martes, 13 de mayo de 2014

Stone Free - Gil Evans Orchestra Live in Lugano 1983





Gil Evans nace el 13 de mayo de 1912

El arreglista, compositor, y líder de orquesta, Gil Evans, ha sido descrito a menudo como una especie de Svengali orquestal. Alguien que conjura sonidos casi místicos tomado de las grandes formaciones del jazz para proporcionar el fondo musical perfecto a solistas como Miles Davis o a la cantante, Helen Merrill. Evans, fue sin duda un complemento perfecto para esos artistas, pero también se embarcó en una incesante exploración de las posibilidades inherentes al campo de la composición y el arreglo orquestal en el ultimo tramo de su carrera y disfrutó incluso de una variedad de instrumentos electrónicos en su original paleta de sonidos.
Nacido en Toronto de padres australianos, se dedicó en los primeros años de su juventud a viajar por numerosos países hasta que finalmente se estableció en Stockton (California) donde dirigió su propia banda como músico completamente autodidacta entre 1933 y 1938. Posteriormente, Skinnay Ellis, se hizo cargo del grupo y Evans se quedó como arreglista hasta 1941, año en que paso a formar parte de la orquesta de Claude Thornhill donde estuvo hasta 1948, dotando a la banda de un sonido evanescente y "flotante". A partir de su éxito titulado "Snowfall" Gil Evans, adquirió una sólida fama en los arreglos de estándares para orquestas convirtiéndose en una especie de "guru" para las nuevas generaciones de compositores y arreglistas de finales de los cuarenta.
Junto a Gerry Mulligan, John Lewis, John Carisi, Lee Konitz, Miles Davis y otros músicos, lanzaron entre 1948 y 1950 el álbum que revolucionó todos los conceptos musícales de aquella época creando el llamado "estilo cool" y cuyo grupo fue y es conocido para la posteridad como el "Noneto Capitol". De allí salió el álbum "Birth of the Cool", uno de los títulos imprescindibles de la historia del jazz. Tras ese fértil periodo, Gil Evans, desapareció de la escena del jazz hasta mediados de los años cincuenta, cuando la cantante Helen Merrill, insistió en que fuese él quien se encargara de los arreglos de su álbum para Emarcy "Dream of You" en 1956. Los bellísimos, extraordinarios y exuberantes arreglos que Evans hizo para las canciones clásicas de ese álbum, le llevaron a retomar la colaboración con Miles Davis en el álbum "Miles Ahead" grabado en 1957 para la Columbia y donde Miles bajo la batuta de Evans, se sube a un escenario con cerca de una veintena de músicos, toda una autentica bigband extraordinaria. A ese álbum, le siguieron un extraordinario "Porgy and Bess", en 1958 y el álbum que inició el camino para la fusión entre el flamenco y el jazz "Sketches of Spain". Evans a la conclusión de este triple salto mortal era toda una personalidad influyente en el mundo del jazz.
Tras la colaboración con Miles, Gil Evans produjo en la década de los sesenta sus mejores esfuerzos en solitario con tres discos grabados a su nombre: el primero y mejor de todos, grabado en 1959 para Pacific Jazz y titulado: "Great Jazz Standars" es una obra maestra absoluta, el segundo "Out of the Cool" grabado para Impulse! en 1961, fue el primero, el segundo dos años mas tarde en 1963 bajo el titulo de "The Individualims of Gil Evans" para el sello Verve. En ellos refleja claramente su fascinación por el compositor alemán, Kutrt Weill. También por aquélla época hace algún trabajo arreglando los discos de la cantante, Astrud Gilberto. En 1970, Evans, inicia una nueva etapa de su carrera cuando aparece con su propia bigband en el Village Vanguard de New York aunque la irregularidad predomina en esta ultima fase de su carrera. Vuelve a encontrarse con Helen Merrill, en un trabajo postrero de ambos y su vida terminó el 20 de marzo de 1988.

