jueves, 26 de junio de 2014

Marcus Miller - Power [live HD]





Marcus Miller cumple 55 años


Marcus Miller nació en Brooklyn (Nueva York) en 1959. Se educó en el seno de una gran familia musical, dado que su padre era organista en la iglesia y director del coro, circunstancia que le influyó mucho desde muy temprana edad, mostrando una precoz afinidad por todo tipo de músicas. Con 13 años tocaba con habilidad el clarinete, el piano y el bajo, y daba sus primeros pasos en la composición de música. Se inclinó por el bajo eléctrico y a los 15 años ya trabajaba de manera regular por los club de Nueva York en varios grupos.

Marcus Miller, pasó los siguientes años muy solicitado como músico de sesión en los estudios de grabación de Nueva York, trabajando con Aretha Franklin, Roberta Flack, Grover Washington Jr., Bob James y David Sanborn, entre algunos otros. En 1981 se unió a la banda del que era su ídolo desde la infancia, el trompetista, Miles Davis, con quién permaneció dos años. Marcus alternaba la producción discográfica con las actuaciones en directo con diferentes artistas y con "The Jamaica Boys" banda de R&B que co-lideró un par de años, grabando dos discos con ellos. En aquella época, dedicaba toda su atención a la producción discográfica, siendo su primera gran producción el álbum "Voyeur" para David Sanborn, en 1980, que le mereció a este un premio Grammy, comenzando así una estrecha y duradera colaboración entre ambos músicos que continuó con la producción, años más tarde de otros álbum de gran éxito: "Close Up" (Reprise, 1988); "Upfront" (Elektra, 1992); e "Inside" (Elektra, 1999), ganador de otro Grammy en el año 2000.

En 1986, Marcus Miller, volvió a colaborar con Miles Davis, produciéndole el extraordinario álbum "Tutu", uno de los discos emblemáticos de la etapa eléctrica de Miles. Después de muchos años de trabajar como productor y músico de sesión, Miller publicó en 1993, su primer álbum a su nombre titulado: "The Sun Don’t Lie" con una regular acogida. Sin embargo al año siguiente se resarciría publicando "Tales" un paisaje colorista de la evolución de la música negra. En 1997 publicó para GRP el directo "Live And More" un concierto extraordinario y en la entrada del tercer milenio, sacó a la luz su álbum "M2". (JVC Japan, 2001).

En los últimos años, Miller, ha ocupado su tiempo profesional en la composición de música para el Cine. Suyas han sido las bandas sonoras de las películas : "House Party" y "Boomerang" con Eddie Murphy , "Siesta" con Ellen Barkin; "Ladies Man" con Tim Meadows y "The Brothers" con Morris Chestnut y D.L. Hughley. También compuso y produjo la exitosa canción "Old School Da Butt" para la banda sonora del film "School Daze", del excelente director, Spike Lee. Marcus Miller, continua en la actualidad su incesante tarea de acercarnos a la música de jazz, los sorprendentes sonidos de su bajo eléctrico.

En 2007, ha presentado "Thunder" junto con otros dos bajistas: Victor Wooten y Stanley Clarke. Los tres iniciaron en 2008 una gira que comenzó en EE.UU. y finalizó el 31 de octubre en Almería (España).

En el 2009, colaboró en el nuevo disco del guitarrista italiano Flavio Sala, tocando en el tema que da nombre al álbum, De La Buena Onda, junto a Jorge Pardo, Toninho Horta y Cliff Almond.


Manuel Temez (Jazz entre amigos)

Chick Corea au Cirque Royal de Bruxelles (Full)





Chick Corea cumple 73 años, felicidades genio !


Armando Anthony Corea empezó a tocar el piano a la edad de cuatro años; sus primeras influencias en el jazz fueron Horace Silver y Bud Powell. Fue adquiriendo experiencia tocando en las bandas de Mongo Santamaría y Willie Bobo (1962-1963), Blue Mitchell (1964-1966), Herbie Mann, y Stan Getz. Su primera grabación como líder fue en 1966, Tones for Joan's Bones, y su álbum en trío en 1968 (con Miroslav Vitous y Roy Haynes) Now He Sings, Now He Sobs se considera ya un clásico. Después de un breve intervalo de tiempo con Sarah Vaughan, Corea formó parte del grupo de Miles Davis para reemplazar gradualmente a Herbie Hancock, y permaneció con Davis durante un periodo muy importante de la banda (1968-1970). Persuadido por Davis, comenzó a tocar el piano eléctrico, y podría oírse en álbumes como Filles de Kilimanjaro, In a Silent Way, Bitches Brew y Miles Davis at the Fillmore. Cuando dejó a Davis, Corea comenzó a tocar jazz de vanguardia con su grupo Circle, cuarteto con Anthony Braxton, Dave Holland y Barry Altschul. Lo hizo hasta finales de 1971, cuando de nuevo cambio su estilo eléctrico: al dejar Circle, Corea tocó brevemente con Stan Getz y luego formó Return to Forever, un grupo de jazz fusión, con Stanley Clarke, Joe Farrell, Airto Moreira y Flora Purim. En un año, Corea (con Clarke, Bill Connors, y Lenny White) convirtió Return to Forever en un grupo que practicaba una fusión enérgica. Tras una breve estancia de Earl Klugh para las actuaciones, el guitarrista Al Di Meola sustituyó a Connors en 1974. Aunque la música del grupo tenía una fuerte inspiración roquera, sus improvisaciones eran marcadamente jazzísticas, y el estilo de Corea podía reconocerse incluso entre toda la electrónica. Cuando RTF desaparece a finales de los 70s, Corea mantuvo el nombre para algunas actuaciones de big band al lado de Clarke. Durante los años siguientes, profundizó en el piano clásico con una gran variedad de planteamientos: giras a dúo con el vibrafonista Gary Burton y con Herbie Hancock, un cuarteto con Michael Brecker, tríos con Miroslav Vitous y Roy Haynes, homenajes a Thelonious Monk, e incluso algo de música clásica.

