawkins grabó Picasso, una grabación clave para el saxo sin acompañamiento.

Hawkins tuvo una influencia directa y clara sobre los músicos de bebop, y artistas como Sonny Rollins reconocieron dicha influencia. Asimismo, aparece en la grabación clásica Thelonious Monk with John Coltrane (1957) y en la grabación We Insist! - Freedom Now (1960) de Max Roach.


Manuel Temez (Jazz entre amigos)

Elvin Jones Quartet 1973 - The Children/Merry-Go-Round





Elvin Jones muere el 18 de mayo de 2004


Elvin Ray Jones fue uno de los bateristas de jazz más influyentes de la era post-bop. Empezó a mostrar interés por la percusión a temprana edad, cuando observaba marchar a las bandas de los circos en su ciudad natal. Sirvió en el Ejército de los Estados Unidos entre 1946 y 1949 y posteriormente tocó en una banda de Detroit liderada por Billy Mitchell. Jones se mudó a Nueva York en 1955 y trabajó como sideman para Charles Mingus, Teddy Charles, Bud Powell y Miles Davis.

Desde 1960 hasta 1966, Jones fue miembro del cuarteto de John Coltrane y participó en la grabación de álbumes como A Love Supreme. Luego de su trabajo con Coltrane, Jones lideró varios grupos pequeños, algunos bajo el nombre de The Elvin Jones Jazz Machine. Durante su carrera, Jones grabó con sus dos hermanos, los músicos de jazz Thad Jones y Hank Jones. Al final de su carrera, trabajó con artistas jóvenes de jazz, incluyendo a Bill Frisell.

Jones nació en Pontiac (Míchigan). Desde muy temprana edad sintió fascinación por los tambores. Solía observar las bandas de los circos marchar cerca de su casa cuando era un niño. Guiado por esta pasión, Jones se unió a la banda de marcha de su escuela, donde empezó a desarrollar su conocimiento de los rudimentos. Jones prestó servicio en el Ejército de los Estados Unidos desde 1946 hasta 1949. Regresó a su hogar sin dinero y su hermana le prestó $35 para comprar su primera batería.

Jones inició su carrera profesional en 1949, tocando durante un breve periodo de tiempo en el club Grand River Street de Detroit. Llegó a interpretar con artistas como Charlie Parker, Miles Davis y Wardell Gray. En 1955, luego de una fallida audición para la banda de Benny Goodman, encontró trabajo en Nueva York al unirse a la banda de Charles Mingus, con la cual lanzó el álbum J is for Jazz.

En 1960, Jones se unió al cuarteto de John Coltrane, del cual también eran miembros el bajista Jimmy Garrison y el pianista McCoy Tyner. La agrupación es reconocida por haber redefinido el swing de la misma manera que Louis Armstrong, Charlie Parker y otros lo hicieron en las primeras etapas del desarrollo del jazz. Jones trabajó con Coltrane hasta 1966. Él no se sentía bien con la nueva dirección de Coltrane y su estilo polirrítmico difería del estilo multidireccional del segundo baterista del grupo, Rashied Ali.

Jones continuó trabajando activamente luego de abandonar el grupo de Coltrane y lideró varias bandas a finales de los años 1960 y los años 1970. Una de las más notables fue el trío formado con el saxofonista Joe Farrell y Jimmy Garrison, con quienes grabó el álbum de Blue Note Records Puttin' It Together. Durante este período, Jones grabó gran cantidad de trabajos con Blue Note Records acompañado de artistas prominentes así como de nuevas promesas. En el álbum de dos volúmenes Live At The Lighthouse, Jones trabajó con Steve Grossman y Dave Liebman, quienes tenían 21 y 26 años, respectivamente. Otros músicos que hicieron contribuciones significativas junto con Jones durante este periodo fueron los saxofonistas Pepper Adams, George Coleman y Frank Foster, el trompetista Lee Morgan, el bajista Gene Perla y la agrupación Oregon.

Jones fue nombrado por la revista Life como el "mejor baterista rítmico del mundo". Su estilo fue influyente en varios bateristas de rock, incluyendo a Mitch Mitchell y Ginger Baker. En 1999, Jones trabajó con Our Lady Peace en el álbum Happiness... Is Not a Fish That You Can Catch, en el cual tocó la batería en la canción "Stealing Babies."



Manuel Temez (Jazz entre amigos)