Manuel Temez (Jazz entre amigos)

Chet Baker Live in Holland 1975





El 13 de mayo de 1988 Chet Beker nos dejaba para siempre


El trompetista Chet Baker murió en Amsterdam, al caer por la ventana de la habitación de un hotel. Tenía 58 años, gracias a su estilo confidencial, Chet Baker fue uno de los músicospredilectos de los años 50, sobre todo por su participación en el célebre cuarteto sin piano de Gerry Mulligan. En esta época, Baker colaboró con figuras de la importancia de Art Pepper y Lee Konitz, actuó como cantante y dirigió sus propios grupos junto a pianistas como Russ Freeman o el infortunado Dick Twardzick.
Parecía un triunfador, pero ya en su década gloriosa tuvo problemas con las drogas, y a fines de ella se vio obligado a refugiarse en Europa. Los años 60 fueron para Chet Baker un infierno. De vuelta a Estados Unidos, pudo aún realizar unas buenas grabaciones junto a George Coleman y Kirk Lightsey. Pero en 1968 unos traficantes le causaron lesiones graves, y todo pareció acabar para él.
Daba la impresión de que nunca habría otro Chet Baker. Sin embargo, animado por Dizzy Gillespie y otros colegas, Baker regresó. El punto de partida oficial de este regreso fue un concierto en el Carnegie Hall, otra vez con Gerry Mulligan. Desde entonces, al aficionado al jazz nunca le ha faltado la melancolía de la trompeta y la voz de Chet Baker.
La muerte, que siempre le rondaba, le encontró de una manera absurda y en un momento absurdo. Puesto que era inevitable, hubiera sido más lógico que muriese cuando las hojas de otoño empiezan a caer. Pero a la muerte le tienen sin cuidado estos sentimentalismos. Baker moriría al caer por la ventana de un hotel en Ámsterdam tras consumir heroína y cocaína.

Desde entonces el mundo del jazz está de duelo.



Manuel Temez (Jazz entre amigos)

King Oliver's Creole Jazz Band (Gennett, April 5-6, 1923 Session)





King Oliver nace el 11 de mayo de 1885


Joe "King" Oliver, leyenda de la primera época del jazz, fue un gran músico. Nacido en una plantación al sur de Baton Rouge, llegó a New Orleáns siendo aun muy pequeño. Huérfano de madre desde niño, se educa en Nueva Orleáns guiado por su hermanastra Victoria Davis.

Ya en la adolescencia comienza dedicarse a la música y tocando en las mas celebres orquestas de la ciudad, entre ellas la "Olympia Band" de la que era estrella Freddie Keppard, la "Onward Brass Band" y algunas otras. Sin embargo, las condiciones económicas no le permitían dedicarse exclusivamente a la música, y la compaginaba con otros trabajos en oficios destinados a los negros. De vez en cuando tocaba con otras bandas en bailes y funerales y una vez llegó a Baton Rouge. Tocó por las calles de la ciudad y en los locales del barrio de Storyville. Gracias a su marcado estilo se gana el sobrenombre de King, pero también se le conoció como "Tenderfoot", debido a los callos que tenía en los pies.

En 1918 se traslada a Chicago para unirse a la banda "Los jardines Reales de Chicago". En esta ciudad siguió uniéndose a otras bandas como la "Dreamland Café", liderada por Lawrence Duhe. Al comienzo de la década de los años veinte monta su propia formación, la "Creole Jazz Band". Con ella realizó las primeras grabaciones determinantes de la historia del jazz, inaugurando una genealogía que continuará, años mas tarde, en los "Hot Five" y "Hot Seven" de Louis Armstrong, las grabaciones de Jelly Roll Morton con los "Red Hot Peppers", los discos de 1945 de Charlie Parker y Dizzy Gillespie, las doce tomas del "Noneto Capitol" de Miles Davis, etc, etc. Las grabaciones de Oliver para las marcas, Gennett, Paramount, Okeh y Columbia, son el verdadero origen de la estirpe jazzistica. La "Creole Jazz Band" estableció cuando grabó "Chimes Blues"; "Canal Street Blues" "Snake Rag" o "Dippermouth Blues" el modelo standar para todos los grupos de jazz que no basan su eficacia en la expresión individual sino una suma conquistada a través del equilibrio del grupo.

En 1927, una vez que sus mejores solistas se fueron de la orquesta, Armstrong entre ellos, Oliver se mudó a New York contratado por la famosa sala de baile "Savoy Ballroom" después de desaprovechar la mejor oportunidad de su vida al rechazar un contrato de trabajo en el Cotton Club, que en su lugar contrató a un desconocido por entonces, Duke Ellington. El crack del 29, la crisis económica, la escasez de trabajo y el cambio en los gustos del publico, fueron llevando a Joe "King" Oliver a un estado depresivo, que fue agravado por una enfermedad letal para un músico: la piorrea. Imposibilitado para tocar la corneta, viendo como su discípulo, Louis Armstrong, le superaba en efectividad y en estilo, humillado hasta el punto de tener que trabajar quince horas al día limpiando una sala de billares con un salario de hambre, Oliver sufrió un derrame cerebral y a su muerte no hubo dinero ni para cubrir su tumba con una lápida.