En 1985, Chick Corea formó un nuevo grupo, The Elektric Band, integrado por el bajista John Patitucci, el guitarrista Scott Henderson (en el primer disco de la banda, luego reemplazado definitivamente por Frank Gambale), el saxofonista Eric Marienthal y el baterísta Dave Weckl. Para equilibrar su música, años más tarde formó su Akoustic Band con Patitucci y Weckl. A principios de los 90, Patitucci formó su propio grupo y el personal cambió, pero Corea continuó liderando interesantes grupos (incluido un cuarteto con Patitucci y Bob Berg). Durante 1996-1997, Corea formó parte de un quinteto estelar en el que estaban Kenny Garrett y Wallace Roney y que tocaba versiones actualizadas de composiciones de Bud Powell y Thelonious Monk, a la vez que mantenía un sexteto llamado "Origin", que incluía al contrabajista Avishai Cohen.A colaborado con Paco De Lucía.


Manuel Temez (Jazz entre amigos)

Shelly Manne - Speak Low





Shelly Manne nace el 11 de junio de 1920



Hijo y sobrino de bateristas, Shelly Manne empezó a estudiar música dedicándose al estudio del saxo contralto pero su destino era sin lugar a dudas la batería donde comenzó bajo la ayuda de Billy Gladsytone debutando profesionalmente en los barcos que cruzaban el Atlántico. En 1939 entró en la formación de Bobby Byrne con la que grabó su primer disco . Al año siguiente sustituyó a Dave Tought en la orquesta de Joe Marsala donde grabó su primeros solos de jazz. En 1941 tocó con Bob Astor y con Raymond Scott con quien estuvo hasta mediados del año siguiente antes de ser llamado a filas.

Desmovilizado en 1945, se une al grupo de Stan Kenton donde consigue su primer trabajo importante. En 1947 toca en el grupo del saxofonista, Charlie Ventura, y posteriormente estuvo unos años, hasta 1949, en el Jazz at the Philarmonic de Norman Granz. Tras la gira con el JATP se enroló en la orquesta de Woody Herman y en 1953, tras un nuevo paso por la orquesta de Kenton, tocó con Howard Rumsey en 1953 en el "Light House" de Hermosa Beach en California donde se había establecido. Al año siguiente, en 1954, lo llamó el trompetista, Shorty Rogers para que tocase con su grupo y llegó a ser sin ninguna duda el baterista mas representativo del llamado West Coast Jazz, participando en la gran mayoría de grabaciones de aquel movimiento.

Con una bien merecida fama, se hizo famoso entre el publico tras participar en la película: El hombre del brazo de oro" con su quinteto de aquella época. Del cine pasó a la televisión y en ése camino de ida y vuelta dejó varias películas en las que Shelly Manne participó activamente: "The Five Pennies" donde interpretó el papel de Dave Tough y la dedicada al baterista Gene Krupa: "The Gene Krupa History". En 1960, con un quinteto ya muy consolidado, abrió en Hollywood su propio club, el "Shelly Manne's Hole" por donde pasaron casi todos los grupos que tocaban en aquella ciudad. En 1961 viajó a Europa para participar en el Festival de Jazz de San Remo y en 1964, tras cerrar el club, viajó a Japón y a la vuelta abrió su nuevo club, esta vez en Los Ángeles que estuvo abierto hasta 1974.

Sus grabaciones y la relación de músicos con los que ha grabado son innumerables, tanto como sideman de grandes instrumentistas como las grabadas a su nombre. Sin duda alguna sus actuaciones en 1959 en el club "Black Hawk" de San Francisco y recogidas en cinco magníficos Cd's por el sello Contemporary son sus mejores registros y forman parte del mejor jazz hecho en la Costa Oeste norteamericana.


