martes, 29 de abril de 2014

Duke Ellington - Bienvenue 1973





Duke Ellington nace el 29 de abril de 1899

Edward Kennedy "Duke" Ellington, nació en el seno de una familia que nunca pasó necesidades económicas ya que su padre era mayordomo de una casa de gente adinerada y su madre procedía de una familia negra acomodada. Recibió además de una excelente educación burguesa un porte de elegancia aristocrática que llevaría durante toda su vida, de ahí el apodo de "Duke" (Duque) que le pusieron sus amigos. Su educación musical empezó con el piano de su madre y aunque recibe clases de dos profesores, todavía tardaría bastante tiempo en aprender a leer música. En 1919 abandona los estudios de diseño y decoración, decide casarse con con una amiga de la infancia y busca en la música su profesión.
Es en 1921 cuando Duke Ellington, forma su primer y propio grupo con músicos locales al que llamaría "The Duke's Serenaders" primero y luego los famosos "The Washingtonians" con Elmer Snowden, como responsable de la banda. En 1923, deciden dar el salto a New York y la experiencia no es muy positiva pero logran tocar durante algunas semanas en la banda de Wilbur Sweatman, que actuaba en el "Lafayette Theatre". Tras algunas idas y venidas de Washington a la Gran Manzana, consiguen un contrato en el club "Hollywood" donde una noche los escucha tocar Bix Beiderbecke quien observa con gran atención el sonido de la sordina "wa-wa" que producen el trompetista, Bubber Miley y el trombonista, Charlie Irvis. Ese particular sonido sería decisivo en la elaboración del discurso musical de Duke Ellington.
En 1924, con los conocimientos musicales muy perfeccionados, la WHN, una emisora de radio local transmite el show desde el Hollywood club que ahora ha cambiado de nombre y se llama "Kentucky Club". la banda comienza a ser conocida y empiezan a salirle contratos en otras ciudades cercanas a New York. Entre 1924 y 1926 se incorporan a la banda músicos decisivos en la orquesta de Ellington, entre ellos, temporalmente el clarinetista, Sidney Bechet y el saxo barítono, Harry Carney, el primer gran especialista de ese instrumento en la historia del jazz y que permanecerá con Ellington toda su vida. Esta es la orquesta que en 1927, con una sólida formación, bien rodada y con sonido propio, daría el gran salto a la fama cuando fueron contratados para tocar en el "Cotton Club" de Harlem, un local regentado por el gangster, Owney Madden, desde 1923 y que se había puesto de moda en New York hasta el punto que era frecuentado por publico exclusivamente blanco, gente de dinero y de la alta sociedad neoyorquina. Allí estuvo cuatro años y cuando salió en 1931, estaba recubierto de gloria.
Entre 1927 y 1945, después de crear para el jazz el "jungle style" Duke Ellington y su orquesta alcanzan en este periodo la cumbre de su madurez artística y creativa. La orquesta de Duke Ellington en los años cuarenta era sin duda la que poseía los mejores solistas y los instrumentistas mas virtuosos de la época y la revista Down Beat le situó en varias ocasiones por refrendo popular por encima incluso de la de Benny Goodman. Tras el declive de las bigbands, Ellington, fue el único líder de orquesta que nunca disolvió la suya. A falta de contratos pagaba a sus músicos con los dineros ingresados por sus derechos de autor y utilizaba su orquesta para componer con ella y oír su música. Pero algunos de sus solistas se marcharon entre finales de la década de los cuarenta y principios de los cincuenta para iniciar sus carreras en solitario. A la marcha de Ben Webster, Barney Bigard, Tizol y otros, se unió una definitiva en 1951, la de su amigo, Johnny Hodges. La prensa que antes no le escatimaba elogios, anunciaba casi a diario la desaparición de la orquesta.
En 1955 vuelve a la banda Johnny Hodges y Ellington respira aliviado y entran en nomina una serie de músicos que darían todavía mucho juego al sonido Ellington. Entre las incorporaciones mas sonadas, están los saxofonistas, Paul Gonsalves y Jimmy Hamilton, el clarinetista, Russell Procope, el trombonista, Quenti Jackson, y los trompetistas, Cat Anderson y Clark Terry. Con estos músicos y cierto escepticismo, Ellington es invitado a actuar en el Festival de Jazz de Newport de 1956. Lo que pasó aquella noche está escrito en los anales del jazz. Duke Ellington, sacó de su chistera creativa dos temas compuestos en 1937, "Diminuendo in Blue" y "Crescendo in blue" y decidió encima del escenario servirlos unidos, separándolos simplemente con un interludio a cargo de Gonsalves. Y ahí se produjo el milagro. Los arrolladores veintisiete "chorus" seguidos de jazz puro y duro que improvisó el saxofonista, empujado por una rítmica ejemplar le dieron la vuelta al historia. Las sillas volaban por encima de las cabezas de los atónitos y rugientes espectadores y a la mañana siguiente toda la prensa anunciaba en grandes titulares "Ellington ha vuelto"
A partir de ahí comenzaron las giras, los conciertos por todo el mundo, los discos grabados y en los últimos diez años de su vida se dedico a componer suites y conciertos sacros y su vida se apagó cuando el 24 de mayo de 1974 un cáncer terminó con su vida. Ellington ocupa para siempre, el trono de los mas grandes creadores del jazz junto a Louis Armstrong y Charlie Parker, y es sin duda alguna uno de los mas grandes compositores del Siglo XX cualquiera que sea la música que se considere y su legado es una herencia cultural que permanecerá siempre entre nosotros.

Manuel Temez (Jazz entre amigos)

lunes, 28 de abril de 2014

"Django"(John Lewis),Modern Jazz Quartet in London





Percy Heath nace el 30 de abril de 1923
Percy Heath se crio en Filadelfia (Pensilvania). Su padre era clarinetista, y su madre cantaba en el coro de la iglesia.
En 1944, ingresó en el ejército estadounidense, y lo destinaron al cuerpo de Tuskegee Airmen, aunque nunca llegaría a entrar en combate.
Después de la guerra, decidió dedicarse de forma profesional a la música, por lo que se compró un contrabajo y se unió a la Granoff School of Music de Filadelfia, fundada por la inmigrante ucraniana Isadore Granoff (1902 - 2000). Al poco tiempo, Percy Heath tocaba en los clubs de jazz de la ciudad.
Grabó en Chicago en 1948 junto a su hermano un álbum para Milt Jackson como miembros del sexteto del trompetista Howard McGhee (1918 - 1987). Después de mudarse a Nueva York a finales de los años 1940, Percy y Jimmy Heath comenzaron a tocar con bandas de Dizzy Gillespie. En esta época, Percy también fue miembro de la banda del trompetista Joe Morris (1922 - 1958), junto a Johnny Griffin.
Algunos miembros de la orquesta de Gillespie, como el pianista John Lewis, el baterista Kenny Clarke, Milt Jackson y el contrabajista Ray Brown, al marcharse de ella decidieron montar una banda; ya habían empezado a ser conocidos por sus interludios durante las actuaciones de la banda de Gillespie, que, como se dice en Allmusic, servían para que descansara el resto de la orquesta. La nueva banda se llamaría Modern Jazz Quartet. Cuando Brown dejó el cuarteto para unirse a la banda de su esposa Ella Fitzgerald, fue reemplazado por Heath, y la banda dio comienzo oficialmente en 1952, y Connie Kay (1927 - 1994) sustituiría a Clarke poco después. El Modern Jazz Quartet tocó de forma regular hasta su disolución en 1974; la banda se volvió a unir en 1981, y grabó por última vez en 1993.
En 1975, Percy Heath y sus hermanos formaron el grupo Heath Brothers junto al pianista Stanley Cowell. A menudo, Percy tocaba el violonchelo en lugar del contrabajo.
En el 2003, a los 81 años de edad, lanzó su primer disco como líder de banda con la casa de discos Daddy Jazz. El álbum, titulado A Love Song, recibió muy buenas críticas. Su hermano Albert Heath tocó la batería en el disco, junto al contrabajista Peter Washington (n. 1964) y el pianista Jeb Patton.
Percy Heath murió de un cáncer de huesos dos días antes de cumplir los 82 años de edad.
Manuel Temez (Jazz entre amigos)