Manuel Temez (Jazz entre amigos)

A Few Minutes with Johnny Hodges





Johnny Hodges nos dejaba para siempre el 11 de mayo de 1970


John Cornelius Hodges fue uno de los solistas más importantes de la orquesta de Duke Ellington y uno de los tres saxofonistas altos más influyentes e importantes de la historia del jazz, junto con Benny Carter y Charlie Parker. La manera que tenía Hodges de tocar el saxo, con un vibrato intenso, le hizo imprescindible en la orquesta. En los tiempos lentos (a los que Ellington le ligaba frecuentemente) emocionaba, mientras que en los tiempos rápidos desarrollaba un swing irresistible, lo que le hizo el saxofonista alto más popular de los años 40 y 50.


Manuel Temez (Jazz entre amigos)

Fred Astaire drums skit (Damsel In Distress 1937)





Fred Astaire nace el 10 de mayo de 1899


Frederick Austerlitz, más conocido como Fred Astaire, fue un actor, cantante, coreógrafo, además de un virtuoso bailarín, capaz de transmitir riesgos despreocupadamente o emociones profundas cuando se exigía. Su control técnico y sentido del ritmo fueron asombrosos; según una anécdota, era capaz, cuando era llamado de nuevo al estudio, de rehacer un número de baile que había filmado hacía varias semanas para un número de efectos especiales, de reproducir la rutina con exactitud hasta el último gesto. La ejecución de una rutina de baile de Astaire era de primera por su elegancia, gracia, originalidad y precisión. Él tiró de una variedad de influencias, incluyendo claqué y otros ritmos afroamericanos, baile clásico y el estilo elevado de Vernon e Irene Castle, para crear un estilo de baile único y reconocible que influyó ampliamente el estilo "American Smooth" del baile de salón, y fijó los estándares con los que los posteriores musicales en cine serían juzgados. Coreografió todas sus propias rutinas, normalmente con la ayuda de otros coreógrafos, principalmente Hermes Pan.
Su perfeccionismo fue legendario así como lo fue su modestia y consideración hacia sus artistas prójimos; sin embargo, su implacable insistencia en ensayos y nuevas tomas fue un carga para algunos. Aunque se veía a sí mismo principalmente como un artista, su consumado arte le supuso la adulación de algunas leyendas del baile del siglo XX como Michael Jackson, George Balanchine, los hermanos Nicholas, Mikhail Baryshnikov, Margot Fonteyn, Bob Fosse, Gregory Hines, Gene Kelly, Rudolf Nuréyev y Bill Robinson.

Extremadamente modesto sobre sus capacidades de canto - frecuentemente afirmaba que no sabía cantar - Astaire presentó algunas de las canciones más célebres del Great American Songbook, en particular, "Night and Day" de Cole Porter en Gay Divorce (1932); "Isn't it a Lovely Day" de Irving Berlin, "Cheek to Cheek" y "Top Hat, White Tie and Tails" en Top Hat (1935), "Let's Face the Music and Dance" en Follow the Fleet (1936) y "Change Partners" en Carefree (1938). Presentó "The Way You Look Tonight" de Jerome Kern en Swing Time (1936); "They Can't Take That Away From Me" de the Gershwins' en Shall We Dance (1937), "A Foggy Day" y "Nice Work if You Can Get it" en A Damsel in Distress (1937) y presentó "One for My Baby" de Johnny Mercer en The Sky's the Limit (1943) y "Something's Gotta Give" en Daddy Long Legs (1955) junto con Harry Warren y "This Heart of Mine" de Arthur Freed en Ziegfeld Follies (1946).
Astaire también copresentó un número de canciones clásicas a través de duetos musicales con sus parejas. Por ejemplo, con su hermana Adele, copresentó "I'll Build a Stairway to Paradise" de the Gershwins' en Stop Flirting (1923), "Fascinating Rhythm" en Lady, Be Good (1924), "Funny Face" y "'S Wonderful" en Funny Face (1927); y, en duetos con Ginger Rogers, él presentó "I'm Putting All My Eggs In One Basket" de Irving Berlin en Follow the Fleet (1936), "Pick Yourself Up" de Jerome Kern y "A Fine Romance" en Swing Time (1936), junto con "Let's Call The Whole Thing Off" de The Gershwins' en Shall We Dance (1937). Con Judy Garland cantó "A Couple of Swells" de Irving Berlin en Easter Parade (1948); y, con Jack Buchanan, Oscar Levant y Nanette Fabray cantó "That's Entertainment" de Betty Comden y Adolph Green en The Band Wagon (1953).