Manuel Temez (Jazz entre amigos)

Kenny Barron - Jazz in Marciac 2010





Kenny Barron nace el 9 de junio de 1943


Kenny Barron, comienza a dar lecciones de piano a los doce años y en 1957 logra su primera participación en una orquesta. Tras un breve paso por las formaciones de Philly Joe Jones y Yusef Lateef (1960), se instala en Nueva York, donde trabaja con Ted Curson y, luego con James Moody, Lee Morgan, Lou Donaldson (1961).

Al año siguiente toca con Roy Haynes, antes de reemplazar (por recomendación de James Moody) a Lalo Schiffrin en el quinteto de Dizzy Gillespie, donde se da a conocer y que abandona en 1966 para tocar con Freddie Hubbard y Stanley Turrentine. En marzo de 1970 se incorpora al cuarteto de Yusef Lateef; trabaja luego con Milt Jackson, Jimmy Heath, Stan Getz (1974-1975) y posteriormente inicia una duradera colaboración con Ron Carter (1976-1980). En 1981, es junto al saxofonista Charlie Rouse, uno de los fundadores de Sphere, grupo al que permanecerá fiel hasta su disolución además de trabajar, a partir de 1984, con Bobby Hutcherson y de acompañar a numerosos músicos en grabaciones o giras (como por ejemplo a Stan Getz en su gira europea de verano de 1987). En 1972 da clases de piano en el Jazzmobile Workshop y, desde1973, de practica y teoría musical

El estilo y la trayectoria de Kenny Barron guardan cierta similitud con los de Tommy Flanagan y Hank Jones: ha acompañado a muchos músicos, ha sabido adaptarse a cada contexto con un oficio impresionante. Verdadero estilista del bebop, a principios de los años ochenta se convierte en una especie de depositario de determinada tradición del piano-jazz moderno: trabaja especialmente la sonoridad, un desarrollo armónico refinado y formulas rítmicas inexploradas, todo ello sin abandonar jamás su profundo arraigo en el swing.


Manuel Temez (Jazz entre amigos)

Lover Man (from "Bird" - 1988)





Charlie Parker encaja perfectamente en el paradigma del artista torturado. Talento querido y envidiado, sus picos de creatividad (muy frecuentes) y de éxito (menos frecuentes) alternaban con profundas caídas en abismos infinitos. Así, trágico, con un caminar siempre tambaleante y sacándole sonidos mágicos al saxo, lo retrató Clint Eastwood en su película Bird ("Pájaro", derivado de Yardbird, su seudónimo original), que centra su vida sentimental en la relación que tuvo con Chan Richardson, madre de sus dos hijos, un varón y una nena que moriría de pequeña, precipitando su destrucción.


Manuel Temez (Jazz entre amigos)

Bobby Hackett Sextet





Bobby Hackett nos dejaba el 7 de junio de 1976


Procedente de una familia humilde y sexto hermano de una familia de nueve hijos, a los 14 años tuvo que dejar la escuela para intentar ayudar en la economía familiar. En su adolescencia aprendió a tocar la guitarra, el banjo y el violín que había aprendido de forma autodidacta y con el solo apoyo de la escucha de algunos discos en casa de un amigo. Su primer contrato laboral fue en un restaurante del barrio chino y solo fue hacia 1933 cuando estuvo en las orquestas de Herbie Marsh y de Payson Re. Estuvo un par de años en distintos clubes de Boston y de Providence, su ciudad natal. En Boston tuvo la oportunidad de dirigir la orquesta del "Theatrical Club" relevando precisamente a Herbie Marsh y contando con la colaboración del arreglista, Brad Gowans.

Saltó a New York al año siguiente y en la Gran Manzana tocó con las orquestas de Lester Lanin, Meyer Davis y Howard Lanin. En 1937, es llamado por el clarinetista, Joe Marsal para formar parte de su grupo y ahí empezó a coger la suficiente fama como para que se fijase en él un hombre de leyenda en el jazz, el también clarinetista, Benny Goodman. Bobby Hackett dio un paso de gigante en su carrera cuando en la formación de Benny Goodman tuvo oportunidad de tocar en el famoso concierto del Carnegie Hall en 1938. Aquel concierto catapultó al éxito a todos los músicos que intervinieron y Bobby Hackett pudo al año siguiente formar su propio grupo entre 1938 y 1939. Con la fama a cuesta, firmó un contrato para tocar durante seis meses en uno de los grandes clubes de la epoca del swing en New York, el "Famous Door". De allí saltó a la orquesta de baile de Horace Heidt en 1940 y en 1941 dirigió en Boston su propia bigband.

Los primeros años de la década de los cuarenta tocó correlativamente en la orquesta de Glen Miller (1942) , como músico de plantilla de la NBC (1942-1943) y con la Casaloma Orchestra de Glen Gray en 1945. Los años cincuenta pasaron casi desapercibidos y en 1962 Benny Goodman lo recupera para el jazz actuando en el celebre concierto que la orquesta del clarinetista, ofreció en Moscú. A finales de los sesenta acompañó al cantante Tony Bennett realizando varias giras por el extranjero y los últimos años de actividad los dedicó a doblar bandas sonoras en el cine siendo la mas destacada de todas, el doble de trompeta que hizo a Fred Astaire en la película: "Second Chorus".