Mario Bauza & His Afro-Cuban Jazz Orchestra - Leverkusener Jazztage 1992





Mario Bauzá nació en Cuba y fue un niño prodigio en el clarinete. Tocó con la Orquesta Filarmónica de La Habana cuando sólo tenía nueve años de edad y también interpretó con otras bandas populares de música bailable.
Bauzá viajó a Nueva York por primera vez para una sesión de grabación en 1925, y en 1930 regresó allí para tocar la trompeta con el director de orquesta cubano, Don Aspiazu. Se dice que aprendió a tocar la trompeta en sólo unas semanas para poder conseguir el trabajo con Aspiazu.
En Nueva York, Bauzá atrajo la atención de los músicos de jazz y pronto obtuvo trabajo con bandas de jazz locales, como las de Noble Sissle, Chick Webb, Fletcher Henderson y Cab Calloway, tocando el saxofón y la trompeta. Bauzá ayudó al trompetista Dizzy Gillespie a conseguir un trabajo con la banda de Cab Calloway y ambos músicos iniciaron una gran amistad. Bauzá recomendó que Gillespie reclutara al percusionista cubano Chano Pozo para su propia banda y los tres colaboraron para desarrollar un estilo musical conocido como “cubop”, música afrocubana mezclada con bebop.
Bauzá es mejor conocido por su trabajo con Machito and his Afro-Cubans, una orquesta dirigida por su cuñado, Frank “Machito” Grillo. Como su director musical desde 1941 hasta 1976, Bauzá les ayudó a crear una síntesis única de jazz y música afrocubana de baile. Bauzá compuso e hizo los arreglos de “Tanga”, uno de los más grandes éxitos de Machito.
Mario Bauzá continuó interpretando y arreglando, así como dirigiendo y asesorando a una generación de músicos jóvenes, hasta su muerte en 1993.

Manuel Temez (Jazz entre amigos)

sábado, 26 de abril de 2014

Teddy Edwards Quartet - Yesterdays





Teddy Edwards nace el 26 de abril de 1924


Theodore Marcus Edwards se trasladó a Detroit a los 16 años, después de haber tocado son diversos grupos locales. Allí colabora con Sonny Stitt y Wardell Gray. Muy viajero, toca con bandas de blues del medio oeste, hasta que se incorpora a la orquesta de Howard McGhee, donde coincide con Charlie Parker. En 1947 graba con Dexter Gordon el famoso Blues in Teddy's flat y, tras pasar por varias bandas, se convierte en el saxofonista del quinteto de Clifford Brown y Max Roach.
Durante la década de los '50, toca con su propio cuarteto, dentro de la escena del West Coast jazz, incorporándose en 1961 a la big band de Gerald Wilson, dedicándose a partir de entonces, con preferencia, a la composición y los arreglos. A partir de los años '80, colabora asiduamente con el cantante Tom Waits.


Manuel Temez - Jazz entre amigos

Gertrude 'Ma' Rainey - Black Eye Blues 1





Ma Rainey nace el 26 de abril de 1886


La reconocida "Madre del Blues", Gertrude "Ma" Rainey, no pudo entrar en los estudios de grabación hasta 1923, pero ya a los catorce años actuaba en público. En 1904 se casó con el actor y bailarín, Will Pa Rainey, montando juntos un espectáculo de danza y canto bajo la denominación de "Rainey & Rainey: The Assassinators of the Blues". Con su marido trabajó incesantemente en espectáculos itinerantes con diversas denominaciones: "Rabbit Foot Minstrel" o el "Tolliver's Circus Ma Rainey" conquistando por donde actuaba un enorme prestigio como cantante de blues entre la población. En una de esas actuaciones, conoció a la gran Bessie Smith, que era diez años menor que ella.

A partir de 1909, un empresario blanco, Anselmo Barrasso, había organizado el circuito TOBA (Theater Owners Booking Association), una extensa red por todo el país de teatros, salas de fiestas, carpas de circo y lugares diversos destinadas a la diversión del publico de color dado que la segregación racial en América prohibía a los negros asistir a cualquier tipo de espectáculos juntos a la raza blanca. Precisamente la dureza de ese circuito para los artistas y las humillantes condiciones de trabajo y salario en la que se desenvolvían, hizo que el pueblo alterase sabiamente el significado de esas siglas racistas. Y así para el músico de color, TOBA, significaba (Tough On Black Asses) que traducido al castellano significaba "Duro con los culos negros".

Ya próxima a la cuarentena, y probablemente cuando ya no se encontraba en si mejor momento, Ma Rainey tuvo su primera oportunidad de entrar en un estudio de grabación en 1923, donde la cantante pudo durante cinco años (1923-1928) grabar mas de noventa blues, la mayoría propios, utilizando todo tipo de acompañamientos, generalmente bajo el nombre de "Georgia Jazz Band". En la sesión inaugural de 1923, grabada sin procedimientos eléctricos dada la actitud de la casa Paramount, que no los utilizo hasta bien entrado 1927, cantó con la pianista, Lovie Austin y sus Blues Serenaders, y con el cornetista, Tommy Ladnier, particularmente inspirado en "Southern Blues", típico del doble sentido sexual de muchas de sus composiciones. En 1924, graba el celebérrimo, "See See Rider" y "Jelly Bean Blues" dos de sus blues mas conseguidos con el pianista Fletcher Henderson y su orquesta, entre los que se encontraba, un joven cornetista, llamado Louis Armstrong.

Su ciclo de grabaciones conocidas, se cerraba a finales de 1928 con sus duetos con Papa Charlie Jackson y aunque siguió trabajando y cantando hasta 1935 en algunos pequeños clubes, teatros y salas de espectáculos en Georgia, falleció en 1939. Gertrudi Ma Rainey, era menos variada, tanto en expresión como en repertorio, que Bessie Smith, y en su canto está reflejado por la tonalidad pesada y trágica de su voz, la unidad entre el sonido, las palabras y su significado, el blues primitivo en toda su autenticidad y belleza.


Manuel Temez - Jazz entre amigos

DEXTER GORDON - Body and Soul





Aniversario de la muerte de Dexter Gordon


Dexter Gordon fallecía el 25 de abril de 1990 a los 67 años por un problema renal.

"Yo soy Desiderio, nunca triste, siempre contento", era su frase preferida en un primitivo español aprendido durante su juventud en Los Ángeles. La pronunciaba lentamente, extendiendo sus larguísimos brazos y acercando sus manazas mientras clavaba sus penetrantes ojos azules y sonreía con la sonrisa del que ya lo ha vivido casi todo. El gigantón californiano inclinaba la cabeza y ofrecía su viejo y ajado saxo tenor en señal de sumisión. Sumisión a un público y a una música a los que había entregado toda su vida, desde los momentos más felices a los más dramáticos.Dexter Gordon no sólo ha sido uno de los músicos más importantes del jazz de todos los tiempos, un saxofonista que ha jugado un papel indiscutible en toda la evolución de la música contemporánea. Dexter Gordon ha sido bastante más que eso, el hombre que mejor ha trascendido las barreras de la música para presentar el lado humano del jazz, de todo músico de jazz. Su papel de Dale Arden en la película Round midnight (Alrededor de la medianoche), del francés Bertrand Tavernier, ha pasado ya a los anales cinematográficos como un alarde de sinceridad ante la pantalla. Dale no era Dexter ni Dester era Dale, pero se parecían como dos gotas de agua. Round midnight quedará como el mejor documento filmado sobre el jazz, el más profundo y el más honesto, y una gran parte de esa honestidad se deberá, sin duda, a la presencia de Gordon. Un Gordon que llegaba al cine tras casi 50 años de vida profesional en el jazz.

Dexter Keith Gordon había nacido en Los Ángeles el 27 de febrero de 1923, hijo de un médico que contaba entre sus clientes con Duke Ellington y Lionel Hampton. Hampton fue precisamente su primer patrón cuando Dexter tenía 17 años. Después se codearía con la flor y nata del jazz clásico, incluyendo seis meses en la banda de Louis Armstrong, hasta entrar en contacto con los jóvenes músicos que estaban creando el naciente be bop. Dexter se convertiría en el primer saxo tenor del nuevo movimiento, junto a Charlie Parker y Dizzy Gillespie, y comenzaría a influir decisivamente en tipos como Sonny Rollings o John Coltrane. Tras diferentes problemas con la justicia, que acabarían con varios encarcelamientos, Gordon se instalaría en Europa en 1962. Durante sus años europeos, el pianista de su grupo fue casualmente Tete Montoliu. En 1976, Dexter regresaría a Nueva York, recuperando éxitos pasados, pero su precaria salud le obligaría a frecuentes desapariciones, hasta que, en 1986, la película de Tavernier le convertiría en un personaje admirado por aficionados al jazz y también por los que no lo son.