Aunque poseía una voz suave, era admirado por su lirismo, dicción y construcción - la gracia y la elegancia tan apreciada en su baile parecía tener su reflejo en su canto, una capacidad de síntesis que llevó a Burton Lane a describirle como "El mejor intérprete musical del mundo." Irving Berlin consideró Astaire igual que cualquier intérprete masculino de sus canciones - "tan bueno como Jolson, Crosby o Sinatra, no necesariamente por su voz, sino por su idea de proyectar una canción". Jerome Kern le consideró el intérprete masculino supremo de sus canciones y Cole Porter y Johnny Mercer también admiraron su tratamiento único de su trabajo. Y mientras George Gershwin era algo crítico con las capacidades de cante de Astaire, escribió muchas de sus canciones más memorables para él.



Manuel Temez (Jazz entre amigos)

Eddie Jefferson - So What







Eddie Jefferson fallece el 9 de mayo de 1979


Eddie Jefferson un ex-bailarín de claqué y cantante, tuvo la idea un día de 1952, de poner letra a la bella y extraordinaria improvisación que el saxofonista, James Moody, había realizado a la balada "I'm in The Mood For Love" con músicos suecos en 1949. Después de él vinieron muchos otros, incluso con gran éxito como fue el caso del cantante, King Pleasure, pero, Jefferson fue el primero. Y con el nació el estilo vocal conocido como "vocalese".

Eddie Jefferson, cantaba la letra recogiendo todas y cada una de las inflexiones del sólo de saxo de Moody yendo mas allá del scat, - el canto improvisado sin palabras - y por tanto creando las bases para una nueva canción. Al principio de su carrera, Jefferson, había introducido esporádicamente en sus espectáculos de clubes, breves versiones vocales de solos de Chu Berry y Lester Young. Ya antes, en 1939, hizo algo parecido con el tema de Coleman Hawkins, "Body and Soul". Y fue cuando Jefferson estaba trabajando en el "Cotton Club" de Cincinnati en 1950, cuando King Pleasure se presentó en el Teatro Apollo de Harlem y ganó su concurso para aficionados con el tema de Jefferson.

En 1953, Eddie Jefefrson se asoció con el saxofonista, James Moody y su grupo durante una década donde tuvo la oportunidad de grabar varios discos para los sellos: Argo, Prestige y Riverside. Durante los años setenta, formo pareja con el también saxofonista, Richie Cole, grabando con él varios discos para el sello "Muse" antes de morir trágicamente asesinado a las puertas de un club de Detroit en donde trabajaba.


Manuel Temez (Jazz entre amigos)

"Red Nichols and his Five Pennies" (Vitaphone 1929)





Red Nichols nace el 8 de mayo de 1905


Ernest Loring "Red" Nichols fue un cornetista y trompetista de jazz tradicional y swing, representante destacado del llamado "estilo Nueva York" o "High Brow".

Multiinstrumentista (tocaba además el piano y el violín), organizó desde muy pronto sus propios grupos, y con uno de ellos, en 1921 y 1922, grabó sus primeros discos. Después trabajó con diversos músicos, como el baterista George Olsen (1893 - 1971) y Paul Whiteman, y grabó copiosamente con diferentes bandas, propias y ajenas.

En 1928 montó una nueva banda con músicos jóvenes pero ya reconocidos: The Five Pennies. En ella estuvieron el trompetista Max Kaminsky (1908 - 1994), Benny Goodman, Jack Teagarden, Glenn Miller, Gene Krupa, Wingy Manone y otros. Con estas bandas, hizo numerosas giras durante los años 30 y los primeros 40. En 1959, Paramount realiza una película sobre su vida, llamada precisamente Five Pennies, con Danny Kaye en el papel de Red Nichols, Bob Crosby y Louis Armstrong.

Aunque parte de la crítica le acusaba casi de imitador de Bix Beiderbecke, Red Nichols poseyó un estilo sutil y preciso, original en ciertos aspectos como su sonoridad cristalina y pulida y su intento de fusionar el jazz con la música de cámara. En realidad, según algunos autores, su cercanía al estilo de Beiderbecke provenía de su común influencia de Phil Napoleon.


Manuel Temez (Jazz entre amigos)