Bobby Hackett fue un extraordinario músico que dominaba a la perfección, la corneta y la trompeta. Adscrito al llamado estilo "dixieland" suyo es uno de los grandes discos de aquel movimiento: "Wes Coast Concert" y es clara la influencia que ejerció en el la figura legendaria de Bix Beiderbecke.



Manuel Temez (Jazz entre amigos)

Tal Farlow Yesterdays





Tal Farlow nace el 7 de junio de 1921 


El guitarrista,Talmage Holt Farlow, se inició en el jazz fascinado por la figura y la forma de tocar del gran Charlie Christian. Su carrera profesional la inició en 1948 cuando se incorporó a la banda de Marjorie Hyams y desde entonces hasta el final de su vida fue considerado uno de los mejores guitarristas de la historia del jazz. Entre 1949 y 1953, formó parte del trío de Red Norvo. Cuando se despidió de Norvo, estuvo durante seis meses con la orquesta de Artie Shaw.

Con un prestigio ya consolidado y con una reputación musical importante, Tal Farlow, inicia en 1953 su larga, prolija y extraordinaria carrera como líder de su propio grupo comenzando muy pronto en ese mismo año su debut discográfico con el álbum grabado para Blue Note titulado genéricamente "Tal Farlow Quartet". Fue su primer y único disco para Blue Note. El año siguiente firmaría un contrato con la Verve donde grabaría lo mas selecto de su discografía destacando por encima de todos el magnifico álbum: "Autumn in New York". Sólo por su versión de "Cherokee" ya vale la pena hacerse con este álbum donde Chico Hamilton a la batería y Ray Brown, al contrabajo contribuyen notablemente al éxito de la sesión de grabación.

Poseedor de una técnica irreprochable, una alucinante velocidad de digitación y sobre todo un fraseo imparable y rebosante de swing, Tal Farlow, es un guitarrista desconocido para el gran publico. Oscurecido por la larga sombra de Charlie Christian y Django Reinhardt, Tal Farlow es una de las figuras del jazz que es necesario redescubrir para disfrute de una música absolutamente maravillosa. También su carrera, llena de apariciones y deserciones continuas, no contribuyó demasiado a que los aficionados al jazz vieran en él a un músico a seguir. Hoy afortunadamente, sus álbumes están siendo reeditados con notable acierto por el sello Verve. Tal Farlow, murió a la edad de 77 años victima del cáncer.



Manuel Temez (Jazz entre amigos)

Stan Getz Quartet Featuring Kenny Barron - Live 1989





Stan Getz nos dejaba para siempre el 6 de junio de 1991


Nacido en Filadelfia, cuando contaba cuatro años de edad su familia se trasladó a Nueva York, donde vivió en el barrio del Bronx. Las peleas callejeras y la actitud de otros hacia su origen judío hicieron que desarrollara una fuerte personalidad, orgullosa y desafiante.

Empezó estudiando contrabajo y fagot antes de decidirse por el saxo a la edad de trece años, cuando su padre le compró uno. A los quince debutó profesionalmente con la orquesta de Dick "Stinky" Rogers y hasta 1946 militó sucesivamente en nueve big bands, algunas como la de Benny Goodman, con las que grabará sus primeros solos. A los diecinueve viajó a Los Ángeles donde escuchó a Dexter Gordon y Wardell Gray, y se entusiasmó con esos dos grandes saxos tenores que conjugaban en sus estilos las enseñanzas de Lester Young y Charlie Parker. En 1947 entró a trabajar en una orquesta dirigida por Tony de Carlo, con la que tocaba mambos en el club Pontrelli´s. Esta formación era un tanto atípica ya que en ella tocaban cuatro solistas, todos con saxo tenor. Éstos adoptaron un estilo aéreo, una sonoridad recubierta de un fieltro muy "a la Lester" que, pronto, hizo que les apodasen "Los Hermanos". Woody Herman que buscaba personalidad para su nueva orquesta, conquistado por su sonido los contrató a todos juntos excepto a Jimmy Giuffre.

En diciembre de 1948 grabó su disco histórico solo en Early Autumn. De la noche a la mañana, su nombre se hizo mucho más conocido y se ganó el sobrenombre de «El Sonido». En 1949 dejó la orquesta de Woody Herman, y empezó a liderar combos con Horace Silver, Al Haig, ambos pianistas, Roy Haynes o Tiny Kahn, baterías y con el guitarrista Jimmy Raney. A partir de 1952 inició su colaboración con el productor Norman Granz.