En su última visita a tierras españolas, el grandullón californiano, en la pista del velódromo Anoeta donostiarra, volvió a abrir sus amplios brazos, inclinar la cabeza, y de sus ojos azules brotó una lágrima; Desiderio era consciente de estar haciendo su última gran gira. Después su salud le mantuvo apartado de los escenarios.


Manuel Temez - Jazz entre amigos

Ella Fitzgerald - Mack The Knife (1960)





Ella Fitzgerald nace el 25 de abril de 1917


Ella Jane Fitzgerald, nacida en Newport New (Virginia), comenzó musicalmente su andadura el 21 de noviembre de 1934, cuando animada por su madre, se presenta a concursar como bailarina en el célebre concurso "Amateur Night Show" que semanalmente organizaba el Theatre Apollo de Harlem. cuando le toca salir a escena, paralizada por el miedo, opta por ponerse a cantar. Todos los presentes quedaron entusiasmados por esa joven de 16 años que canta con naturalidad, frescura, y además con un sentido del ritmo envidiable. Su actuación es una autentico triunfo, se lleva el primer premio y tiene la suerte de que entre los presentes aquella noche en el Apollo, estaba el arreglista y saxofonista alto, Benny Carter.

Impresionado por aquella niña, Carter intenta convencer primero a Benny Goodman, y luego a Fletcher Henderson, para que la contraten en su orquesta. Por fin, es el "jorobado", Chick Web, quien se decide a contratarla. A partir de ahí, Ella Fitzgerald, se convirtió en la cantante habitual de la gran orquesta de Chick Web. A la muerte de aquél, Ella Fitzgerald decidió quedarse en la orquesta y a partir de entonces, aquella bigband, se denominó, "La gran orquesta de Ella Fitzgerald". En 1942, cansada del trabajo que suponía dirigir la orquesta y cantar diariamente, disuelve la formación.

Su camino se cruza con Louis Armstrong, con quien grabará unos discos memorables, y de donde aprende el difícil arte del "scat", dejando muestras imperecederas de ese arte en temas como: "Lady Be Good", "How High The Moon" o su primera versión de "Flying Home". A partir de 1949, entra en contacto con Norman Granz, un empresario amante del jazz y que organiza por todo el mundo las famosa giras conocidas como el "J.A.T.P". Con la "Jazz At The Philharmonic", actúa con los mas grandes instrumentistas del jazz en todo el mundo y logra que toda la critica le reconozca con el titulo que ya siempre le acompañó: "First Lady Of Song" (Primera Dama de la canción). Firma en 1956, un contrato con el sello Verve que la hará todavía mas popular si cabe.

Sus encuentros con músicos de jazz, dieron lugar a discos y grabaciones memorables. Las colaboraciones de Ella Fitzgerald, con las orquestas de Duke Ellington, o Count Basie, los tres discos que grabó con Louis Armstrong, o sus álbumes con Oscar Peterson, Tommy Flanagan, o Jimmy Rowles, acompañada por su trío habitual, son autenticas obras de arte. Pero sin lugar a dudas, el legado musical de Ella Fitzgerald, está contenido en los discos titulados genéricamente como "Song Books"

Los "Song Books" de Ella Fitzgerald, fueron grabados a lo largo de ocho fructíferos años. Los libros de música, fueron dedicados a: Cole Porter (1956); Rodgers & Hart (1956); Duke Ellington (1957); Irving Berlin (1958); los hermanos, Gershwin (1959); Harold Arlen (1961); Jerome Kern (1963) y Johnny Mercer (1964).

Ella Fitzgerald visitó España varias veces. La última de ellas fue en el verano de 1983 durante los festivales de jazz de Vitoria y de Palma de Mallorca respectivamente y de nuevo acompañada por su trío con el guitarrista, Joe Pass de invitado, ofreció un repertorio cuidadosamente escogido y manejado con la pericia de una cantante de sesenta y seis años de edad. En toda la historia del jazz, no ha existido una vocalista femenina que haya podido exhibir una "hoja de servicios" como la de Ella Fitzgerald. Cantante insuperable de bigband, se encuentra igualmente a sus anchas en un contexto musical mas reducido, en directo o en pequeños clubes, en trío con el clásico formato de piano, contrabajo y batería y ser además la mejor interprete de standars, baladas, blues, canciones infantiles o incluso de bossa-nova.

Todos esos momentos mágicos constituyen un monumento artístico del jazz vocal y forman parte del legado musical de una de las mas grandes cantantes de jazz, que sin duda han dado la historia. El propio, Duke Ellington, en su majestuoso "Portrait of Ella Fitzgerald" retrato musical de la cantante, tituló uno de ellos con dos palabras que definen perfectamente el arte de esta mujer excepcional: "....Ella Fitzgerald está más allá de cualquier categoría".

Ella Fitzgerald, falleció el 15 de junio de 1996. Su muerte, a pesar de ser esperada tras una larga enfermedad, dejó al mundo del jazz paralizado y conmovido. Con su desaparición física, se iba una cantante de jazz inigualable. Nunca nadie superó a Ella, en un escenario, ni habrá nunca, una cantante de jazz que cante el "scat" como ella. Su música, su voz aniñada, su vitalidad, y su capacidad para cantar swing, permanece eternamente entre nosotros.


Manuel Temez - Jazz entre amigos

Johnny Griffin - Arthur Taylor - René Urtreger (French TV 1971)





Johnny Griffin nace el 24 de abril de 1928


Apodado "Little Giant" por su corta estatura, Johnny Griffin, era uno de los últimos grandes creadores y exponentes del hard-bop. Nació en Chicago, uno de los centros urbanos mas importantes del blues y también del gospel, dos raíces musicales que marcaran beneficiosamente a Griffin durante sus años de formación. De madre cantante y padre cornetista, estudio muy pronto obóe, clarinete y saxofón alto y tenor en la famosa "Dusable High School" de su ciudad natal como alumno del no menos famoso Captain Walter Dyett, director musical de la escuela.

Su estreno musical le llegó a los 17 años cuando recién graduado se vio contratado gracias a su magnifica reputación por la banda de Lionel Hampton. Se unió a ellos en la primera gala de la gira en Toledo (Ohio) y ahí permaneció dos largos y fructíferos años. Regresó a Chicago en 1947 y codirigirá junto al trompetista, Joe Morris, un sexteto por cuya sección rítmica pasaron dos pesos pesados del jazz: el contrabajista, Percy Heath y el baterista, Philly Joe Jones. Llega la guerra de Corea y Griffin es movilizado y destinado a Hawai donde pasara dos años ( 1951-1953) tocando en la banda militar de la compañía.

Ya licenciado vuelve a su ciudad natal donde un buen día de 1956, aparece por allí el pianista Thelonious Monk, para cumplir un contrato de 15 días en el club "Bee Hive". Griffin es seleccionado de entre los músicos locales para tocar junto a Monk y a la vuelta el pianista habla maravillas de aquel saxo tenor de Chicago a su compañía discográfica por entonces, la Blue Note quienes tras una primera escucha lo contrata y un mes después graba el primer disco a su nombre: "Chicago Calling" todo un monumento del mejor hard bop de la época. Las cosas empiezan a suceder deprisa y Art Blakey, lo contrata para uno de sus Messengers y grabará con ellos tres álbumes, entre ellos uno con Monk al piano. Otra vez Monk se cruza en su camino y lo llama al año siguiente para sustituir nada mas y nada menos que a John Coltrane, en su cuarteto para grabar en el club "Five Spot" en 1958 y grabadas para Riverside bajo el titulo de "Misterioso".

En 1960 lo contrata su colega Eddie "Lockjaw" Davis, que le propone formar un grupo con dos saxos tenores y sección rítmica. La formula es todo un acierto y el éxito les acompaña desde el principio -graba ocho discos en dos años- pero la situación fiscalmente se tuerce y Johnny Griffin, decide irse a Europa harto de soportar las presiones del fisco americano. Griffin recorre Europa de cabo a rabo pero termina instalándose en Francia donde colabora entre 1962 y 1973 con la extraordinaria institución musical que fue la bigband de Kenny Clarke y Francy Boland. En el 1970 se traslada a vivir a Holanda donde se compra una granja y alterna las grabaciones y actuaciones con el cuidado de la misma. Visita España al final de la década de los setenta donde toca con el pianista, Tete Montoliu, y realiza anualmente un viaje a su patria para no ser olvidado. Falleció en julio de 2008 a los 80 años en un pueblo del centro de Francia, donde vivía autoexiliado desde 1963.