En los años 50, Getz se hizo bastante famoso tocando cool con un joven Horace Silver, Oscar Peterson, y muchos otros. Los dos primeros quintetos de Getz fueron especialmente famosos por sus músicos, que incluían la sección rítmica de Charlie Parker con el batería Roy Haynes, el pianista Al Haig o el bajo Tommy Potter. En 1955 se editó su disco West Coast Jazz, que tuvo una gran repercusión como paradigma del estilo homónimo. Después, ya en 1958, Getz intentó escapar de su adicción a las drogas (por la cual había sido arrestado cuatro años antes) trasladándose a Copenhague, Dinamarca.

En 1961 regresó a Estados Unidos donde descubrió que el público americano le había olvidado, en buena medida debido a John Coltrane. Para "contraatacar" grabó su álbum histórico Focus. Pero el disco que le volvió a colocar en la popularidad fue Jazz Samba, su primer álbum de "bossa-nova" grabado con el guitarrista Charlie Byrd en 1962. La canción titulada "Jazz Samba" era una adaptación de la composición de Jobim "So Danco Samba". Getz ganó el Grammy por la mejor interpretación de jazz en 1963 por el tema "Desafinado".

El siguiente paso de esta fusión fue el encuentro con los músicos brasileños. Getz grabó con el compositor Antonio Carlos Jobim, el guitarrista João Gilberto y su esposa, la cantante Astrud Gilberto. Su colaboración en «Garota de Ipanema» (La Chica de Ipanema) (1963) ganó el Grammy, haciendo el estilo de Jobim, conocido como bossa-nova, mucho más popular. Esta pieza se convirtió en una de las canciones de jazz más conocidas de la historia.

El álbum Getz/Gilberto ganó dos premios Grammy en 1965, el de mejor álbum y el de mejor single, superando a Los Beatles con su tema "A Hard Day's Night". Esto fue sin duda una victoria para el jazz y la bossa-nova y derivó en la propagación de esta música entre millones de personas, allanando el camino para que la música brasileña y sus instrumentos se sumaran al jazz.

Stan Getz comprendió perfectamente el lenguaje de la bossa-nova y sonó completamente natural en las grabaciones que llevó a cabo con los músicos brasileños. El jazz brasileño ha sobrevivido y ha supuesto una clara influencia en los trabajos de famosos músicos de jazz como Wes Montgomery y Joe Henderson. En 1967 y posteriores años, Getz se empezó a interesar más por la fusión jazz-rock y otras tendencias post bop, haciendo música cada vez más personal, y grabando álbumes con Chick Corea, Stanley Clarke o Gary Burton.

A lo largo de los años 80 colaboró con pianistas como Jim McNeely o Kenny Barron, contrabajistas como Jiri Mraz o Rufus Reid y el batería Victor Lewis. En varios ocasiones que visitó México en los años 60's y 70's le agradaba ir a Acapulco y tocar con músicos locales en especial con Macario Luviano Ruíz a quién Stan Getz le tuvo gran admiración por su manera de tocar el piano y el Saxofón.

En 1988 interrumpió sus actuaciones europeas, al diagnosticársele cáncer de hígado. Pero siguió tocando hasta prácticamente su último día, el 6 de junio de 1991. En 1998, la "Biblioteca y Centro Multimedia Stan Getz"' situada en el Conservatorio Musical de Berklee, fue dedicada a la memoria del saxofonista gracias a una donación de la Fundación Herb Alpert.


Manuel Temez (Jazz entre amigos)

Terell Stafford @ Saxquest - November 3, 2012





Terell Stafford nació en 1966 y forma parte de una generación de trompetistas surgidos tras la eclosión de Wynton Marsalis, que incluye a Roy Hargrove y Nicholas Payton entre sus nombres más conocidos. Aunque obtuvo un Master en la Rutgers University apenas cumplidos los veinte años, Terell empezó a tomar en serio su carrera como trompetista de Jazz hacia 1988. Entre 1990 y 1995 formó parte del quinteto de Bobby Watson, Horizon, con el que colaboró en tres sesiones de grabación, además de en innumerables conciertos y giras.En 1997 trabajó con la banda de McCoy Tyner, y fue invitado a formar parte de dos de las big bands más prestigiosas del momento: la Lincoln Center Jazz Orchestra, dirigida por Wynton Marsalis, y la Carnegie Hall Big Band, dirigida por John Faddis. Tambien ha trabajado con la Village Vanguard Orchestra, la Mingus Big Band y la Lincoln Center Jazz Orchestra. En la actualidad, Terell ejerce como Profesor de música y director de la cátedra de Jazz y Composición en la Temple University. Ha impartido clases en la presigiosa Vail Foundation de Colorado y en el programa Essentially Ellington del Lincoln Center. También ha formado parte de la Facultad del Juilliard Institute for Jazz Studies en New York.