Manuel Temez - Jazz entre amigos

Joe Henderson Trio - Body & Soul [1993]





Joe Henderson nace el 24 de abril de 1937 


Quizás sea el saxofonista tenor mas importante del jazz surgido tras la estela de John Coltrane y Sonny Rollins. Durante su juventud, el saxofonista mantuvo una actividad constante y de resultados brillantes en formaciones y grupos muy sólidos y diversos como cuando estuvo con el pianista, Herbie Hancock, o Donald Byrd. Su estilo, elegante y discreto y sus estudios en el "Kentucky State College" y en la "Wayne State University", sirvieron para modelar a un músico que estaría destinado a ser alguien importante en la escena del jazz.

Pocos músicos de jazz podrán esgrimir una carta de presentación tan rotunda y de tanta calidad como cuando Joe Henderson se metió en los estudios de grabación para grabar en el sello Blue Note una obra maestra de jazz imperecedera como fue el titulo de su primer álbum titulado significativamente "Page One". Apenas dos meses antes de esa histórica grabación, Joe Henderson había entrado por primera vez en una sala de grabación para acompañar al gran trompetista, Kenny Dorham -que posteriormente lo incorporaría a su grupo durante dos años, 1962 y 1963- en su álbum titulado "One More Time". Poco después también grabó con el guitarrista, Grant Green una sesión que dio como resultado el disco "Am i Blue".

La participación de Henderson no pasó inadvertida para los directores musicales de Blue Note y rápidamente paso a engrosar la nomina de artistas del exquisito sello azul. En Blue Note grabó junto a Lee Morgan, Horace Silver (estuvo dos años en su grupo entre 1964 y 1966), Freddie Hubbard o McCoy Tyner, infinidad de excelentes discos y eso le abrió las puertas para lo que vendría después. En 1967, dejó la Blue Note y ficho por el sello "Milestone" donde debutó con un disco excelente titulado "The Kicker". Su carrera es imparable y se convierte en uno de los pocos instrumentistas del jazz que pudo escoger su propio destino y grabaría decenas de buenos discos con varios sellos discográficos.

En 1985, vuelve nuevamente a grabar para la Blue Note para editar un gran álbum doble grabado en directo en el Village Vanguard de New York titulado: "The State of the Tenor" . En 1991 es con el sello Verve donde graba un disco enorme dedicado a la música de Billy Strayhorn titulado "Lush Life" y con el que ganó por primera vez un premio Grammy. Al año siguiente vuelve a grabar otra obra maestra dedicada en esta ocasión a la música de Miles Davis, titulado: "So Near, So Far" con el que consigue dos premios Grammy mas.

Casi al final de su carrera y coincidiendo con la muerte del gran guitarrista y compositor, Antonio Carlos Jobim, sacó al mercado para el sello Verve, el álbum titulado "Double Rainbow" un monumento a la fusión entre el jazz y la música brasileña.

Joe Henderson, murió el 30 de junio de 2001 con su último álbum todavía caliente en la calle y que se tituló: "Porgy and Bess". Cuando murió era el saxofonista de jazz vivo mas importante junto al gran Sonny Rollins. Fue un músico sincero, honrado y dotado de una maestría indiscutible.

Charles Mingus Sextet feat. Eric Dolphy - Take the "A" Train [complete]





Charles Mingus nace el 22 de abril de 1922 


Resulta materialmente imposible encajar la figura de Charles Mingus en escuela o corriente estilística alguna. Su propia autobiografía comenzaba con una lapidaria frase: "... yo soy tres".

Charles Mingus, nació tal día como hoy de hace 92 años en Nogales, Arizona, muy cerca de la frontera con México. Sus abuelos maternos poseían nacionalidades chinas y británicas mientras que los paternos eran de origen sueco y afroamericano respectivamente. Criado en un entorno familiar muy severo y racista, sus primeros contactos con la música se produjeron en la Iglesia de Holiness Church, un suburbio negro de Los Ángeles adonde su familia se había trasladado. Con un magnifico oído, escogió el trombón como primer instrumento en su carrera, pero la afortunada -para el jazz- incompetencia de su profesor, hizo que desviara la atención hacia el chelo. Un amigo suyo, conocedor de las ideas antirracistas de Mingus, le advirtió que estaba ensayando con un instrumento mas propio de blancos que de negros. Mingus se entregó a partir de ahí al estudio del contrabajo.

Escuchando a Duke Ellington, descubrió que había otra música mas allá de los muros de la iglesia y tomó lecciones de Red Callender, un magnifico contrabajista de la era del swing. En 1940, obtuvo su primer trabajo serio con el batería de jazz, Lee Young, hermano de Lester y consiguió algunas actuaciones con Barney Bigard y Louis Armstrong en 1942. Conoció al vibrafonista, Red Norvo y ello le dio alas para dirigirse a New York, en una época en que la Gran Manzana era un hervidero musical de nuevas ideas.

Allí conoció los círculos musicales del bebop y Charlie Parker, cuando lo escuchó por primera vez, lo animó a perseverar en su música. En 1952, fundo su propio sello discográfico "Debut", y su primera grabación fue el excepcional concierto de 1953 en Toronto en el Massey Hall, considerado como el canto del cisne del bebop. A partir de ahí, comenzó su periplo musical como líder y grabó en 1956 para el sello Atlantic, su primera obra maestra: "Pithecanthropus Erectus" dando comienzo a una carrera musical impresionante jalonada con discos, grabaciones en directo y conciertos absolutamente magistrales.

Entre finales de los cincuenta y principios de los sesenta, Mingus grabó el cuerpo de su obra discográfica mas importante y entre ellas hay sin duda, varias obras maestras repartidas entre distintas casas discográficas: "The Clown" (Atlantic, 1957); "New Tijuana Moods" (RCA, 1957); "Mingus Ah Um" (Columbia, 1959); "Blues & Roots" (Rhino, 1959); "Mingus at Antibes" (Atlantic, 1960); "Charles Mingus Present Charlie Mingus" (Candid, 1960) o el considerado por muchos críticos, su obra maestra absoluta "The Black Saint and the Sinner Lady" (Impulse, 1963) y entre esos discos, pequeñas joyas que se han convertido con el transcurrir del tiempo en grandes estándares del jazz como "Goodbye Pork Pie Hat" un hermosísimo homenaje a Lester Young, o "Better Git It In Your Soul".

Charles Mingus, fue sin duda, un genio de la música y del jazz moderno. Su aportación al desarrollo del jazz fue extraordinaria y es considerado uno de los grandes compositores del siglo XX.


Manuel Temez - Jazz entre amigos

Squirrel - Charlie Parker & Chet Baker





Charlie Parker y Chet Baker

En el verano de 1952 Charlie Parker evadiendose de sus grandes problemas personales decidió marcharse algún tiempo a Los Angeles, por aquellos años la costa oeste estaba repleta de locales de Jazz, ya que éste fenómeno musical vivía su máximo explendor por aquellas tierras californianas, pero Parker tenía un problema, le faltaba un buen trompetista para su banda. Por aquellos momentos Chet Baker era un desconocido recien licenciado del servicio militar.
Un día Chet recibió un telegrama en el que se le comunicaba que Charlie Parker estaba haciendo audiciones para conseguir un trompetista en el Tiffany Club, Chet fué corriendo y cuando llegó se encontró en pleno casting a todos los trompetistas de los Angeles, pero cuando comenzó su turno Bird paró la audición y lo contrató al vuelo.
Charlie Parker quedó tan impresionado por el joven Baker que telefoneó tanto a Miles Davis como a Dizzy Gillespie y les dijo:
Les cuento que hay por aquí un tipo blanco que os va a dar mucha guerra.


Manuel Temez - Jazz entre amigos

Lionel Hampton and His Orchestra - Midnight Sun - Legends In Concert





Lionel Hampton nace el 20 de abril de 1908 


Lionel Leo Hampton demostró a lo largo de ocho décadas, ser un verdadero grande del jazz, un músico excepcional dotado de una arrolladora energía para convertir en swing todo lo que su mente creaba. Preñado de vitalidad, con un espíritu siempre inquieto y creativo, elegante y vigoroso al mismo tiempo, Lionel Hampton, fue mientras vivió un músico de extraordinaria calidad.

Además su legado al jazz es imperecedero. Fue el primero en aportar a esta música de un nuevo instrumento nunca usado en el jazz antes de que el lo hiciera y este instrumento fue el vibráfono. Su juventud no fue lo apacible que él hubiera querido y después de deambular junto a su familia por varias ciudades, llegó a Chicago en 1916 y su instrumento entonces era la batería. En la ciudad del viento, se integró en la banda de Jimmy Bertrand, denominada: "Chicago Defender Newsboy's Band". Profundizó su interés por el jazz y por la música y comenzó a trabajar en varias locales de segunda categoría y en bandas de escaso renombre como la de Curtis Mosby o Paul Howard pero le sirvieron para ganar experiencia y madurez.

Con esta última formación se trasladó a California en 1928 y allí se unió a la formación de Les Hite, durante el tiempo que esta banda actuaba de telonera de la orquesta del gran Louis Armstrong en Los Ángeles. Fue en uno de esos encuentros con Louis Armstrong, cuando este le animó a que tocara en uno de sus conciertos el vibráfono y desde entonces y dado el gran éxito que tuvo, Hampton, abandonó para siempre la batería y adopto el vibráfono, el instrumento con el que pasaría a la historia del jazz.

En el verano de 1936, el recientemente proclamado "Rey del swing", el clarinetista y director de orquesta, Benny Goodman, presenció una actuación en directo de la banda de Hampton en un local de Los Ángeles y le convenció para que se uniera al pequeño grupo que había formado. Hampton formó desde entonces en las históricas formaciones en trío y cuarteto de Benny Goodman, junto al pianista, Teddy Wilson y el batería, Gene Krupa, que Goodman inmortalizó en sus conciertos en directo , en las emisoras de radio y en las giras por todos los Estados Unidos. Con Goodman estuvo cuatro años hasta que decidió, ya con un reconocimiento internacional por su música, formar su propia banda de jazz, una formación que siempre estuvo entre las mejores de su tiempo y por la que pasaron enormes instrumentistas que hicieron historia a lo largo del tiempo: Clifford Brown, Charles Mingus, Dinah Washington, Illinois Jacquet o Dexter Gordon, entre otros.

Su banda se mantuvo unida y en activo a lo largo de varias generaciones, sus visitas y giras por los festivales y clubes de jazz de todo el mundo eran siempre garantía de éxito y de swing y tiene el honor de haber sido la orquesta de jazz que ha permanecido mas tiempo en activo de toda la historia del jazz. Desde el punto de vista de la música, son imperecederos algunos temas que se han convertido en standars clásicos de esta música y cabe destacar: "Flyng Home" "Hots Mallets" o "Hamp's Boogie Woogie".

Lionel Hampton, falleció a finales del verano de 2002, y con él se fue uno de los grandes creadores del jazz de todos los tiempos.


Manuel Temez - Jazz entre amigos

Paco de Lucía & Pedro Iturralde - Bulerías





Pedro Iturralde "Jazz Flamenco " 1974



En nuestro país, Pedro Iturralde es el impulsor del jazz-flamenco durante los sesenta, aflamencadas; así dejó registrados tres elepés de fusión en los 60. El primero, "Flamenco-jazz", parte de una serie que el sello alemán MPS tituló "jazz meet the world", encuentros del jazzmen con músicos de la India, Túnez, lndonesia, Japón, Argentina y España. En realidad es el fruto de una doble invitación durante 1967, cuando Iturralde contaba con 38 años, de participar en el Festival de jazz de Berlín -en el día de fusión de jazz con otras culturas- y la grabación de un LP; el productor alemán J. E. Berendt sugirió que junto a su quinteto dispusiera un guitarrista flamenco, que finalmente sería Paco de Algeciras, después De Lucía.

El disco fue grabado en 1967 pero no se publicó en España, por problemas legales, hasta 1974. En él reestructura y rearmoniza algunos temas andaluces, sobre todo los recogidos por Carcía Lorca; contiene dos largas piezas de casi 15 minutos, "Veleta de tu viento" (variaciones sobre soleares) y "El Vito", además de dos adaptaciones más cortas de canciones de Falla, tomadas de "El amor brujo", donde Paco intercala toques puros.

"Para este encuentro deliberadamente escoge temas neutros", escribe Olaf Hudtwaicker en las notas de la carátula. "lturralde arregló las selecciones para acoplarlas a la guitarra flamenca no únicamente para servir de soporte expositivo de los temas y falsetas al modo de los jazz breaks, sino también para servir a la improvisación".

Poco después graba "jazz flamenco!" (la primera cara con Paco de Antequera a la guitarra flamenca y la segunda con el de Algeciras) siguiendo las directrices del disco anterior; por ejemplo, "Café de Chinitas" lleva una introducción de la guitarra por peteneras, el grupo sigue en aparente improvisación, y se remata con la guitarra por soleá. Así acaba el disco, con la guitarra y el saxo imitando el cante por soleá.

En 1968 lanza "jazz flamenco, 2", también en Hispavox y con Paco de Lucía. En los tres elepés figuran buenos jazzmen, y llama la atención su distinta procedencia dentro de Europa: Dino Piana (trombón, italiano), Paul Grassi (piano, alemán), Eric Peter (contrabajo, suizo) y Peer Wyboris (batería, finlandés).

lunes, 21 de abril de 2014

Miles Davis - Blue Moods [full album][HQ]





Miles Davis grabó Blue Moods en 1955, álbum espectacular que contó con la colaboración de Charles Mingus, uno de los músicos mas influyentes del jazz contemporaneo que sería clave para el desarrollo del emergente hard bop. El álbum, de solo cuatro piezas, resultó ser una obra cálida interpretada con gran creatividad. Para ello, Miles utilizó la sensualidad del vibráfono -interpretado por Teddy Charles-, el dinamismo acuciante de Mingus y la proeza interpretativa del muy joven Elvin Jones, quién ofrecía ya gran parte de su calidad interpretativa en los “cuatros”, marcados y sincopados, desarrollados en uno de los temas insignia, “There’s No You”, y que luego serían paradigma de la batería moderna, a ello, se sumaba el trombón de Britt Woodman. Una formación -trompeta y trombón- que hacía las delicias del oyente. Tambien cabe destacar en el álbum uno de los temas más bellos grabados por el trompetista: “Easy Living”, una balada donde la trompeta aterciopelada a la vez que rota de Davis conseguía transmitir un ambiente cálido -casi mortecino-, impregnado de una atmósfera de paz y tranquilidad desmesuradas. Una auténtica joya musical de la cual, por otro lado, Miles no llegó a estar del todo satisfecho.

Squirrel - Charlie Parker & Chet Baker





Charlie Parker y Chet Baker

En el verano de 1952 Charlie Parker evadiendose de sus grandes problemas personales decidió marcharse algún tiempo a Los Angeles, por aquellos años la costa oeste estaba repleta de locales de Jazz, ya que éste fenómeno musical vivía su máximo explendor por aquellas tierras californianas, pero Parker tenía un problema, le faltaba un buen trompetista para su banda. Por aquellos momentos Chet Baker era un desconocido recien licenciado del servicio militar.
Un día Chet recibió un telegrama en el que se le comunicaba que Charlie Parker estaba haciendo audiciones para conseguir un trompetista en el Tiffany Club, Chet fué corriendo y cuando llegó se encontró en pleno casting a todos los trompetistas de los Angeles, pero cuando comenzó su turno Bird paró la audición y lo contrató al vuelo.
Charlie Parker quedó tan impresionado por el joven Baker que telefoneó tanto a Miles Davis como a Dizzy Gillespie y les dijo:
Les cuento que hay por aquí un tipo blanco que os va a dar mucha guerra.


Manuel Temez - Jazz entre amigos

Lionel Hampton and His Orchestra - Midnight Sun - Legends In Concert





Lionel Hampton nace el 20 de abril de 1908 


Lionel Leo Hampton demostró a lo largo de ocho décadas, ser un verdadero grande del jazz, un músico excepcional dotado de una arrolladora energía para convertir en swing todo lo que su mente creaba. Preñado de vitalidad, con un espíritu siempre inquieto y creativo, elegante y vigoroso al mismo tiempo, Lionel Hampton, fue mientras vivió un músico de extraordinaria calidad.