Manuel Temez (Jazz entre amigos)

miércoles, 4 de junio de 2014

1970 - Oliver Nelson - Milestones





Oliver Nelson nace el 4 de junio de 1932


Saxofonista tenor, soprano y compositor, Oliver Nelson empezó a estudiar piano a los seis años y a los once, aun en edad escolar, tuvo su primer contrato profesional en la orquesta de Cottie Williams, donde su hermano también era saxofonista. Entre 1947 y 1948, trabajó con la orquesta de George Hudson, en 1949 con Nat Towles y al año siguiente entró a formar parte de la bigband de Louis Jordan, con quien trabajó hasta bien entrado el año 1951.

Entre 1952 y 1954 cumplió el servicio militar en la Marina americana donde formó parte de su banda llegando a actuar en el lejano Japón. Cursó estudios en la "Lincoln University" para perfeccionar sus conocimientos musicales y en 1959 se trasladó a New York donde tocó con Erskine Hawkins, Wild Bill Davis y Louis Belson. En 1960 empezó a interesarse por la composición donde comenzó con un espléndido quinteto para instrumentos de viento exclusivamente. Al año siguiente compuso un ciclo de songs para saxo contralto y piano y en 1962 estreno la obra "Dirge" para orquesta de cámara. Quincy Jones lo llamó para que colaborara con él y su popularidad le dio la posibilidad de formar su propio grupo en el que pasaron, Miles Davis, Bill Evans y Eric Dolphy entre otros grandes músicos.

A finales de los años sesenta se trasladó a California prosiguiendo allí su actividad de compositor, destacando su creatividad a la hora de improvisar. Probablemente su posición en la historia del jazz sería otra bien distinta, si un buen día de 1961 no hubiese grabado el disco que le encumbró a la cima de esta música. "The Blues and the Abstract Truth" (Impulse!), es un obra maestra difícil de encuadrar en una escuela concreta y por el que Oliver Nelson seguirá siendo recordado como el diseñador de ese monumento audaz y atemporal básico en el jazz.


Manuel Temez (Jazz entre amigos)

Jazz City TV presents - "Dakota Staton" Live In Philly





Dakota Staton nace el 3 de junio de 1930


Con una sólida formación musical desde su juventud, - estudió en la "Filion School of Music" de su ciudad natal Pittsburgh -, la cantante, Dakota Staton, comenzó su actividad profesional en la orquesta de su hermano para después seguir su actividad artística en solitario actuando en numerosos clubes canadienses y americanos. En 1955 sorprendió a la critica cuando la prestigiosa revista especializada en jazz "Down Beat", la nominó como máxima promesa del jazz vocal.

Su timbre duro y ácido, su fraseo cortante y tendente al grito, denotan la clara influencia de Dinah Washington en incluso la de Sarah Vaughan en el arte del scat. A finales de los años cincuenta se hizo bastante popular en los Estados Unidos gracias a algunas grabaciones con el pianista ciego, George Shearing. En 1957 deja para Capitol, su disco mas redondo acompañándose de Jonah Jones y Hank Jones al piano "The Late, late Show". En aquel disco, la brillante interpretación del tema, Broadway, se convirtió a partir de entonces en uno de sus temas emblemáticos. En líneas generales, su relación profesional con la casa Capitol entre 1954 y 1962, está llena de momentos excelentes junto a Nelson Riddle, Benny Carter o Harry Edison. No fue tan brillante el grabado en directo en 1961 en el club "Storyville" de Boston con el pianista, Norman Simmons.

Tras una breve estación de paso en el sello "United Artist" y tras otra efímera estancia en Inglaterra, Dakota Staton, cayó en el ostracismo discográfico hasta nada menos que 1990, cuando firma por el sello "Muse" y debuta con un disco espléndido "Dakota Staton" (Muse, 1990). Pero precisamente ese año sufre un derrame cereblal después de lo cual su salud se deterioró. Staton murió en Nueva York a los 76 años de edad en 2007.



Manuel Temez (Jazz entre amigos)

1966 Willie "The Lion" Smith





Willie Smith "El león"

Nació en Goshen (Nueva York) en 1897 y comenzó como músico profesional a los 17 años. Sin embargo, tuvo que interrumpir su carrera profesional para ir a Francia enviado por el ejército de Estados Unidos para servir en la primera guerra mundial, donde su valor le valió el apodo de «El León».
Después de la guerra volvió a su país y, en 1920, formó su propia orquesta (Willie «The Lion» Smith And His Orchestra). Salió de gira con Mamie Smith y tocó el piano acompañandola en Crazy Blues, la grabación pionera del blues de 1920.
En los años 30 ya era uno de los maestros de la escuela de piano stride de Harlem, junto con James P. Johnson. En 1935 Willie «The Lion» Smith And His Cubs grabaron por primera vez Echo Of Spring, su más famosa composición.
Willie «The Lion» Smith influyó a muchos pianistas, como Fats Waller y Duke Elington, debido a sus ingeniosas melodías y sus ritmos nuevos. Ellington le dedicó el single de 1939 Portrait Of The Lion y Smith le respondió con su propio Portrait Of The Duke. La grabación de este tema y de Contrary Motion datan de 1949. Otra de sus más destacables composiciones es Pork & Beans, de 1950.