Además su legado al jazz es imperecedero. Fue el primero en aportar a esta música de un nuevo instrumento nunca usado en el jazz antes de que el lo hiciera y este instrumento fue el vibráfono. Su juventud no fue lo apacible que él hubiera querido y después de deambular junto a su familia por varias ciudades, llegó a Chicago en 1916 y su instrumento entonces era la batería. En la ciudad del viento, se integró en la banda de Jimmy Bertrand, denominada: "Chicago Defender Newsboy's Band". Profundizó su interés por el jazz y por la música y comenzó a trabajar en varias locales de segunda categoría y en bandas de escaso renombre como la de Curtis Mosby o Paul Howard pero le sirvieron para ganar experiencia y madurez.

Con esta última formación se trasladó a California en 1928 y allí se unió a la formación de Les Hite, durante el tiempo que esta banda actuaba de telonera de la orquesta del gran Louis Armstrong en Los Ángeles. Fue en uno de esos encuentros con Louis Armstrong, cuando este le animó a que tocara en uno de sus conciertos el vibráfono y desde entonces y dado el gran éxito que tuvo, Hampton, abandonó para siempre la batería y adopto el vibráfono, el instrumento con el que pasaría a la historia del jazz.

En el verano de 1936, el recientemente proclamado "Rey del swing", el clarinetista y director de orquesta, Benny Goodman, presenció una actuación en directo de la banda de Hampton en un local de Los Ángeles y le convenció para que se uniera al pequeño grupo que había formado. Hampton formó desde entonces en las históricas formaciones en trío y cuarteto de Benny Goodman, junto al pianista, Teddy Wilson y el batería, Gene Krupa, que Goodman inmortalizó en sus conciertos en directo , en las emisoras de radio y en las giras por todos los Estados Unidos. Con Goodman estuvo cuatro años hasta que decidió, ya con un reconocimiento internacional por su música, formar su propia banda de jazz, una formación que siempre estuvo entre las mejores de su tiempo y por la que pasaron enormes instrumentistas que hicieron historia a lo largo del tiempo: Clifford Brown, Charles Mingus, Dinah Washington, Illinois Jacquet o Dexter Gordon, entre otros.

Su banda se mantuvo unida y en activo a lo largo de varias generaciones, sus visitas y giras por los festivales y clubes de jazz de todo el mundo eran siempre garantía de éxito y de swing y tiene el honor de haber sido la orquesta de jazz que ha permanecido mas tiempo en activo de toda la historia del jazz. Desde el punto de vista de la música, son imperecederos algunos temas que se han convertido en standars clásicos de esta música y cabe destacar: "Flyng Home" "Hots Mallets" o "Hamp's Boogie Woogie".

Lionel Hampton, falleció a finales del verano de 2002, y con él se fue uno de los grandes creadores del jazz de todos los tiempos.


Manuel Temez - Jazz entre amigos

miércoles, 16 de abril de 2014

Benny Carter-Earl Hines Quartet 1976





El célebre saxofonista alto, Benny Carter quien ha desarrollado una de las carreras mas gratificantes del mundo del jazz se unía al "padre del piano jazz" Earl Hines en un inolvidable encuentro llevado a cabo en el Palau de la música de Barcelona el 28 de junio de 1976, el resto del cuarteto lo completaban el contrabajista Harley White Jr. y el baterista Eddie Graham.
El efímero programa de TVE "Jazz Vivo", presentado por el periodista Francisco Montserrat se encargaría de llevar a las pantallas esta fiesta del jazz tan poco frecuente por esas fechas en la televisión pública española.

viernes, 11 de abril de 2014

Riverside Blues -- King Oliver 1923



King Oliver nos dejaba el 10 de abril de 1938

Joe King Oliver es un personaje esencial en el proceso de estructuración de la improvisación colectiva y, a la vez, en la conservación de la tradición folclórica primitiva, al grabar numerosos blues y canciones de tradición oral. A la vez es un compositor creativo: Dippermouth blues, Canal Street Blues, Camp Meeting Blues... Especialista en la sordina, de entonación llena, áspera a veces en los registros agudos, y con swing intenso y elocuente, puede afirmarse que todos los trompetistas estadounidenses de jazz de la época fueron influidos por él.

lunes, 7 de abril de 2014

Mongo Santamaria "Afro Blue" 1984





Mongo Santamaría nace el 7 de abril de 1922


Nacido en el barrio habanero de Jesús María, el percusionista y congero, Ramón Santamaría, abandonó muy joven los estudios para dedicarse a los timbales. Pero sus triunfos musicales comenzarían a materializarse en 1948, cuando viaja a México y se enrola con la orquesta de Dámaso Pérez Prado, con quien viaja a los Estados Unidos un año después. Fue en Nueva York donde Mongo Santamaría - el nombre con el que se le conocería artísticamente para siempre -, vivió y ejerció su carrera durante cuatro décadas. En 1951, Mongo se integra en la orquesta de Tito Puente, con quien graba dos discos clásicos de la percusión afrocubana: "Puente in Percusión" (1955) y "Top Percusión" (1957). Sin embargo, su fama internacional se produciría tras abandonar la orquesta de Puente, y asociarse con el vibrafonista Cal Tjader, a partir de 1958.

Junto a Tjader y el bongosero Willie Bobo, Mongo Santamaría, hace historia en San Francisco durante cuatro años, pero a la vez no descuida las grabaciones en solitario de la música que le interesa. Después de "Tambores y Cantos" (1955), graba "Mongo" (1959), disco que contiene el tema "Afro Blue", acaso su más memorable composición. En 1960 viaja a Cuba y graba dos verdaderas joyas discográficas: "Mongo en La Habana", con Carlos Embale y Merceditas Valdés, y "Sabroso", con el tresero y compositor Andrés Echeverría, apodado "El Niño Rivera". Justamente a su regreso a Estados Unidos, en 1962, la heterodoxa charanga de Mongo comienza a transitar de manera natural hacia el jazz. Entre los músicos que contrata por entonces para sus incursiones jazzísticas están figuras de la talla del pianista, Chick Corea, el flautista Hubert Laws y el trompetista Marty Séller, quien se convertirá en estrecho colaborador de Santamaría y en arreglista de la banda.

El tema "Watermelon Man", de 1962, supone para Mongo Santamaría los primeros éxitos de popularidad, con seis semanas en la lista de los diez números más escuchados en Estados Unidos. En 1963, Mongo está ya a la cabeza de lo que será el conjunto de jazz latino del futuro, con piano, bajo, percusión y una línea de metales. Graba con la "Fania All Stars", en 1977, y un año después gana el Grammy con su disco "Amanecer". Poco después, en el Festival de Montreux, en 1980, colabora por primera vez en una grabación histórica con Dizzy Gillespie, con quien viajaría luego a La Habana. La discografía de Mongo incluye más de cuarenta títulos, como solista o en agrupaciones. Entre sus mas recientes grabaciones figuran "Mambo Mongo" (1993), "Mongo Returns" (1995), "Conga Blue" (1995) y "Come on Home" (1997).

Mongo Santamaría, falleció en la madrugada del 1 de febrero de 2003 en su residencia de Miami, víctima de un paro cardíaco, a los 86 años. Con su muerte desapareció una de las celebridades de la música cubana del siglo XX y el conguero que más influencia tuvo en el desarrollo del jazz latino.

Billie Holiday, My Man





Billie Holiday nace el 7 de abril de 1915

Entre las voces femeninas del jazz, la de Billie Holiday constituye un caso singular por lo azaroso de su vida contada por ella misma en su famosa autobiografía titulada: "Lady Sings The Blues". En ella, Billie Holiday relata como fue su vida desde la misma infancia: violación, acusaciones de prostitución, reformatorios, alcohol, drogas, racismo, cargos por tráfico de estupefacientes, cárcel, inhabilitación para cantar y, por último, la muerte.
Eleanora Fagan, que así se llamaba en realidad, nació en el gueto negro de Baltimore y su padre, Clarence Holiday tocaba la guitarra y el banjo en la banda de Fletcher Henderson. Se interesó por la música a los diez años influenciada por Bessie Smith y Louis Armstrong, cuando los escuchaba en el gramófono de su casa a ambos.
En 1930, recorriendo Harlem en busca de trabajo, entra en un pequeño club que se llamaba: "Pod's and Jerry's" situado en la Calle 133, ofreciéndose como bailarina. El resultado de la prueba es un desastre y a instancias del pianista se atreve a cantar. Cuando canta "Trav'lin All Alone", las conversaciones en el bar se paran y ahí empieza todo. En 1933, John Hammond, productor musical va a oírla cantar en el club "Log Cabin" y maravillado, habla con Benny Goodman quien el 27 de noviembre de aquel año le abre para toda la vida las puertas de un estudio de grabación.
Con Goodman, permanece poco tiempo y empieza a cantar en clubes mas importantes. Actúa en el famoso "Apollo Theatre" y es contratada por Joe Glaser, el manager de Louis Armstrong. En 1935 aparece cantando con la orquesta de Duke Ellington en la película "Simphony in Black" e inicia una larga y fructífera relación musical con el pianista Teddy Wilson en el sello Columbia. Con Wilson graba cerca de un centenar de canciones y junto a ella tocan los grandes solistas de la época: Ben Webster, Johnny Hodges, Bunny Berigan, Roy Eldridge y sobre todo, Lester Young, con quien alcanzaría una simbiosis creativa del que se encuentran pocos ejemplos en la historia del jazz.
También cantó en la orquesta de Count Basie en 1937 y en 1938 con Artie Shaw, pero el mundo de las grandes orquestas no era el suyo y sus experiencias como vocalista de bigband entre 1936 y 1938 no le dejaron grandes recuerdos. Holiday, se transformó en una estrella de los escenarios de los clubes de New York a principios de los 40, y consigue un contrato de larga duración en el famoso club del Greenwich Village, el "Café Society", regentado por el judío, Barney Josephson, antirracista y de ideas claramente progresistas. Billie tenía solo veinticuatro años y ya era una cantante objeto de culto entre sus seguidores.
En 1943, ganó por primera vez la encuesta de críticos organizada por la revista "Esquire" por delante de Mildred Bailey y de Ella Fitzgerald y al año siguiente grababa para el pequeño, pero selecto sello Commodore, una serie de temas magníficos entre los que destaca su emblemático "Strange Fruit" un alegato antirracista demoledor y el maravilloso "Fine and Mellow" un hermoso blues. En 1945, se casó con el trompetista, Joe Guy, también adicto a la heroína y en agosto de ese año, grabó la versión de referencia del tema "Don't Explain" uno de sus canciones mas hermosas. 1946 la vio participar en un concierto en el teatro neoyorquino Town Hall y la aparición en una película junto a Louis Armstrong, titulada, "New Orleáns", interpretando el papel de una sirvienta.
Sin embargo, la historia de su vida va cuesta abajo a partir de 1950. Cantó en Chicago con Miles Davis y se reencontró con Lester Young en Philadelphia. Norman Granz la contrató para su sello discográfico y también la incluyó en las giras del JATP y en 1953, viajó por primera vez a Europa. A su regreso, ingresó voluntariamente en una clínica para intentar rehacer su vida y tuvo una efímera recuperación que aprovechó para reaparecer en un capitulo televiso dedicada a las "Siete Artes" de la CBS titulada "The Sound of Jazz". El memorable y estremecedor "Fine and Mellow" que cantó acompañada de Lester Young puede considerarse un hito en la historia del jazz. El álbum de 1958, "Lady in Satin", encontró a la artista de 43 años de edad haciendo grandes esfuerzos para cantar como en los mejores tiempos, y al año siguiente falleció. Cuatro meses antes, lo había hecho su admirado Lester Young.
Su muerte pareció una cruel burla del destino; moribunda e inconsciente en la cama del hospital, la policía intentó esposarla acusada de consumir heroína mientras agonizaba.

domingo, 6 de abril de 2014

satin doll ---Gerry Mulligan Lee Konitz Art Farner





Gerry Mulligan, sin duda el saxofonista barítono más importante y famoso de toda la historia del jazz. Pionero, compositor, arreglista, director de big-bands, e influyente instrumentista. Tocó con desde Billie Holiday y Charlie Parker, hasta John Scofield y músicos de hoy. Sus grabaciones con Paul Desmond y Ben Webster, entre muchos otros, son hoy célebres. Sus cuartetos sin piano (con Chet Baker y Art Farmer, entre otros) fueron legendarios. Participó en el llamdo "nacimiento del cool" con Miles Davis, Gil Evans, John Lewis y otros pioneros. Trabajó también con orquestas sinfónicas. Tuvo la fortuna de desarrollar una carrera musical de constante renovación, éxito y apreciación. Su lista de premios y honores es muy larga e incluye su inclusión en galerías de la fama Grammy (1982) y Down Beat (1994). En el video de abajo le vemos y escuchamos en uno de sus propios arreglos para un grupo grande que incluye aLee Konitz y Art Farmer. Es el tema de Duke EllingtonSatin Doll:

Gerry Mulligan and Art Farmer Quartet Live In Rome 1959





Gerry Mulligan nace el 6 de abril de 1927

Hoy en jazz entre amigos celebramos el aniversario de Gerald Joseph "Gerry" Mulligan, uno de los músicos blancos de jazz mas importantes y mas respetados de la ultima mitad del siglo XX. Instrumentista dotado de impecable técnica, compositor de talento y arreglista original e inteligente, el saxo barítono, Gerry Mulligan a lo largo de su prolífica y extraordinaria carrera, ha participado en importantes movimientos estilísticos del jazz, ha dirigido numerosos grupos y orquestas de todos los tamaños y configuraciones y grabado una impresionante cantidad de discos a su nombre, y también en calidad de invitado, ha tocado con las mas notables figuras del jazz. Considerado como uno de los cuatro grandes saxo-barítonos de la historia del jazz, Mulligan dominaba también el soprano, el tenor, el clarinete y era un pianista correcto.
Aunque nacido en New York creció en Philadelphia en el seno de una familia irlandesa, católica y de clase media. Buen estudiante en sus años de colegio, su inclinación por la música hace que sus padres le compren un saxofón. Tras estudiar música, colaboró con la orquesta de Elliot Lawrence, antes de dirigirse a su ciudad natal con dieciocho años donde enseguida se enroló en la bigband del baterista, Gene Krupa. En 1947, traba amistad con Charlie Parker y entra como saxo barítono y arreglista en la orquesta de Claude Thornhill, la banda donde se originó el movimiento cool. Allí conoce al otro arreglista de la banda, Gil Evans, con el que comparte ideas, conceptos y teoría. Juntos en 1949, intervienen en la gestación del del histórico Noneto que dirigido por el trompetista, Miles Davis, marca un hito en el jazz de aquella época. En 1951 graba un primer disco a su nombre para el sello "Prestige" titulado: "Mulligan Plays Mulligan" y tras obtener el favor de la critica y del publico, se marcha a California en la Costa Oeste, donde comienza una nueva etapa en su carrera.
El ambiente musical y los músicos que encuentra allí, le gustan y empieza a escribir arreglos para Stan Kenton, el director de una bigband magnifica y un día conoce a un trompetista llamado, Chet Baker. Con el, va a formar uno de los grupos de mas éxito de la época, el famoso "Gerry Mulligan Pianoless Quartet", un cuarteto sin piano en el que los dos vientos (barítono y trompeta) son acompañados únicamente por contrabajo y batería, ofreciendo un sonido totalmente nuevo y diferente a lo que se escuchaba por entonces. Con el éxito de esa formula alcanza la fama y empiezan las giras por Europa, adonde acude regularmente en varias ocasiones y así en olor de multitudes, Mulligan cruza la década de los cincuenta consagrado como uno de los mejores músicos de jazz del momento.
Los años sesenta le verán organizar y lanzar su "Concert jazz Band", una agrupación de trece (a veces mas) músicos con los que da rienda suelta a su faceta de arreglista y le brinda la oportunidad de conferir a su música mas volumen y amplitud. En 1964 vuelve a la formula de cuarteto y sexteto con Bob Brookmeyer, Art Farmer y el guitarrista, Jim Hall con los que vuelve a salir de gira por Europa. En 1968 se integra en el cuarteto de Dave Brubeck en sustitución del saxo alto, Paul Desmond y con Brubeck, Mulligan permanece hasta 1972. En los años ochenta y noventa, Mulligan no dejó de grabar, producir y arreglar música. También participó en innumerables conciertos y festivales de jazz en Newport, Montreux, Niza, Japón y otros.
De su abundante y extraordinaria discografía hay que destacar necesariamente tres etapas: su participación en el Noneto Capitol con Miles Davis y Gil Evans recogidas en el disco: "Birth of The Cool" en 1949; las grabaciones en cuarteto con el trompetista, Chet Baker en los años cincuenta y recogida en el álbum: "Gerry Mulligan Quartet with Chet Baker"; y su etapa en la "Concert Jazz Band" de mediados de los años sesenta y su álbum "Gerry Mulligan '63 The Concert Jazz Band".
Gerry Mulligan, fue uno de los grande músicos blancos del jazz y su aportación a la historia de esta música fue impresionante.

sábado, 5 de abril de 2014

Stanley Turrentine - Sugar.avi





Stanley Turrentine nace el 5 de abril de 1934 


Figura legendaria de su instrumento, el estilo de Turrentine abarca el hard bop y la jazz fusion. Su manera de tocar se caracteriza por un sonido barroco, denso, enraizado en el blues, y por una constante imaginación y sensibilidad en la improvisación. Su obra más característica son sus sesiones de soul jazz para Blue Note en los años sesenta y una popular aproximación a la fusión a comienzos de los setenta.