PAUL DESMOND EMILY





Paul Desmond fallece el 30 de mayo de 1977


El saxofonista Paul Emil Breitenfeld, más conocido como Paul Desmond, fue una figura representativa de la corriente principal del jazz y del cool, especializado en baladas y en la improvisación melódica; se caracteriza también por sus citas de música clásica y de canciones folk. Su principal influencia fue Lester Young.

Al lado del pianista Dave Brubeck, Desmond formó parte del famoso Dave Brubeck Quartet (1959-1967) con quien obtuvo sus mayores éxitos: Jazz at Oberlin, Take Five y, sobre todo, Jazz Impressions of Japan, donde Desmond toca sus solos lentos e intrincados en contraste directo con los largos acordes del pianista.

Al disolverse el cuarteto en 1967, Desmond inició su carrera en solitario, en la que se incluyen grabaciones con Gerry Mulligan para Verve y con Jim Hall, y un concierto con el Modern Jazz Quartet.

Sus últimas actuaciones las realizó con el Brubeck Quartet en reuniones ocasionales.

Autor del tema más famoso del cuarteto, Take Five, pero artista desarmantemente modesto, se le atribuye la siguiente frase:

No soy más que el saxofonista en el cuarteto de Dave Brubeck, al que me uní terminada la Guerra de Corea. Pueden reconocerme con facilidad porque, cuando no toco, lo que sorprendentemente ocurre a menudo, aún sigo allí apoyado en el piano.



Manuel Temez (Jazz entre amigos)

Benny Goodman, Gene Krupa, Harry James, Lionel Hampton





Benny Goodman nace el 30 de mayo de 1909


Su nombre completo era Benjamín David Goodman, nació en el seno de una numerosa y humilde familia judía de origen polaco. Benny era el noveno de doce hermanos. Empieza a estudiar música en la sinagoga "Kehelah Jacob" formando parte de su orquesta juvenil. En aquella época visita Chicago algunos músicos provenientes de New Orleáns, y cuando les escucha, Benny Goodman adopta el jazz como su música para siempre. Con catorce años obtiene el carné del sindicato de músicos y es contratado en la orquestad de baile de Bill Grimm. Allí conoce al legendario cornetista, Bix Beiderbecke, que actúa en la sala de fiestas: "Midway Gardens".

En 1925, logra entrar por fin en una gran orquesta: la del batería, Ben Pollack. Allí estaría durante cuatro años que le sirvieron para coger experiencia sobre el funcionamiento de una bigband. Hasta 1934 no logra formar su primera propia orquesta. Lo contrata el empresario Billy Rose, y a continuación la emisora de radio NBC, lo llama para dar un programa semanal emitido a todo el país titulado: "Let's Dance". Pronto se convertirá en el director de orquesta preferido por la clase media americana, loca por bailar en los años treinta. Está comenzando la "Era del swing" y Goodman, esta muy bien colocado.

Conoce al productor y brillante cazatalentos, John Hammond y comparte con él la actitud antirracista de este personaje miembro de una de las familias mas ricas de los Estados Unidos. Comienza a integrar en su banda a famosos solistas negros, como el maravillosos pianista, Teddy Wilson, o el vibrafonista, Lionel Hampton, con quienes compartirá su celebre cuarteto completado con el explosivo, Gene Krupa a la batería. Goodman, fue un valiente pionero en la idea de imponer a los empresarios de los clubes y locales que sus músicos tocaban con el, con independencia del color de su piel.

La orquesta de Goodman, vive un periodo esplendoroso en el que desfilan excelentes solistas como los trompetistas: Bunny Berigan, Ziggy Elman o Harry James; los trombonistas: Vernon Brown o Red Ballard; los saxofonistas, Vido Musso, Bud Freeman o Babe Russin; o los bateristas, Gene Krupa o Dave Tough y las vocalistas: Helen Ward, Peggy Lee o Martha Tilton. En 1937 participa en Los Ángeles en la película musical: "The Big Broadcast" y su carrera va imparable hacía el acontecimiento que le proclamaría para siempre: "El rey del swing", el concierto de enero de 1938 en el Carnegie Hall.

En 1939, Goodman se va de RCA y ficha por Columbia. Es el año en que se le marchan varios instrumentistas destacados, entre ellos, el espectacular, Gene Krupa, pero también es el año en que incorpora a su banda a un joven guitarrista de Oklahoma, llamado Charlie Christian. Un músico que no solo va a revolucionar el arte de la guitarra en el jazz, sino que es un músico fundamental para la música que venía en la década posterior. Benny Goodman, es nombrado a finales de 1939 mejor solista y y su banda y el sexteto que forman ocupan los números unos, en las votaciones de la prestigiosa revista, Down Beat. Charlie Christian, es elegido mejor guitarrista.