Turrentine comenzó su carrera tocando con diversos grupos de blues y de R&B, muy influido musicalmente por Illinois Jacquet. en 1950 y 1951, tocaba con Ray Charles en la banda del guitarrista de blues Lowell Fulson (1921 - 1999), y en 1953 reemplazó a John Coltrane en la primera banda de jazz y R&B del altista Earl Bostic (1913 - 1965). Tras su paso por el servicio militar a mediados de los cincuenta, Turrentine se unió al grupo de Max Roach; conoció a la organista Shirley Scott, con quien se casó en 1960 y con la que grabaría frecuentemente.

Tras trasladarse a Filadelfia, Turrentine consiguió buena química con otro organista, Jimmy Smith, al que aompañaría, entre otros discos, en su clásico de 1960 Back at the Chicken Shack. También en 1960, Turrentine empezó a grabar como director de banda para Blue Note, concentrándose preferentemente en pequeños grupos de soul jazz y tocando temas clásicos como That's Where It's At, pero también grabando con The Three Sounds (en el disco Blue Hour, de 1961) y experimentando con más amplios conjuntos a mediados de los 60. A comienzos de los años 70, Turrentine y Scott se separaron, y Turrentine se convirtió en un popular puntal del nuevo sello del productor Creed Taylor (n. 1929), CTI,[1][2][3][4] orientado a la jazz fusion; grabó cinco discos. Tuvieron una buena aceptación popular y fueran artísticamente valiosos, y la opinión crítica fue más favorable que la que recibió a finales de los setenta por su trabajo para Fantasy Records. Por lo demás, Turrentine siguió grabando con profusión y regresó al soul jazz en los 80 y en los 90.

Turrentine murió de un infarto en la ciudad de Nueva York el 12 de septiembre de 2000. Fue enterrado en el cementerio de Allegheny de Pittsburgh.

viernes, 4 de abril de 2014

Pardo, Benavent, di Geraldo: Bulerias





Carles Benavent - Tino di Geraldo - Jorge Pardo


Hoy desde Jazz entre amigos queríamos recordar aquel trío formado por Carles Benavent, Tino Di Geraldo y Jorge Pardo donde aparecieron como continuación del anterior grupo de Jorge Pardo y Carles Benavent, el sexteto que hizo historia en el nuevo flamenco y que cumplió su ciclo en el verano del 98 con una apoteósica gira por los más importantes festivales de jazz que los llevó desde Vitoria a Montreal.
En aquel sexteto se empezó a desarrollar la improvisación sobre el soporte de la más rigurosa rítmica flamenca, con una actitud jazzística y basándose en las composiciones de Pardo y Benavent contenidas en sus anteriores discos. Con la llegada de Tino se formó este magistral trío, compuesto por tres auténticos maestros de la fusión del flamenco y el jazz.

martes, 1 de abril de 2014

Sophisticated Lady - Duke Ellington and his orchestra





Harry Carney nace el 1 de abril de 1910


Encuadrado estilísticamente en el swing, Harry Howell Carney está considerado como uno de los pioneros del saxo barítono en la historia del jazz.

Sus comienzos como profesional fueron en Nueva York a finales de 1926, y más tarde, en 1927, tocaría con el clarinetista Fess Williams (1894 - 1975) y el banjista Henri Saparo, antes de incorporarse a la big band de Duke Ellington ese mismo año. Permanecería con Ellington más de 45 años, y le sobreviviría apenas unos meses. Además de los discos de la orquesta de Ellington, Carney grabó diversos álbumes con otros músicos.

Carney hubo de tocar el barítono en la orquesta por necesidad de ella, pero rápidamente adaptó su estilo sobre las huellas del gran Adrian Rollini, además de las de Coleman Hawkins, que tocaba entonces en la orquesta de Fletcher Henderson. Su dicción es limpia y el fraseo es reposado, con un sonido profundo y, simultáneamente, alegre y vivo. Muchos de los saxofonistas barítonos posteriores, si no todos, son claramente discípulos suyos: Gerry Mulligan, Serge Chaloff, Pepper Adams, Ronnie Cuber, Bob Gordon, Cecil Payne, etc.

Stompin' at the Savoy - Louis Armstrong in Stuttgart 1959





Danny Barcelona nos dejaba el 1 de abril de 2007


Para muchos, fue el tapado de Louis Armstrong en los años de decadencia del astro del jazz; un showman de mérito que hubiera merecido los honores del "estrellato" por sí mismo. Para otros muchos, se trataba de un batería no demasiado dotado al que le tocó la lotería cuando fue llamado para acompañar al más popular de los músicos de jazz de su tiempo. Danny Barcelona fallecía el 1 de abril de 2007 a los 77 años, en la localidad de Monterrey Park (California).

Danny Barcelona nació en la muy exótica localidad de Waipahu, sita en la isla de Oahu (Hawai), un 23 de julio de 1929, en el seno de una familia de origen filipino, aprendió a tocar la batería de oído. Con 20 años, dirigió su primer conjunto, un sexteto: los Hawaiian Dixieland All-Stars. Con ellos recorrió las islas y Japón a los pocos años de la rendición. Antes de terminar el instituto, tocó en la orquesta del trombonista Trummy Young, a la sazón integrante de los All-Stars de Armstrong y residente en Hawai. Gracias a su recomendación, en el año 1958, pudo decir "aloha" a su casa en Waipahu para convertirse él mismo en miembro del prestigioso conjunto de jazz trad, sustituyendo a Barrett Deems.

Barcelona permaneció 15 años junto al anciano "astro" de Nueva Orleans. Para entonces, Armstrong se hallaba muy mermado en sus facultades físicas y carecía de la necesidad de reinventarse a sí mismo como en el pasado. En esas circunstancias, el joven batería se convirtió en el perfecto peón de brega, eficaz, fiable y tan discreto como la música intrascendente y predecible que fue el signo distintivo de los últimos All-Stars.

"Satchmo" y su "muchachito hawaiano" viajaron por medio mundo como "embajadores de buena voluntad" de Estados Unidos, incluyendo los países del telón de acero. El suyo era un espectáculo "apto para todos los públicos", menos para los estrictamente jazzísticos, y terminaba con Barcelona sacudiendo el polvo de su batería sobre el viejo himno Stompin' at the Savoy. El batería y ocasional cantante participó junto al "rey del jazz" en más de 130 sesiones de grabación, su impecable beat está detrás de las archiconocidas Hello Dolly, Jeeper's creepers, What a wonderful world...

La muerte de Armstrong en el año 1971 devolvió a Barcelona a su tierra de origen. El batería siguió tocando, con el conjunto de la vocalista Melveen Leed (The Hawaiian Country Girl); vendiendo instrumentos musicales y dando lecciones particulares de su instrumento. En el año 1979 se trasladó a la localidad de Monterrey Park, en California, donde vivió hasta el fin de sus días retirado de la práctica activa de la música.

John Carter and Bobby Bradford - In the Vineyard





John Carter nos dejaba el 31 de marzo de 1991


John Carter, clarinetista y compositor estadounidense fallecía hace 23 años a causa de un cáncer de pulmón. Considerado por muchos músicos como uno de los mejores innovadores de la música de jazz de la West Coast norteamericana, empezó su carrera musical en los años cuarenta en Fort Worth con Ornette Coleman. Posteriormente se trasladó a Los Ángeles, en donde vivió y trabajó hasta su muerte. En 1964, John Carter formó uno de sus grupos más importantes, el New Art Jazz Ensemble. En los años ochenta fundó la Wind College, escuela de donde salieron numerosos músicos de jazz. Las sultes compuestas por Carter son una demostración de su amplio conocimiento de la música norteamericana, en las que combina tiempos variados e ideas modernistas con la suavidad de la tradición de", jazz, especialmente del blues.