Ya en 1942, logra a duras penas sobrevivir al empuje del bebop, y finalizada la "era del swing" resiste como puede. Llega la II Guerra Mundial y con ella el final de las bigbands. En 1955, Hollywood, realiza la película de su vida, "The Benny Goodman Story", dirigida por Valentine Davis, con Steve Allen, en el papel de Benny. Como casi siempre, la película es bastante mediocre, pero el montaje musical es sobresaliente. Aupado por esta nueva bocanada de aire fresco, sale de gira por Europa, por Oriente Medio a cuenta del Departamento de Estado, quien le proporciona la frivolidad de dar un concierto de jazz en la misma Unión Soviética y en pleno auge de la guerra fría. Fue en Moscú en 1962.

Benny Goodman, murió el 13 de junio de 1986, a los setenta y siete años. Su vida hasta el último momento estuvo dedicada honestamente a la música de jazz.


Manuel Temez (Jazz entre amigos)

Miles Davis - Around The Midnight (1967)





Miles Davis nace el 26 de mayo de 1926


Miles Dewey Davis , creció en un acomodado barrio blanco del East St. Louis, ciudad a la que se habían trasladado sus padres desde Alton en Illinois donde nació en 1926. Sus primeros admiradores también fueron músicos blancos, fundamentalmente, Harry James y Bobby Hackett. Seriamente interesado en la música, tomó clases de Elwood Buchanan, trompetista ocasional de la orquesta de Andy Kirk, cuando aun no había cumplido los trece años. De este músico recibió su primer consejo que llevó a rajatabla durante toda su vida "..toca sin vibrato, ya temblaras cuando seas viejo". Ese fue el embrión de ese estilo liso y lírico, aparentemente frio pero emocionante hasta casi llorar.

Con 16 años cumplidos, tuvo la oportunidad de salir de gira con la orquesta de Tiny Bradshaw pero la negativa del padre se lo impidió. En 1944 escuchó por primera vez a Charlie Parker y Dizzy Gillespie en la orquesta del cantante, Billy Eckstine. Hizo amistad con él y "Bird" le aconsejó que se trasladase a New York. Una vez en la ciudad, Miles fue testigo directo de la cruenta batalla estilística entre lo viejo del jazz - el swing- y lo nuevo- el bebop-. Después de varias actuaciones a uno y otro lado de la Calle 52 con los creadores del nuevo sonido, estuvo capacitado para dar un paso crucial en su carrera.

En 1949, Miles germinó su primera obra capital en la historia del jazz. Junto al compositor Gil Evans y músicos de la talla de Gerry Mulligan y Lee Konitz entre otros, grabó "Birth Of The Cool", una obra que dio paso al celebre "Noneto Capitol" una empresa democrática que repartía responsabilidades entre solista, compositor y arreglista. En aquélla época sufrió su primera detención por consumo de droga y en 1951 fichó por el sello "Prestige" para el que grabó años después cuatro formidables álbumes que figuran entre lo mejor de su discografía. Atrás quedaban la tormentosa sesión de grabación con Thelonius Monk y su participación en el famoso quinteto de John Coltrane.

Precisamente la colaboración de Miles con Coltrane convenció a los jefes de la Columbia para que Miles firmara con ellos. En la arcas de Columbia, están algunas de las mejores grabaciones de Miles, entre ellas el obligatorio, "Kind Of Blue" grabado en 1959, las grabaciones en directo en el "Plugged Níkel" de 1965, el mil veces referenciado como el primer disco del jazz-rock de la historia titulado: "Bitches Brew" o el disco que inauguró la etapa eléctrica de Miles titulado "In a Silent Way" de 1969. En aquella época, a su alrededor se precipitaban los acontecimientos y en los años sesenta la psicodelia, y el rock llamaban con fuerza a la juventud de entonces y Miles no quiso apearse del autobús. Sus discos empezaron tomar un sesgo cada vez ruidoso y en sus banda predominaban cada vez mas los bajos eléctricos y guitarras amplificadas y si bien eso le ayudó a aumentar su popularidad entre las nuevas generaciones, su creatividad disminuía notablemente.

Poco después de un concierto celebrado en Madrid en 1990 se le manifestaron los primeros síntomas de una enfermedad que le llevó a la muerte. Falleció en Santa Mónica el 28 de septiembre de 1991. Nadie como Miles Davis, ha hecho corresponder las edad artísticas de su desarrollo estilístico con las distintas etapas del jazz. Su juventud estuvo ceñida al bebop, el tórrido sonido del hardbop, luego aliviado por la brisa del cool se apoderaron de el durante su adolescencia y las tentación otoñal del jazz eléctrico recrudecida en su ultima fase le ocupó hasta que le sobrevino la muerte. Miles se llevó el secreto de su música y de su vitalidad.


Manuel Temez (Jazz entre amigos)